Los espacios oblicuos

A medida que fui deambulado como un “flaneur” por distintas urbes comencé a interesarme , en una especie de tímida abstracción mental,  en espacios oblicuos. Y con el tiempo comprendí que es el principio dinámico que rige nuestra vida moderna.

¿Cómo lo comprendí? Bueno…… con curiosidad y también con la inestimable ayudita “de los amigos” de toda esa cultura visual de escuelas, pensadores, arquitectos, pintores que fueron generando este discurso iniciado de alguna manera, a principios del siglo XX con la transformación de las grandes ciudades. Y, ohh casualidad! también estaban los curiosos fotógrafos muñidos con sus pequeñas cámaras de 35 mm.

El flim Manhatta (1921) de la mano de Paul Strand nos da un pincelazo fresco y vital de Nueva York, el ejemplo capital del camino emprendido en las nuevas transformaciones urbanas de las ciudades del siglo XX.

Reflexionar sobre las diagonales como un principio dinámico de la vida moderna,  rompió con el molde renacentista de cómo pensar una ciudad.

De todo ello se alimentó Theo Van Doesburg con su contracomposición y le dio nombre y apellido a este pensamiento de la “gramática en diagonal” que conviven en la materialización de las ciudades de hoy. De ahí, su vigencia.

Nueva York, década del '60 © Garry Winogrand

“Por instinto me voy hacia las formas angulares. Me interesa más el ángulo que la curva y además veo la curva inserta en el ángulo” comentaba Pablo Palazuelo, un prestigioso pintor español que ayuda a entender, a través de sus cuadros,  la dinámica de las diagonales insertas en el mundo actual.

Pablo Palazuelo. Otoño 1952

“La diagonal, cuando la sugieren las circunstancias interiores o exteriores, es rara vez discordante. Se oculta dentro del orden o domina la composición como motivo central” señala Robert Venturi, un importante arquitecto, nacido en una gran urbe como es Philadelphia.

Philadelphia 1962 © Ray Metzker

Un paisano de esta ciudad, Ray Metzker la fotografió, justamente, a través de composiciones repletas de espacios oblicuos y diagonales. Desde mi  humilde opinión, sus fotografías mantienen una gran vitalidad ya que constituyen el principio de la vida moderna: dinámica, vital, subyugante a los criterios estéticos de las diagonales.

Philadelphia 1981© Ray Mezker

Su trabajo, en casi su totalidad, se centró en su ciudad natal y en Chicago. Un cuerpo de trabajo de más de 40 años.

Chicago 1957 © Ray Metzker

Philadelphia 1983  © Ray Metzker

Por eso no está mal, deambular por las calles con una cámara y experimentar todas las cualidades del uso de diagonales y espacios oblicuos. Puede que encontremos otra ciudad.

© Ray Metzker

Hasta pronto!

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Consejos de composición

En una oportunidad, en la presentación del taller que impartió Navia en Catalunya en el 2009, comentó que una foto de Paul Strand realizada en 1917,  simbolizaba el punto de partida de un lenguaje nuevo perteneciente exclusivamente a la fotografía documental y que no tenía que pedirle prestado nada a la pintura como se hacía hasta ese momento.
Publicada en la mítica revista Camera Work, esta fotografía, según Navia, rompía con las líneas en fuga, con los motivos de interés (en este caso se le da importancia artística a un simple reja de madera) y jugaba con distintos planos como si fueran bloques. Y todo en el parte trasera de su propia casa.  

© Paul Strand

Con el tiempo, la fotografía documental maduró y armó una gramática más cualificada, más perfeccionada que vale la pena observar, a través de los conseejos que brinda Steve McCurry en el siguente video. 



Que pasen una buena semana, hasta pronto!



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México en la retina de dos grandes fotógrafos

La historia cuenta que dos grandes fotógrafos documentales coincidieron en un lugar y durante los mismos años. Uno,  estaba fascinado por la cultura y el otro experimentó amor a primera vista. Me estoy refiriendo a Paul Strand y Henri Cartier Bresson que coincidieron en México a principios de los años ’30 del siglo pasado.

Justamente ayer tuve en mis manos  el libro - catálogo que publicó Steidl que coincidió con la expo de hace dos años en  París. Me refiero a México 1932 – 1934.

El libro no tiene desperdicios. Sus 172 páginas recorren a través de ensayos y fotografías el itinerario que cada uno de los fotógrafos llevó por aquel país.

Paul Strand fue a México invitado por el gobierno y Cartier Bresson llegó con un equipo etnográfico de trabajo. 

Ahora los dejo con un video donde podrán apreciar parte de esa antológica exposición en las salas de la Fundación Henri Cartier Bresson en el 2012.





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Los escaparates son cosas de fotógrafos de calle

Desde que las grandes ciudades de principios del siglo XX como Nueva York, París o Londres  se lavaron la cara en la modernidad; comenzaron a mostrarse atractivas en sus espacios públicos, orgullosas de sus transformaciones urbanas e incipiente prosperidad industrial y económica.

Junto a toda esa evolución urbana, estaban los primeros fotógrafos de calle que con sus discretas cámaras con películas de 35 mm comenzaron a documentar todo. Y allí está el  origen de esta apasionada práctica fotográfica tan intrínsenca, tan onírica, tan pura de la fotografía documental.

Manhattan (1921), el film documental dirigido por Paul Strand y Charles Sheeler muestra mucho de ese nuevo devenir en Nueva York.

En ese contexto, los fotógrafos comenzaron a sentirse especialmente atraídos por los escaparates de las tiendas. Y no sólo por la dualidad de las realidades que reflejan los cristales. Sino porque estos escaparates son bodegones que hablan de tendencias gastronómicas, de modas imperantes, de hábitos de una época, del consumismo en general. Así lo entendieron los grandes fotógrafos de esa época como Eugene Atget, Walker Evans o Lisette Model, entre otros.

París © Eugène Atget

Nueva York 1939 © Lisette Model

Nueva York 1929© Walker Evans

Durante los último años,  el fotógrafo Lee Friedlander  realizó un formidable  trabajo sobre uno de los protagonistas excluyentes de los escaparates contemporáneos:  los maniquís.

NY 2011 © Lee Fridlander

NY 2011 © Lee Fridlander

Y  concentró su trabajo en tiendas de Nueva York, Los Angeles y San Francisco.

 © Lee Fridlander

 © Lee Fridlander

Este trabajo fue expuesto en la Fraenkel Gallery en el 2012 y junto con la exposición se publicó un catálogo con 103 imágenes titulado precisamente Mannequin.

Recordemos que Friedlander ayudó a consolidar la fotografía de calle en la década del ’60 del siglo pasado junto con grandes como Garry Winogrand, Joel Meyerowitz, Tony Ray-Jones o Bruce Gilden.

Hasta el viernes!!

En el principio fue Manhattan

Siempre encuentro ligazones, cercanías que parecen azarosas pero no lo son tanto al observarlas con detenimiento.  Desde hace un tiempo que pienso que el azar va ligada a cuestiones que no son tan casuales y tienen elementos, secuencias que son causa de algo y sólo hay que saber encontrarlo.

© Paul Strand

Algo de todo ello me pasa con las fotografías de Paul Strand. Siempre las encuentro en mi camino. Y siempre me detengo a observarlas, tienen algo que me deja pensando y siempre llego a las mismas conclusiones: que vitalidad tienen sus fotografías a pesar de los años.

Me acuerdo que me lo había recomendado Navia en el 2009 en aquel iluminado taller de Torroella de Montgí (Catalunya).

© Paul Strand

Hace un tiempo,en una nota firmada por su amigo Eduardo Moneñe y publicada  en la revista digital Fronterad, la figura de Strand se volvió a hacer presente con fuerza a través de las palabras de una carta (que se reproduce íntegra en la nota) que Sergio Larraín le escribió en 1993 a la hermana de Moneñe: “ En general hay mucha –pseudo – foto -…no conocen el oficio, como Strand, Weston o Smith, que es una parte. Ni la geometría, como Cartier Bresson, o el mismo Weston que es otra parte. Ni la contemplación como Adams. Ni la poesía, como Brassai, son un poco como esa pseudo – pintura abstracta que manchando una tela, por haberlo hecho en un estado de ánimo exaltado, cree que la cosa está lograda; y no lo está”.

© Paul Strand

Y hace unos días, Strand volvió a presentarse en mi camino.  Me refiero al catálogo monográfico que publicó la Fundación Barrié a propósito de la exposición que se realizó en A Coruña en el 2008. El libro en cuestión es:  Paul Strand. En el principio fue Manhattan.

Este libro de 600 páginas es un imperdible y tiene las 114 fotografías que fueron expuestas en la ciudad gallega. Además de llenar un vacío de publicaciones sobre Strand en castellano, el libro incluye un ensayo ilustrado con sus fotografías y también aparecen Alfred Stieglitz, Dorothea Lange, Lewis Hine, Walker Evans, entre otros…

Un buen regalo para estas navidades de un libro que en su momento  fue Premio PhotoEspaña 2009 al mejor libro de fotografía nacional.

Hasta el viernes!

Mis regalos en el día de la fotografía

Un 19 de agosto como hoy pero de 1839, el gobierno francés anuncia que el invento de Louis Daguerre, la fotografía, es un regalo para el mundo.

Por ese motivo y para celebrarlo,  quiero compartir con ustedes mis 10 fotografías favoritas. Pero eso no quiere decir que sean las más icónicas o las más representativas de la fotografía…algunas sí pero otras no.

 Además, y como pasa siempre, dentro de un año pueden ser otras, las imágenes favoritas…uno va cambiando en los gustos y en las preferencias. Pero si me pongo a pensar seriamente, más de la mitad de las que mostraré en este post quedarán para siempre en mi corazón y en mi pensamiento como el aroma de un perfume, inalterable…

1917 © Paul Strand

“La fotografía no es un atajo para llegar a la pintura, para llegar a ser artista o para cualquier cosa” Paul Strand

Estación de Saint Lazare, Paris, 1932 © Henri Cartier Bresson

“En la fotografía, la organización visual puede venir sólo de un instinto desarrollado” Henri Cartier Bresson

Nueva Orleans 1955 / 56 © Robert Franl

“Es bastante sorprendente ver a un tipo que mientras maneja el automóvil, de repente levanta su pequeña cámara alemana de 300 dólares con una mano, dispara a través del parabrisas sucio hacia algo que está frente a él. Y, más tarde, cuando la película ya está revelada, comprobar que esas estrías de suciedad no afecten la luz, ni la composición, ni detalle alguno de la imagen. Más bien parecen realzarla”  Jack Kerouac (1958) sobre su amigo Robert Frank.

© Saúl Leiter

“Pasé gran parte de mi vida siendo ignorado, pero fui feliz así. Ser ignorado es un gran privilegio. Así aprendí a ver que los otros no ven y a reaccionar de manera diferente. Simplemente contemplaba el mundo sin esperar nada en concreto” Saúl Leiter

Beijing, 1965 © Marc Riboud

“Fotografío como el músico canturrea. Contemplar un paisaje es como escuchar música o leer poesía: ayuda a vivir” Marc Riboud

Londres 1959 © Sergio Larraín

“Sigue lo que es tu gusto y nada más. No le creas más que a tu gusto, tú eres la vida y la vida es la que se escoge. Lo que no te guste a ti, no lo veas, no sirve. Tú eres el único criterio, pero ve de todos los demás” Sergio Larraín

Fez, Marruecos © Navia

“Nunca he viajado a Marruecos, ni creo que a ningún sitio, atraído por lo exótico. Siempre busco reconocer más que descubrir” Navia

Valparaíso de Abajo, España 1987 © Cristóbal Hara 

“En un año bueno como mucho consigo 12 fotos buenas. Si el año es regular, ese número baja a cuatro. Y si es malo, no saco ni una” Cristóbal Hara

Estambul 2001 © Alex Webb

“No busco definir nada; trato de explorar algo; intento plantear preguntas. La única manera que conozco de enfrentarme a un lugar nuevo es caminar” Alex Webb

Colorado, USA 1978 © Ernst Haas 

“Sólo estás tú y tu cámara, Los límites en tu fotografía están en ti mismo, ya que lo que vemos es lo que somos” Ernst Haas

Una lección personal de fotografía: Jeff Jacobson

Hoy me permito transcribir todo un ensayo completo porque no tiene desperdicio y, además,  me parece indispensable conocerlo como lo fue para mi, la carta que Paul Strand escribió en 1923.

Este ensayo (con su reportaje fotográfico)  fue titulado  Eco y Pentimento por el fotógrafo Jeff Jacobson y publicado en 1999 en el prestigioso sitio de fotografía Zone Zero fundado por Pedro Meyer.

"Una pregunta que siempre se me hace en relación a este trabajo es si está alterada digitalmente la imagen. La respuesta es no, estas fotografías no están alteradas en forma alguna. Los eventos ocurrieron tal cual, delante de la cámara. Todo lo que hice fue seleccionar cuando oprimir el obturador y en donde colocar las orillas del cuadro.

Los Angeles, California © Jeff Jacobson

Siempre me ha gustado eso de la fotografía, que los eventos dentro de la imagen hayan ocurrido en un punto fijo de tiempo y espacio. Desde luego que la imagen fotográfica no es la realidad, es la interpretación del fotógrafo en virtud de sus decisiones. Pero los eventos en la imagen realmente ocurrieron en el momento de su exposición, y ese hecho,  siempre me ha parecido que retiene lo singular de este medio y su atractivo más duradero.

México © Jeff Jacobson

El ordenador ha modificado nuestros supuestos básicos acerca de la existencia del espacio real y del tiempo de los eventos que ocurren dentro de la fotografía. No sé si esto sea necesariamente bueno o malo, solo sé que es algo nuevo. Mis fotografías les parecen a otros como si fueran construidas por la PC. ¿ Qué es lo que eso supuestamente dice acerca de mis fotografías y de la manera en que miro ?

Yo siempre he estado más interesado en las preguntas que en las respuestas, y al parecer en mis imágenes, hay más preguntas que respuestas. Algunas de las preguntas más importantes que tenemos delante de nosotros es, ¿ hacia donde vamos, qué será de nosotros, sobreviviremos como especie, como planeta ? Estamos a punto de entrar a un nuevo milenio, el viejo orden patriarcal y monoteistico parece estar ya cansado. ¿ Qué es lo que hacen juntos Jesús, Marilyn y Hulk Hogan, en un mismo cuadro ?

Hollywood, California, USA © Jeff Jacobson

 Le parece que Marilyn estuviera más atraída a la espiritualidad y antigüedad de Jesús o a la modernidad y carnalidad de Hulk ? ¿ O ninguna de las dos, o ambas ? Nuestra enajenación del mundo natural se ha vuelto extrema y ahora amenaza todas las formas de vida sobre este planeta. No le parece que ese chiquito sobre el caballo de aserrín, preferiría montar un caballo verdadero y cruzar un desierto verdadero?

Hollywood, California, USA © Jeff Jacobson

Las palabras eco y pentimento flotan en mi mente. Estoy escuchando el eco de lo que parece una cabeza cercenada sobre un mantel rojo, gritando de dolor, o tal vez hasta de risa.

Hollywood, California, USA © Jeff Jacobson

Estará de luto por los horrores del pasado y el presente, o estará dando un vistazo al futuro y se sabe algún chiste cósmico sobre nosotros.

Hollywood, California, USA © Jeff Jacobson

 Pentimento se refiere a la traza visible de una pintura temprana, debajo de una nueva. El pasado emergiendo al presente. ¿ Acaso las casas viejas y feas, abandonadas en algún momento pasado no resultan que irrumpen en el presente de esa joven hermosa sobre la carroza llena de colores, aun cuando ella misma sea una intrusa ?

Hollywood, California, USA © Jeff Jacobson

 Acaso el toro del taxidermista no le duele la pérdida de esos espacios abiertos que se encuentra en el diorama a sus espaldas ? Y que es lo que será revelado debajo de esa cara, en los dibujos de arena cuando ésta haya sido removida ?

Hollywood, California, USA © Jeff Jacobson

Las preguntas son mías, usted tal vez tenga otras. Las mías se refieren a las que me vinieron a la mente cuando elevé la cámara hasta mis ojos. Una es el aspecto del tiempo, ¿ cuándo oprimo el obturador ? La otra es una pregunta de espacio, ¿ a dónde coloqué los márgenes de la imagen ? Al momento de disparar el obturador se funden el pasado, el presente y el futuro. Cesa el flujo de la palabra. Espacio y tiempo, dos palabras sencillas que lleven a un sin fin de respuestas, breves momentos de trascendencia, y siempre, más preguntas."

Cine de fotógrafos

Hace unos días, descubrí un gran libro escrito por una gran periodista y también cineasta española.

Se trata de Cine de fotógrafos de Margarita Ledo.

Publicado por Gustavo Gilli (2005) , este libro me ha interesado mucho debido a que no es un manual más de historia del cine unido a los fotógrafos. Todo lo contrario. Explora los ejes vertebrales del cine realizado por fotógrafos: el documental y define su práctica desde una concepción fotográfica de la imagen.

De esa manera, la escritora gallega toma como punto de referencia una cita de Jean Luc Godard : “el cine es una herencia de la fotografía”. Y a partir de esta afirmación, las 264 páginas del libro, proponen un recorrido que rastrean complicidades históricas entre la cámara fotográfica y la fílmica.

De esa manera, encontramos capítulos enteros dedicados a  Paul Strand, William Klein o Rodchenko por citar algunos.

Imagen que pertenece al fim  Mannahattá (1921) de Paul Strand

También dedica un capítulo al instante decisivo  y al relato con fotos de Henri Cartier Bresson

Otro punto de inflexión del libro, es el análisis del enfoque fotográfico documental en el cine de Robert Frank. (Aqui abajo, veremos un extracto de su film Cocksucker Blues (1972) sobre los Rolling Stones.

Y termina con un texto que analiza el trabajo de Raymond Depardon.

No debemos olvidarnos que este libro fue premiado en la XVIII Edición del Premio Espais a la creación (2005) que concede anualmente la Fundacion Espais d’Art Contemporani de Girona (Catalunya). Vale la pena darle un vistazo!!
Un abrazo y hasta el viernes!!

Mensaje en una botella

Como si se tratara de mensajes embotellados traídos por ese inmenso mar de información y de saturación de imágenes en el cual estamos inmersos hoy en día; una simple carta, un simple mensaje puede ser el impulso necesario y auténtico para dar ese paso mágico y decirte a ti mismo:  soy fotógrafo.

Robert Capa y George Rodger en Napoles - Italia © Cartier Bresson

Hoy publico algunos extractos de una  carta embotellada hace más de cuarenta años que  pertenece a uno de los fundadores de la agencia Magnum que menos se recuerda: George Rodger.

“..En primer lugar deberás adquirir dominio técnico. Tendrás que hacerlo si deseas captar y reflejar la belleza con herramientas que poseen características puramente técnicas. Después habrás de olvidarlo todo y no contar más que con tus reflejos: movimientos instintivos, como abrir la boca para morder una manzana. Entonces, y solamente entonces, una vez adquiridos y dominados por completo esos reflejos, podrás concentrarte en lo que ves a través del objetivo, pués a través del objetivo se establece el vínculo entre la realidad y la interpretación personal que deseas dar a las cosas. Recuerda siempre esto. Todo lo que ves al mirar hacia abajo, en la placa de vidrio de tu Rolleiflex, corresponde a la realidad, a las cosas tal como son. La fotografía no es más que el resultado de lo que decides hacer con esa realidad.

Al mirar a través de ese objetivo, verás cosas bellas, cosas divertidas e incluso cosas tristes. Tal vez tu corazón se cierre ante el horror que descubras; quizás tus ojos se cubran de piedad o de vergüenza…Pero así es la realidad y debes conocerla. Creo que nadie puede mostrarte el camino; sé solamente honesto contigo mismo. Desde luego, no puedes interpretar lo que ves en el objetivo sin saber de lo que se trata en realidad.

Tanzania 1947 © George Rodger

Debes sentir cierta afinidad con lo que fotografias. Has de participar manteniendo suficiente distancia con el sujeto para dar muestras de objetividad. Es en cierto modo como presenciar una obra de teatro que sabes de memoria. Pero no existe ninguna fórmula mágica para adquirir ese conocimiento total, es comprensión íntima. El conocimiento nacerá espontáneamente, en lo más profundo de tu ser.” (Extracto de una carta enviada por George Rodger a su hijo Jonathan el 15 de julio de 1970).

Recuerden que en este gran océano virtual, existen otras cartas embotelladas que recomiendo leer: una es de Paul Strand y otra, de otro fotógrafo de Magnum: Sergio Larraín.

Un abrazo y buen día para todos!

El ojo de Ihei Kimura

Paul Strand o Walker Evans pueden considerarse, en gran medida, los padres de la street photography en los países anglosajones. Y en Japón se puede decir lo mismo a partir de Ihei Kimura. 

A las dos escuelas, los une un común denominador: la aparición de las cámaras  réflex, prácticas y rápidas con las cuales los fotógrafos comenzaron a desenvolverse con mayor libertad por los espacios urbanos que comenzaban a crecer rápidamente a principios del siglo XX.

De esa manera, Kimura se compró una de las primeras Leicas que había en el mercado con la cual descubrió un mundo nuevo, más espontáneo. En 1932, junto con Iwara Wakayama y Yasoy Nojima fundaron la revista Koga que se apartaba de la subjetividad para mostrar el mundo objetivo. 

Muchas de las fotografía tomadas por este gran fotógrafo a partir de entonces,  pueden verse en The Eye of Ihei Kimura, una importante antotología fotográfica que reúne casi 200 fotografías del autor durante 50 años.

Publicada inicialmente en 1970 por Asahi Shimbun, este libro se convirtió con el tiempo,  en una referencia obligada para los fotógrafos documentales japoneses contemporáneos.

Actualmente este libro está agotado y es muy difícil encontrar en venta algún ejemplar usado. Por lo pronto quiero compartir algunas imágenes de este importante libro de la fotografía documental japonesa. Hasta pronto!!

Morikawa - cho, Hongo 1953

Nida Akita 1952

1949

Okinawa 1936