Cuando las abstracciones arman un mundo

Cuenta la leyenda que mientras Ernst Haas trabajaba en un peculiar film de imágenes abstractas para ser exhibido a través de dos proyectores, lo sorprendió la muerte en 1986. El fotógrafo austríaco sabía que ese trabajo era la gran culminación de su vida dedicada a la fotografía a color.

(c) Ernst Haas. NY 1952

(c) Ernst Haas. USA, 1970

Haas como otros fotógrafos coloristas de la misma generación (Leiter, Cornelius, Herzog, Erwin Fieger, entre otros) abrazó el expresionismo abstracto como una forma de percibir el entorno público. 

En ese contexto de cosas, Haas fue el que más brilló: fue el primer fotógrafo a color que expuso de forma individual en el MOMA en 1962;  y fue el primer fotógrafo colorista de Magnum,  en una época en donde el color en la fotografía documental no estaba formalizad0 visualmente.

(c) Ernst Haas. NY 1974

Steidl  en los últimos años reivindica la figura de este gran fotógrafo austríaco con la publicación de Color Correction (2011) y en especial: Abstrakt. En este último libro (que verá la luz en junio de este año) se podrá visualizar una colección importante de imágenes que iban a ser proyectadas en ese peculiar film de Haas que su muerte lo impidió.

Hasta pronto!

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El día que Frank creó dos libros

Cuenta la leyenda que Robert Frank hizo dos libros (de una manera artesanal) de sus viajes por Perú en 1948. Y uno de ellos se lo regaló a Alexei Brodovitch (por ese entonces director de la afamada revista Harper’s Bazaar ; y el otro a su madre.

Perú (c) Robert Frank

En ambos libros de 39 fotos cada uno, las imágenes son las mismas, pero no siguen el mismo orden. Por lo tanto son dos libros distintos. Creo que Steidl finalmente publicó el que le hizo a su madre.

Perú (c) Robert Frank

En otras palabras, lo que Frank nos quiso decir es que,  en fotografía,  el orden de los factores si altera el resultado final. El emparejamiento secuencial de cómo queremos contar una historia visual es crucial. Y es tan decisiva como el maravilloso acto de crear las imágenes para ese discurso. Y allí entramos en un lodazal:  ingresamos en la aventura de la edición.

Perú (c) Robert Frank

Esa técnica de emparejamiento de página que utilizó en Perú (por distintas razones subjetivas de edición del autor: líneas, complejidad de formas, diagonales, vertical vs horizontal u otras variantes) las obvió en The Americans en dónde cada foto ocupa una página.

The Americans (c) Robert Frank

Y ese nuevo emparejamiento u orden se expresa como capítulos visuales en donde entra en juego otras líneas discursivas  Y eso es también un acierto aunque también tiene un orden implícito.

New York Inside Out (c) Robert Walker

Cuenta la leyenda, que el escritor beatnik William Burroughs aconsejó al fotógrafo Robert Walker que utilizara la técnica del cut-up para armar el emparejamiento de fotografías por página de su libro New York Inside Out . Y así podríamos hacer, con esta técnica, los libros que quisiésemos del New York de Walker. Y todos serían distintos.

New York Inside Out (c) Robert Walker

Los libros de autor en papel te ayudan a entender que una fotografía única puede tener un valor agregado al confrontarla con otra, o por su ausencia en una página. Y también te ayuda a entender la "escritura visual" del fotógrafo. Estilo personal como la edición.

En este plano, se puede disfrutar de las fotos con un sentido pragmático, narrativo. Y ese es el camino que revolucionó Frank en los ’50 y que aún nos gusta experimentar al crear u hojear un libro de fotografía.

Hasta pronto!

PD: esta nota está dedicada a John que se fue el domingo pasado a un mundo mejor....

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Bonnard y sus amigos fotógrafos

Así como el Quattrocento abrió el camino de la simetría y la profundidad de campo; y la contracomposición de Theo Van Doesburg reflexiona sobre el uso de diagonales para dinamizar espacios y colores; la aportación de Pierre Bonnard resultó un campo fértil para fotógrafos preocupados por ciertos aspectos formales de la composición.

© Pierre Bonnard

La pintura de Bonnard fue una fuente de inspiración para Harry Gruyaert. 

© Pierre Bonnard

© Pierre Bonnard

Le sorprendió como cortaba a sus personajes. Y como ordenaba los espacios a través del color.

© Harry Gruyaert

© Pierre Bonnard

Bonnard utilizaba tonos cálidos para los fondos y fríos para los elementos en primer plano, de esa manera alteraba la percepción de las distancias, le ofrecía profundidad de campo.

© Pierre Bonnard

 A Gruyaert también le gustó cómo el pintor francés aislaba a los personajes que no miran al espectador y dan la sensación de estar en varias realidades al mismo tiempo.

© Harry Gruyaert

A Harry Callahan también le fascinó ese aspecto de incomunicación, aislamiento e irrealidad que transmitían algunos cuadros de Bonnard y esa característica formal la utilizó mucho al fotografíar a su querida esposa durante 15 años.

© Harry Callahan

Al fotógrafo americano también le interesó como se mueve en el mundo cotidiano o en su vida familiar, temas con los que expresa ternura, erotismo y también incomunicación.

© Pierre Bonnard

En otro orden de cosas, Callahan  siempre se sintió atraído por la naturalidad que transmiten sus cuadros. 

© Pierre Bonnard

Marruecos 1981 © Harry Callahan

“ Bonnard parece acercarse a los objetos casi con timidez – señala Callahan en el prefacio del libro New Color (1988) – La composición da la impresión de total libertad y naturalidad exquisita”.

El año pasado, Steidl publicó un libro catálogo que explora las afinidades estéticas ligadas al mundo natural de Lee Friedlander y Bonnard.

página del libro de Friedlander y Bonnard

A los dos les une su “estilo poco convencional y auténtico que genera paisajes sin adornos, dejando al espectador la impresión de que han visto estas cosas con sus propios ojos" señala Steidl.

página del libro de Friedlander y Bonnard

 Hasta pronto!

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Dos fotógrafos urbanos unidos al color por casualidad

Los dos expresaban su mirada fotográfica a través de la estética del blanco y negro. Los dos elevaron la fotografía urbana a la categoría documental en la década del ’60 del siglo pasado. Los dos, muy jóvenes,  deambulaban por las calles de Nueva York en busca de escenas callejeras y de portfolio. Los dos fueron unos “tapados” en el uso del  color, y coquetearon con su estética en una época en la que el color estaba reservado solo para la publicidad, la moda y el viaje. Y, por lo que muestran dos libros recientes,  no lo hicieron tan mal.

Me refiero a dos grandes pioneros de este subgénero documental: Tony Ray Jones y Tod Papageorge.

Hace un par de años, la editorial Mack publicó las fotografías que hizo Ray Jones en Nueva York entre 1962 y 1963.

Nueva York © Tony Ray Jones

Nueva York © Tony Ray Jones

 El genial fotógrafo inglés recién estaba comenzando su carrera fotográfica y experimentar con el color, en su búsqueda documental por las calles neoyorquinas,  fue positivo para su evolución según su opinión y que se truncó por su muerte prematura.

Nueva York © Tony Ray Jones

El mismo caso fue el de Tod Papageorge. Un libro que publica Steidl este año, recoge sus fotografías realizadas en la Gran Manzana entre 1967 y 1968. 

Nueva York © Tod Papageorge

Nueva York © Tod Papageorge

Papageorge, con sólo 25 años y una billetera escasa, compró unos cuantos carretes de Kodakchrome se aventuró en la fotografía de calle a color y así poder presentar su trabajo en alguna agencia.

Nueva York © Tod Papageorge

Lo interesante de este trabajo es que el americano logró unas poderosas fotografías que no tenían nada que envidiarle a su trabajo en blanco y negro.

Nueva York © Tod Papageorge

Con el tiempo, Papageorge volvió al color y resultado de ello, en el 2010 la editorial Puctum publicó un pequeño pero novedoso libro (en su diseño): Opera Cittá que trata,  sobre su deambular fotográfico por Roma un año antes.

Seguramente que Ray Jones habría hecho lo mismo. Si viviera, hubiera vuelto al color.

Hasta pronto!

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Una historia de la segregación

Steidl acaba de publicar Segregation Story, un importante e histórico trabajo visual de Gordon Parks que vale la pena tenerlo en la biblioteca de los buenos libros, sino estaría incompleta.

Esta poderosa serie fotográfica realizada en 1956 en el sur de Estados Unidos, inicialmente fue un encargo para la revista Life. Sin embargo, este trabajo trascendió su época y se convirtió en un gran testimonio de época y uno de los primeros trabajos documentales realizados con película color.

El libro que publica Steidl  documenta unas 100 fotografías de esta serie de Parks sobre la vida de las familias afroamericanas que viven segregadas en el sur de Estados Unidos.

Es importante recordar que junto con la publicación de este libro, se está realizando un gran exposición en el High Museum of Art en Atlanta hasta el 21 de junio de este año.

Hasta el miércoles!!


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Muros de la estupidez humana

En 1989, un joven y soñador estudiante universitario alemán vivió de primera mano la caída del Muro de Berlín. Ante  semejante acontecimiento político y social,  lo fotografíó como tantos otros con la esperanza de no ver más muros en su vida.

Y el tiempo no le dio la razón porque cada vez hay más muros, más paredes que dividen, que discriminan, que echan a un costado a las mínorías.

Por ese motivo, Kai Wiedenhöfer junto con su cámara comenzó a viajar en busca de todos esos muros que fueron naciendo desde la caída del muro de Berlín. Para ello visitó los muros que se hicieron en Belfast, Ceuta y Melilla, Bagdad, Gaza, Palestina, la frontera mexicana – americana, Chipre, Corea; paredes y alambrados creados por el hombre para dividir no para unir.

El año pasado, Steidl publicó Confrontier de Kai Wiedenhofer. 

Un gran trabajo de 184 páginas que muestra en imágenes panorámicas, estas terribles paredes de división que prueban una vez más, la debilidad humana y nuestra incapacidad para comunicarnos.

Los dejo con un video donde el fotógrafo explica la génesis de su obra.

Buen fin de semana!


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Bruce Davidson en color

Steidl tiene anunciado para principios del 2015, un nuevo libro de Bruce Davidson.

Se trata de Bruce Davidson in color, un libro que promete un recorrido visual por muchas fotografías raras e inéditas que el autor realizó a lo largo de sus 60 años de trabajo fotogoráfico.

El mismo Davidson se encargó de realizar la selección de estas fotografías que corresponden a sus trabajos comerciales,de moda y por supuesto, de su labor documental.

Así,  de esa manera,  se podrán  observar cerca de 250 imágenes en un libro de grandes dimensiones que lleva además, textos del propio Davidson.

Hasta el viernes!!


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