Al ritmo de una ciudad

Hace muy poco impartí un nuevo taller en Oporto (ya voy por el tercero) y la verdad es que me hace sentir muy feliz esta gran ciudad portuguesa, cada vez que la visito.
Y no sólo por su maravillosa luz o por lo cosmopolita que es; sino por la calidez de la gente y por sobre todas las cosas, la calidad humana de los participantes que me acompañaron en esta tercera edición
Por eso deseo compartir con ustedes, un video con una selección de instantáneas callejeros de los participantes y, en donde, incluyo algunas fotografías mías. Espero les guste....


Oporto 2016 from Marcelo Caballero on Vimeo.




Además, les deseo a todos una buena terminación de año con el gran deseo de encontrarnos muchas veces, a través de este blog o en un café o en la calle, el año próximo.

 Y deseando también que algunas de las palabras de esta imagen, convivan en vuestros corazones.
hasta pronto, queridos amigos cómplices!


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Fotos para la contradicción y el contraste

A mi siempre me gustaron esas fotos callejeras que no se quedan en la superficialidad. Sino que bucean hacia otros espacios simbólicos.

Y allí nace la contradicción y el contraste, dos adjetivos sobre lo visual que conjugan mi interés al observar una instantánea. Y como dije al principio: me agrada lo que no se ve a simple vista y que esconde un mundo de sensaciones, un sugerir hacia la imaginación.

En una ocasión, a Walt Whitman le preguntaron ¿qué es la hierba?; y el notable escritor americano respondió que “es un jeroglífico uniforme”.

Algo difícil de discernir en lo que no se ve en una fotografía pero que se presiente. Un mundo de contradicciones y contrastes que se abren ante nuestras retinas y que tanto me gusta imaginar en una imagen.

En este sentido, son notables los caminos que propone la fotografía urbana contemporánea que voy conociendo a través de los festivales más importantes.

Cuantas cosas puedo imaginar a través de ese mirar hacia algo que no vemos en la fotografía..

(c) Norman Borden

Siempre me pregunto que pasa a través de esa ventana. Un maestro de este tipo de sugerencias era Robert Adams y también Lee Friedlander.

(c) Umberto Verdoliva

que le espera a la vuelta de la esquina a esta persona...

(c) Molly Porter

esta imagen me hizo acordar a una fotografía de Xavier Miserachs realizada en el Mercado de La Boqueria en Barcelona en los años '60,  aunque más surrealista..

(c) Norman Borden

La noche siempre encierra elementos para la imaginación como esta hooperiana escena de este fotógrafo ucraniano.

(c) Taras Bychko

Cuando me encuentro con estas escenas callejeras, intento seguir al personaje porque me carcome la ansiedad de saber hacia donde va, con quien se va a encontrar, a que fiesta va a concurrir.

(c) Enrico Markus

 hasta pronto!

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Paseo fotográfico por las postales

Siempre que se visita una nueva ciudad, un entusiasta de la fotografía urbana tiene que hacer algo a priori antes de fotografiar. Es como una previa de investigación visual.

Passeig de Gracia, Barcelona (c) Marcelo Caballero

 Apenas uno llega a un aeropuerto, estación de buses o trenes, hay que dirigirse a cualquier kiosco de diarios y revistas o negocios de recuerdos y regalos cerca. Y observar detenidamente las postales de la ciudad y decirse a si mismo: “esto es lo que no debo hacer”. ¿por qué?

La respuesta tiene varias lecturas.

En una primera aproximación,  sirve para reflexionar sobre cómo deseo resolver los problemas visuales comunes que conllevan estos lugares de postales: lugares muy visitados y turísticos. E intentar (aunque no se logre) realizar algo distinto. Es todo un desafío, de verdad.

La semana pasada estuve en Oporto y me encontré con el gigantesco mural de azulejos de la Capela das Almas (una de las postales más comunes de esta gran ciudad portuguesa) e intenté algo diferente. Espero que lo haya logrado y les guste.

Capela das Almas, Oporto 2016 (c) Marcelo Caballero

Una segunda aproximación sirve para entender donde van la mayoría de los turistas e ir en dirección contraria. Salir de los espacios públicos turísticos es adentrarse en la vida cotidiana del local. Salvo que quieras hacer un trabajo “a lo Martin Parr”, lo mejor es deambular por la periferia. Te hace ver otros rincones,  más auténticos y valiosos para tu fotografía urbana documental.

Oporto 2016 (c) Marcelo Caballero

Y una tercera aproximación tiene que ver con el tema de la composición. Últimamente me he encontrado con cada vez más postales en donde se utiliza la desaturación selectiva y se deja cualquier objeto (una rosa, una bicicleta, etc) con colores para supuestamente darle mayor potencia visual a la imagen pero que oculta una composición insuficiente o ausencia de un instante realmente emotivo. Esta postal tan kitsch y trillada me hizo reflexionar en positivo sobre otro gran desafío: saber utilizar el color, no sólo por una cuestión estética, sino como un complemento emocional o psicológico de la instantánea y no caer en que sea sólo un salvavidas de una fotografía sin composición. El color (aunque sea mínimo como en la imagen de abajo, en el rojo de los labios de la mujer) debe ir con un buen instante, líneas, diagonales o expresividad. Todo ello puede cualificar tu fotografía.

Vaticano 2015 (c) Marcelo Caballero

Y la vuelta a casa será mucha más feliz.

Hasta pronto!

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Algunas cuestiones de objetivos

Cuando empecé a realizar fotografías, hace más de 20 años, tenía la impresión que cuanto más objetivos tuviera, más fotógrafo iba a ser. Con el tiempo me fui dando cuenta que hay que minimizar los equipos y en especial cuando estás en una ciudad.

Y cuando se trata de fotografiar en espacios públicos urbanos hay que hacerse unas preguntas previas claves para entender que objetivo llevar: ¿quiero incluir más elementos en la escena?, ¿quiero estar cerca de lo que fotografío?;  ¿deseo tener más profundidad de campo?; ¿ser rápido?; ¿discreto?.

La respuesta tiene una sola respuesta: objetivo gran angular fijo que puede ser desde 28 mm. hasta 50 mm. . El que prefieran.

(c) Raghu Rai

Durante los talleres que imparto intento que los participantes utilizen durante un día de prácticas, una distancia focal  fija y al siguiente día, si no se sienten cómodos, cambien a otro, hasta encontrar el objetivo más apropiado para realizar instantáneas.

(c) Tarik Samarah

Es importante estar a gusto con la percepción elegida ya que es crucial sentirse cómodo con lo que se ve a través del rectángulo de la cámara. Y, de esa manera,  también se irán acostumbrando a esa perspectiva visual.

Además no tendrán que llevarse permanentemente la cámara a los ojos ya que el objetivo estará fijado en la mente del fotógrafo y, de paso, será más discreto y rápido a la hora de hacer instantáneas.

(c) Ernst Haas

Recuerden, además, que el verdadero zoom serán las piernas para acercarse o alejarse de la escena tanto como quieran. Y así, con cambios de posicionamientos,  se excluye o se incluyen elementos de la composición. Y lo más importante, se darán cuenta solos que no necesitan más para fotografiar.

(c) Saul Leiter

Para los que quieran utilizar teles recuerden que generan la sensación de una perspectiva más plana.

En el caso de Saul Leiter, el gran maestro americano del color, utilizaba, en muchas ocasiones, un lente de 85 mm. que lo ayudaba a comprimir los objetos en el encuadre.

Y también ayuda a desenfocar ciertos elementos.

Lo importante de todo esto es el resultado final y que las imágenes transmitan lo que queremos expresar.

Hasta pronto!

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Sólo es una cuestión de emoción

Siempre me gusta decir que una fotografía no se intenta comprender. Sólo es una cuestión de emocionarse o no.  Y esa distinción ya habla y mucho de la fuerza de la fotografía. O mejor dicho del lenguaje visual.

(c) Sergio Larraín

Y esa es la forma que me gusta definir a la fotografía: como la expresión de una emoción, intransferible y poderosa, intuitiva y siempre singular.  Sin más etiquetas que eso, en estos tiempos que nos gusta tanto etiquetar todo.

(c) Harry Gruyaert

Para reflexionar sobre esa FOTOGRAFIA (en mayúsculas) de la que hablo,  es necesario entender mínimamente la fuerza del lenguaje visual. Sin embargo, no se puede explicar con palabras. Se traduce con emociones como dije anteriormente.
A lo sumo, se busca comprender de qué manera organiza el autor, a través del rectángulo de una cámara, los elementos visuales: líneas, formas, colores y también símbolos o iconos, los fondos o los posicionamientos. Pero así y todo, el secreto de la fuerza de una fotografía es un misterio, es algo que no se puede racionalizar. El resto es literatura, a veces de la buena, otras veces, de la mala.

(c) Alex Webb

Ya en este nivel de comprensión, el acto de captar una imagen está muy ligado a la consecuencia de ello:  al acto de observar esa imagen. La fotografía, sin dudas, es eminentemente social. Uno no puede existir sin el otro. Las fronteras entre el autor y el observador se mezclan, si difuminan. En el más radical de los ejemplos, esa materialización puede llevar años como pasó con las imágenes de Vivian Maier que hasta que falleció no existían.

(c) Vivian Maier

En este nivel, ya no interesa el dónde, el qué, el cuál, el por qué, el cuándo; sólo el cómo pasa y con ese estadio de cosas me quedo. Por eso, y para sintetizar todo esto que podría llevar a escribir un libro, quiero mencionar por último,  el disfrutar del hacer fotografía como uno de los momentos más felices de mi vida. Y con eso me quedo.

Hasta pronto!

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Horizonte inclinado

En una ocasión, hace ya unos años, presenté mi portfolio a un editor de una prestigiosa revista de viajes; y luego de echarle una rápida ojeada, me aconsejó que no mostrara imágenes con horizontes inclinados. “No gustan ese tipo de imágenes. La línea de horizonte tiene que estar simétrica al marco superior” Y en parte tenía razón, en la biblia de la fotografía de viajes, la regla del horizonte es el primer mandamiento.

Si uno tiene ganas de investigar un poco en la web, verá que está llena de tutoriales para ayudar a corregir horizontes inclinados por ejemplo con herramientas como Photoshop.

Los horizontes inclinados siguen siendo una falacia para muchos puristas. Sin embargo, en la fotografía urbana, esa regla se rompió con la llegada de Robert Frank. Y estamos hablando de fotografías de más de 50 años.

Rio Mississipi, Baton Rouge, Louisiana, 1955 (c) Robert Frank

Esta foto perteneciente a The Americans fue la imagen que más admiraba Garry Winogrand.

 Frank, como se ve en la imagen, utilizó tanto un objetivo gran angular como un horizonte inclinado para crear un vórtice dinámico centrado en el predicador, única línea vertical en toda la composición.

Profundamente afectado por esta fotografía, Winogrand empezó a investigar cómo podía él también fusionar el espacio estético con sus temas.

de su trabajo Women are Beautiful (c) Garry Winogrand

Este tipo de imagen bastante atrevida para la época, le otorgó al talentoso fotógrafo americano una fuente de dinamismo y de aire fresco a sus imágenes.

de su trabajo Women are Beautiful (c) Garry Winogrand

Y este hecho fue un punto de inflexión para la evolución de este tipo de fotografía bastante menospreciado por el resto del “club fotográfico” hasta la actualidad.

de su trabajo Women are Beautiful (c) Garry Winogrand

Con todo esto no quiero decir que hay hacer siempre horizontes inclinados. Pero puede ser una variante muy útil en la composición para salir del posicionamiento clásico y purista de hacer fotos con la cámara a la altura de los ojos.

hasta pronto!

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Cierta claridad

A lo largo de todos estos años de fotografiar y fotografíar por las calles, he encontrado una cierta claridad de intuición que actúa como una especie de brújula de entendimiento de ese meollo efímero que es captar instantáneas en las ciudades.

A continuación paso a contar esa “cierta claridad” y digo “ cierta” porque no es algo absoluto, determinante. Sólo es una intuición de lo que pienso ahora, en este presente.

Cuando veo movimiento, gente que va y viene, comienzo a interesarme en la escena.

Vitoria

Sin embargo la ausencia latente de ese movimiento también me interesa porque el hecho de fotografíar esa ausencia; ese entorno cambia a través de la fotografía.

Madrid 

En otro orden de cosas, es importante estar siempre activo, cuanto más trabajas, más ves.

Esa catarsis visual me hace ser más participativo que contemplativo. Estar dentro de la escena te da adrenalina y te sientes muy libre con la cámara. Se disfruta mucho de este tipo de fotografía.

La Habana

No me gusta utilizar la cámara como si fuera un cuaderno de notas. Me gusta recoger lo que me gusta o es de mi interés. Con el tiempo me fui dando cuenta que reflexionar un poco ayuda a no hacer fotos innecesarias.

Pals

Y cuando estás en casa, meditar sobre cómo construiste tus imágenes, tus composiciones y ser realmente autocrítico para no volver a cometer los mismo errores. Muéstrale tu trabajo a algún amigo de confianza que seguramente no son "los amigos de Facebook".  También ayuda ver a los grandes fotógrafos. En ese sentido, ese es el tipo de influencia que me interesa. No me da vergüenza decir que mis influencias son de tal fotógrafo. Eso ayuda a ser humilde y entender que todo está escrito, todo está fotografiado y hay que saber reconocer tus limitaciones para mejorar.

Sevilla. (luego de hacerla pensé en Saúl Leiter...)

Y lo más importante, gracias a la fotografía urbana he recuperado la capacidad de ver y disfrutar más de la forma que del contenido que como dice Susan Sontag: “el contenido conduce a lo previsible”.

La Jonquera

Hasta pronto!

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El día que Frank creó dos libros

Cuenta la leyenda que Robert Frank hizo dos libros (de una manera artesanal) de sus viajes por Perú en 1948. Y uno de ellos se lo regaló a Alexei Brodovitch (por ese entonces director de la afamada revista Harper’s Bazaar ; y el otro a su madre.

Perú (c) Robert Frank

En ambos libros de 39 fotos cada uno, las imágenes son las mismas, pero no siguen el mismo orden. Por lo tanto son dos libros distintos. Creo que Steidl finalmente publicó el que le hizo a su madre.

Perú (c) Robert Frank

En otras palabras, lo que Frank nos quiso decir es que,  en fotografía,  el orden de los factores si altera el resultado final. El emparejamiento secuencial de cómo queremos contar una historia visual es crucial. Y es tan decisiva como el maravilloso acto de crear las imágenes para ese discurso. Y allí entramos en un lodazal:  ingresamos en la aventura de la edición.

Perú (c) Robert Frank

Esa técnica de emparejamiento de página que utilizó en Perú (por distintas razones subjetivas de edición del autor: líneas, complejidad de formas, diagonales, vertical vs horizontal u otras variantes) las obvió en The Americans en dónde cada foto ocupa una página.

The Americans (c) Robert Frank

Y ese nuevo emparejamiento u orden se expresa como capítulos visuales en donde entra en juego otras líneas discursivas  Y eso es también un acierto aunque también tiene un orden implícito.

New York Inside Out (c) Robert Walker

Cuenta la leyenda, que el escritor beatnik William Burroughs aconsejó al fotógrafo Robert Walker que utilizara la técnica del cut-up para armar el emparejamiento de fotografías por página de su libro New York Inside Out . Y así podríamos hacer, con esta técnica, los libros que quisiésemos del New York de Walker. Y todos serían distintos.

New York Inside Out (c) Robert Walker

Los libros de autor en papel te ayudan a entender que una fotografía única puede tener un valor agregado al confrontarla con otra, o por su ausencia en una página. Y también te ayuda a entender la "escritura visual" del fotógrafo. Estilo personal como la edición.

En este plano, se puede disfrutar de las fotos con un sentido pragmático, narrativo. Y ese es el camino que revolucionó Frank en los ’50 y que aún nos gusta experimentar al crear u hojear un libro de fotografía.

Hasta pronto!

PD: esta nota está dedicada a John que se fue el domingo pasado a un mundo mejor....

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Para mi propia educación

Cuando le preguntaban a Garry Winogrand por qué hacía fotografías, según sus amigos, solía responder lo siguiente: "para ver que aspecto tienen las cosas al fotografíarlas", "para salir de mí mismo" o "para mi propia educación".

Los Angeles 1964 (c) Garry Winogrand

Estas reflexiones simples pero categóricas reflejan la importancia que tenía la fotografía para un fotógrafo del calibre de Winogrand: sólo disfrutar del acto fotográfico.

Pero también reflejan su absoluto desinterés por agradar a los demás, o de fama. Y, desde mi punto de vista, Winogrand es un oasis de ejemplo en medio de las vanidades de los fotógrafos.

New York, 1968 (c) Garry Winogrand

En este sentido, se entiende que haya dejado inacabada la edición de su trabajo porque lo único que le daba libertad plena era el disfrute del hacer fotográfico en las calles, día a día. Y dejó para la investigación y edición póstuma miles y miles de carretes sin haberlos revelado. Solo conoció el momento captado de forma efímera en el rectángulo de la cámara.

(c) Garry Winogrand

En ese sentido, es un ejemplo aislado ante el control exhaustivo que la mayoría de los grandes fotógrafos hacen de su archivo. Algo que a él le interesaba bastante poco y que llama mucho la atención en este hoy tan visual.

New York 1968 (c) Garry Winogrand

En la actualidad, este modus operandi de Winogrand suena a cuento de ciencia ficción. Un contexto contemporáneo dominado por la exhibición constante en redes sociales para ganar un cierto espacio y un nombre al que todos persiguen para salir del anonimato. Y con esto no quiero hacer comparaciones. 

Los Angeles 1980 - 1983 (c) Garry Winogrand

Solo cabe distinguir lo que hacía un gran fotógrafo como Winogrand en el pasado y lo que hacemos la mayoría de nosotros en la actualidad,  para empezar a visualizar que los caminos son otros. Y la fotografía es otra. Mejor o peor. Eso lo decidirá el paso del tiempo. Como el legado de Winogrand.

New Haven, Connecticut 1970 (c) Garry Winogrand

Pero no viene mal recordar que el disfrute del acto fotográfico es algo único e intransferible. Y no debemos renunciar a ello. Al fin y al cabo, es lo único verdadero en la fotografía.   A pesar de los  trucos y las trampas.

Hasta pronto!

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Poemas de líneas, lirismo de color

A mi me gusta y mucho la poesía. Son como refugios ante la adversidad y se comportan como actos revolucionarios del mundo interior del autor. Por eso leo poemas casi cada día. Y siempre me pasa, que vuelvo una y otra vez, a los poetas que más me transmitieron;  y una y otra vez,  renazco de las cenizas con nuevas y renovadas fuerzas.

Algo parecido me pasa con las imágenes que, como poemas visuales siempre me estimulan a seguir por ese excitante camino de la fotografía. Y también vuelvo, una y otra vez, a esos poetas de lo visual que tanto me transmitieron y en donde siempre encuentro nuevos abordajes, nuevas perspectivas y también "viejas" inspiraciones.

He hablado mucho de ellos durante todos estos años pero, debo confesarles que no me canso nunca de mencionarlos. Me refiero a André Kertész y a Harry Gruyaert.

Cada uno en su partitura.

Nueva York 1955 © André Kertész

André Kertész se asemeja a un poeta de las lineas. Un fotógrafo del que siempre estoy aprendiendo. Siempre me sorprenden sus puntos de vista,

 © André Kertész

sus detalles, sus sugerencia

 1920 © André Kertész

y nunca le encuentro explicación a el porque de la vigencia de sus fotos. Como la siguiente imagen (realizada en 1914!) que para mi inicia un tipo de composición vigente hasta el día de hoy.

Hungría 1914  © André Kertész

Las fotografías de Kertész tienen toda la "magia" de una imagen a punto de convertirse en clásica pero que no deben confundirse con tradicional. Son siempre modernas, vitales y hasta revolucionarias como las buenas poesías de clásicos no tan clásicos. Y eso me sabe a piropo.

Y Harry Gruyaert es lirismo de colores. 

 Francia 1991 © Harry Gruyaert

Como decía el poeta americano William Carlos Williams: "El poeta piensa con los poemas. Allí está su pensamiento, y que en sí mismo  es la profundidad ".

 Las Vegas 1982 © Harry Gruyaert

En la búsqueda incesante de las mejores opciones de luz,  Gruyaert encuentra la profundidad del color y la plasma de una manera magistral en sus imágenes. Eso no deja de sorprenderme y me estimula a seguir en este maravilloso camino de intentar dibujar con la luz.

 Bélgica, 1988 © Harry Gruyaert

Hasta pronto!

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