Miradas Cómplices constituye un laboratorio de ideas, de reflexiones fotográficas e imágenes que, quizás, encuentren vuestra complicidad.

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lunes, 31 de octubre de 2011

El tango como una redención


Buenos Aires © Pablo Corral Vega

Siempre que alguien,  aquí en Catalunya,  me pregunta por el significado del  tango en mi país, yo les recomiendo que lean Ficciones de Jorge Luis Borges,  escuchen a Astor Piazzolla o simplemente se dejen llevar por el formidable trabajo fotográfico de Pablo Corral Vega que con sus poesías visuales supo armar una excelente visión del tango en Buenos Aires.

San Telmo - Buenos Aires © Pablo Corral Vega
A pesar que este fotógrafo no ha nacido en Argentina, ha retratado como si fuera un argentino más,  la esencia y la atmósfera social del tango en unas cuantas imágenes que me han cautivado y me sigue atrayendo profundamente.
Para ello, el fotógrafo ecuatoriano, se ha mimetizado, durante largos períodos,  en la cultura tanguística de Buenos Aires y con mucho trabajo y capacidad ha realizado un gran reportaje que fue publicado en su momento en la National Geographic.
Cliqueando en la siguiente imagen podrán ver un entrañable video de imágenes de ese trabajo:

“El tango – dice en su web Corral Vega – es la música de los inmigrantes, italianos, españoles, alemanes que llegaron al Río de la Plata a finales del siglo XIX. Lo habían dejado todo: es natural que el tango esté imbuido de nostalgia. Pero no de una nostalgia sin redención; todo lo contrario, de una nostalgia que se transfigura en el abrazo, anclada al diálogo de los cuerpos. La música y las letras de tango son nostalgia pura, pero el baile es sensualidad, presencia, intercambio. Redención”
En otra ocasión, Corral Vega volvió a Buenos Aires y con una cámara de video en mano realizó este pequeño trabajo donde se reencuentra con viejos amigos y, en definitiva con el tango.

viernes, 28 de octubre de 2011

Fascinación por las calles



Parece que durante este mes, la fascinación por las calles por parte de los street photographer, se trasladó a las galerías.
Al igual que Calle 35 con su exposición en The Private Space de Barcelona; el colectivo Seconds2Real lo realizó en la galería Meinblau de Berlín y la expo se tituló justamente: Fascination Street.
La muestra de este colectivo,  conformado por fotógrafos de Austria y Alemania,  parece ser la más grande que se ha hecho en Berlín dedicada a este subgénero documental y está compuesta por más de 120 imágenes.






Debido a la trascendencia de este evento, los coordinadores del blog de Leica entrevistaron a Guido Steenkamp, uno de los miembros de Seconds2Real. Y lo que más me interesó de dicho reportaje fue cuando le preguntaron cómo seleccionaron las imágenes de la exposición, un verdadero cuello de botella a la hora de editar por cualquier grupo.
Steenkamp contestó que “los miembros del colectivo viven en diferentes ciudades de ambos países y sólo nos podemos juntar una o dos veces al año. Por lo tanto, la edición se realiza principalmente a través de Internet. Nosotros usamos un foro interno de debate: Dropbox para administrar y editar; Skype para aclarar problemas a corto plazo y Doodle para votar por las fotografías preferidas. Todo esto sería inconcebible sin Internet".

© Cristian Reister

© Siedfried Hansen

Por último, Steenkamp señaló que el año que viene van a presentar “Fascination Street” en Viena y también tienen pensado editar un libro de street photography.


miércoles, 26 de octubre de 2011

Un fotógrafo de la gente y del color


Sicilia 1994 © William Albert Allard
Uno de los emblemas fotográficos de la National Geographic por más de 40 años: William Albert Allard, también es unos de los pocos fotógrafos de la plantilla de la mítica revista que siempre utilizó el color en todo su trabajo profesional.
Además de ser otro gran pionero del uso del color en el reportaje documental, Allard es, además,  uno de mis fotógrafos preferidos por diferentes motivos. Especialmente, en como retrata a la gente en cualquier lugar del mundo que se encuentre;  en como eterniza, con su cámara, esos pequeños momentos que se escurren rápidamente en el devenir inexorable del tiempo.

© David Albert Allard
Cada vez que observo alguna imagen suya en alguna revista, libro o, por ejemplo,  en la gran retrospectiva que le hizo el Visa pour l'Image en el 2010; siempre me da la sensación que sus instantáneas no envejecen, permanecen vitales. En ese sentido, siempre estoy aprendiendo de sus composiciones, de sus cromatismos, de sus atmósferas cinematográficas.





Un libro que para mi es un verdadero manual educativo de la fotografía documental es: El Ensayo Fotográfico publicado en 1989 donde recoge imágenes de sus reportajes fotográficos por Estados Unidos, Perú, el País Vasco (España), Australia y México.






Chincheros, Perú 1985 © William Albert Allard
Sare - Francia 1967 © William Albert Allard
Nevada, USA 1979 © William Albert Allard
Por último, quiero compartir  algunas imágenes preferidas que describen perfectamente su especial manera de observar lo que pasa en la calle que lo emparenta, sin temor a equivocarme, con la mirada de un street photographer.

Italia © William Albert Allard

París 2002 © William Albert Allard

París 2002 © William Albert Allard

Un abrazo grande y hasta el viernes!!

lunes, 24 de octubre de 2011

Gitanos: reedición de un gran libro documental



Considerado todo un clásico del fotoperiodismo contemporáneo: Gitanos de Josef Koudelka, acaba de ser reeditado en España por la editorial Lunwerg.
Y viene con regalo. 
Esta nueva edición cuenta con más de 100 fotografías en lugar de las 60 imágenes que se publicaron originalmente.
Editado por primera vez en 1975, este gran libro es el compendio visual del largo peregrinaje del fotógrafo checo, siguiendo al pueblo gitano a lo largo de varios países europeos entre 1962 y 1971.


Hasta el miércoles!!

viernes, 21 de octubre de 2011

Saul Leiter y el expresionismo abstracto

Las fotografías de Saul Leiter a menudo se las describe como verdaderas poesías visuales urbanas.  Sus imágenes parecen estar realizadas como en capas con composiciones casi abstractas de reflejos y sombras.

                                     © Saul Leiter                                                                                                                    
A pesar que Leiter era uno de los pocos fotógrafos que tomaban en serio las imágenes en color como recurso documental en la década del cincuenta del siglo pasado; no estaba solo en esta batalla. 
En esa época, Nueva York era un auténtico hervidero de grupos informales de poetas, compositores, pintores que se inspiraban en el surrealismo, en el be bop del jazz y vanguardias pictóricas. En ese contexto, Leiter sintió una gran influencia especialmente de dos pintores expresionistas abstractos que, aún eran perfectos desconocidos para el gran público : Mark Rothko y Willem de Kooning .


Mark Rothko - Museo Reina Sofía - Madrid ©  Marcelo Caballero
© Willem de Kooning 1955
© Willem de Kooning 1955

Pertenecientes a la Escuela de Nueva York, estos dos pintores abogaban, en esos momentos, por una pintura de capas y estridentes colores que, de alguna manera, los emparentaba con el art pop y los poetas beatniks, inspirados también en la luz y escritos directos, vivos y visuales. 
Actualmente, Saul Leiter vuelve a estar de moda. El 24 de este mes, se inaugura en el Museo Histórico Judío,  la primera exposición retrospectiva del  fotógrafo en los Países Bajos. 
La exposición titulada: Reflexiones de Nueva York estará organizada por el museo en conjunto con la Howard Greenberg Gallery, representante del fotógrafo. 
Dicha muestra incluirá  60 fotografías en color y 40 en blanco y negro junto con una selección de fotografías de moda (Harper's Baazar),  30 obras pictóricas del autor e imágenes de sus trabajos más recientes realizadas con cámaras digitales.




Además,  los visitantes podrán observar el documental que realizó recientemente Tom Leach sobre su vida.
Y las novedades no se acaban allí, la Editorial Steidl tiene previsto publicar durante este otoño,  la tercera edición de su primer ibro: Early Colors (primera edición 2006).

miércoles, 19 de octubre de 2011

Nordmeer: universo de color


Hace poco descubrí los trabajos de Gueorgui Pinkhassov y debo confesar que fue amor a primera vista. Y eso debido al superlativo  tratamiento del color (es un verdadero maestro) y la fina sensibilidad para enebrar historias a base de  composiciones y miradas inusuales, diferentes de situaciones en la calle, en rostros y gestos  que pronto me cautivaron.
Investigué un poco más sobre este fotógrafo ruso de Magnum y me encontré con una perla: Nordmeer, un libro publicado en el 2006 y  que gira alrededor del universo del  Mar del Norte.


Para ello, el fotógrafo recorrió varias veces los fiordos de Noruega, visitó pueblos, caminó por las costas de Groenlandia y Canadá y capturó a través de su lente toda la cosmografía  posible de esos lugares. Y así Normeer  se convirtió en un  caleidoscopio de luz y aventura, de imágenes de imponente naturaleza y facetas visuales totalmente desconocidas de la vida en aquellas latitudes.
Y si lo que les digo parece inverosímil, échenle un vistazo a estas imágenes que pertenecen a este fantástico  libro.

© Gueorgui Pinkhassov

© Gueorgui Pinkhassov

© Gueorgui Pinkhassov

© Gueorgui Pinkhassov

© Gueorgui Pinkhassov

© Gueorgui Pinkhassov

© Gueorgui Pinkhassov

Un abrazo grande y hasta el viernes!!

lunes, 17 de octubre de 2011

Pasión por el color y la poesía visual


Harry Gruyaert al igual que otro fotógrafo de Magnum, Ernst Haas son verdaderos maestros del uso del color que fueron evolucionando hacia trabajos más sutiles, más acabados, más viscerales. Quizás por ello, en sus últimos años pasaron un poco más desapercibidos que otros que no dejaron de utilizar enfoques más directos en sus imágenes para desenvolverse en el fotoperiodismo actual.
En junio de este año, había hablado sobre el excelente libro de Gruyaert: Lumieres Blanches publicado hace 35 años. Hace unos días, me pregunté sobre sus recientes trabajos y me topé con uno de los últimos:  "Rivages" .



Este libro publicado en el 2003 muestra a un Gruyaert diferente pero que mantiene la misma esencia cinematográfica en sus imágenes. Además,  la soledad también sigue siendo un tema latente pero en este trabajo hay más profundidad semántica, resulta más poético y con un uso más excluyente e inteligente del color, de las sombras, de las líneas y de las luces.
Algo de todo ello podemos vislumbrar en el siguiente video que me provoca un efecto hipnótico y eso no deja de conmoverme como tampoco la tensión de las líneas y el horizonte. Y la música elegida para la ocación es todo un poema acústico. Espero que lo disfruten como lo disfrute yo. Un abrazo y hasta pronto!!

viernes, 14 de octubre de 2011

Secretos detrás de las imágenes

Desde que empecé a tomarme en serio la fotografía, me dí cuenta rápidamente que el talón de aquiles de nuestra pasión es la edición. 
Muchas veces un gran trabajo pierde brillo o peso específico debido a una mala selección de imágenes. La buena edición requiere de mucha dedicación por parte del fotógrafo que, en estos casos, no debe adentrarse en estos caminos, solo. Necesita del trabajo y la opinión grupal.
Además, estos problemas endémicos requieren de mucha autocrítica por parte del fotógrafo. De estar convencidos que algo  funciona mal y que debe trabajar mucho para resolverlos. Y más,  en estos tiempos de gran saturación y proliferación de imágenes y en consecuencia, de muchos y buenos trabajos fotográficos que se pierden en el disco duro de un ordenador.
 ¿Cómo mejorar estos problemas?....creo que no hay una respuesta concreta.  Simplemente existen  caminos. Algunos más idóneos que otros. 
Por ejemplo,  realizar talleres de edición con buenos fotógrafos puede ser una variante. Mirar mucha fotografía y cómo funcionan,  publicados en diferentes medios puede ser otra.
Tambíén sirve observar como trabajan los grandes fotógrafos, los secretos que hay detrás de las imágenes y que hablan,  en definitiva,  de la elección correcta a la hora de editar un trabajo o una imagen.
En este sentido, quiero compartir con ustedes unos videos que fueron emitidos originalmente por la televisión francesa en 1990. En ellos podrán apreciar ciertos secretos de edición de algunos fotógrafos documentales que admiro como Josef Koudelka y Marc Riboud. 








Les deseo un buen fin de semana y hasta pronto!!

miércoles, 12 de octubre de 2011

La Maleta Mexicana por partida doble



La Maleta Mexicana ha llegado por fin a España pero por partida doble.
Por un lado, hace seis días se inauguró en el Museu Nacional D’Art de Catalunya, la sorprendente exposición de los negativos perdidos (redescubiertos en el 2007) de Robert Capa, David Seymour y Gerda Taro de la guerra civil española.

Y por otro lado, La Fábrica Editorial y la Fundación Pablo Iglesias publicaron en castellano: La Maleta Mexicana, un voluminoso libro dividido en dos tomos.
En el primero se analiza minuciosamente la historia que hay detrás de los 4500 negativos redescubiertos de estos tres legendarios fotoreporteros. Y en el segundo, se reproducen íntegramente los 126 rollos de película acompañados por 18 ensayos de especialistas en fotografía y en la guerra civil española.
Aprovechando que me encontraba en Barcelona para la inauguración de nuestra exposición de Calle 35; al día siguiente, bien temprano, me dirigí al MNAC para visitar tan trascendental expo.


Y lo primero que me llamó la atención, casi en la entrada misma del salón, fue contemplar con mis propios ojos, el tesoro que alguna vez estuvo perdido. Dentro de un gran cubo de vidrio, se encontraban tres pequeñas cajas: una de ellas,  de papel Agfa (20 x 25 cm.) que contenía sobres de películas con el autor y el tema indicados por fuera y otras dos cajas de cartón con rollos de película de 35 mm.  La famosa maleta mexicana.
Debo confesarles que me emocioné mucho… Todo eso  allí adelante mío, cerquita de mi cara. Entonces le pregunté a una de las cuidadoras de la exposición, si era verdad lo que estaba observando. “Por supuesto que son las cajas auténticas – me señaló orgullosa – y están mantenidas con una temperatura similar al lugar donde se encontraban en México”.
Efectivamente. El clima relativamente seco y estable de la ciudad de México donde han permanecido 66 años (1941 – 2007) explica el lógico razonamiento de la empleada del museo con respecto al resguardo de las cajas en la exposición. Casi todas las películas están elaboradas a base de nitrato por lo que se deterioran si no se almacenan en buenas condiciones. Y las películas parecen estar en el lugar ideal.




Gracias al espectacular trabajo de escaneado de los técnicos del International Center of Photography (ICP), organismo protector de tan preciados documentos; a lo largo de la exposición se pueden ver los contactos de los rollos  de negativos capturados digitalmente.
 Y que nos muestran las secuencias originales de la foto publicada en su momento en revistas como Life, Regards, etc. Y también revelan escenas inéditas a través de los negativos.  Todo ello, sistematizado por acontecimiento bélico cubierto por cada fotógrafo.
Finalmente me fui de la exposición con la certeza de haber observado algunos aspectos que no conocía de la fragmentada memoria visual de la guerra civil española. Y por todo ello,  valió la pena con creces la visita.
Hasta el viernes!! un abrazo!!

lunes, 10 de octubre de 2011

Mensaje en una botella


Como si se tratara de mensajes embotellados traídos por ese inmenso mar de información y de saturación de imágenes en el cual estamos inmersos hoy en día; una simple carta, un simple mensaje puede ser el impulso necesario y auténtico para dar ese paso mágico y decirte a ti mismo:  soy fotógrafo.

Robert Capa y George Rodger en Napoles - Italia © Cartier Bresson

Hoy publico algunos extractos de una  carta embotellada hace más de cuarenta años que  pertenece a uno de los fundadores de la agencia Magnum que menos se recuerda: George Rodger.







“..En primer lugar deberás adquirir dominio técnico. Tendrás que hacerlo si deseas captar y reflejar la belleza con herramientas que poseen características puramente técnicas. Después habrás de olvidarlo todo y no contar más que con tus reflejos: movimientos instintivos, como abrir la boca para morder una manzana. Entonces, y solamente entonces, una vez adquiridos y dominados por completo esos reflejos, podrás concentrarte en lo que ves a través del objetivo, pués a través del objetivo se establece el vínculo entre la realidad y la interpretación personal que deseas dar a las cosas. Recuerda siempre esto. Todo lo que ves al mirar hacia abajo, en la placa de vidrio de tu Rolleiflex, corresponde a la realidad, a las cosas tal como son. La fotografía no es más que el resultado de lo que decides hacer con esa realidad.
Al mirar a través de ese objetivo, verás cosas bellas, cosas divertidas e incluso cosas tristes. Tal vez tu corazón se cierre ante el horror que descubras; quizás tus ojos se cubran de piedad o de vergüenza…Pero así es la realidad y debes conocerla. Creo que nadie puede mostrarte el camino; sé solamente honesto contigo mismo. Desde luego, no puedes interpretar lo que ves en el objetivo sin saber de lo que se trata en realidad.

Tanzania 1947 © George Rodger
Debes sentir cierta afinidad con lo que fotografias. Has de participar manteniendo suficiente distancia con el sujeto para dar muestras de objetividad. Es en cierto modo como presenciar una obra de teatro que sabes de memoria. Pero no existe ninguna fórmula mágica para adquirir ese conocimiento total, es comprensión íntima. El conocimiento nacerá espontáneamente, en lo más profundo de tu ser.” (Extracto de una carta enviada por George Rodger a su hijo Jonathan el 15 de julio de 1970).





Recuerden que en este gran océano virtual, existen otras cartas embotelladas que recomiendo leer: una es de Paul Strand y otra, de otro fotógrafo de Magnum: Sergio Larraín.

Un abrazo y buen día para todos!

viernes, 7 de octubre de 2011

Leica y Magnum: pasado, presente, futuro?

Las cámaras Leica estuvieron siempre asociadas a Magnum desde la creación de esta mítica agencia en 1947. 
A pesar de los años transcurridos, y de la irrupción del mundo digital,  Leica busca aggiorgionarse a los nuevos tiempos,  a los nuevos acontecimientos y a partir de junio de este año comenzó a desplegar nuevas acciones de marketing junto a la agencia parisina. 
En este caso, la mirada se centra en las redes sociales y en la creación de nuevos ensayos multimedias, videos que serán parte de una gran estrategia de marketing.  
En este video que a continuación muestro, con la voz de Alice George, ex jefa de la agencia, de fondo; se hace un recuento visual del pasado y el presente de Magnum a través de Leica y se anuncian futuros videos de fotógrafos de Magnum en el abordaje de temas contemporáneos.




En este sentido, quiero compartir con ustedes este video que retrata a Alex Majoli:


Les mando un gran abrazo y que tengan un buen fin de semana!!

miércoles, 5 de octubre de 2011

Un street photographer efímero


© Tony Ray-Jones 1970

En la fotografía al igual que en cualquier ámbito de la vida, existen varios ejemplos de personas que vivieron poco años pero que marcaron una enorme influencia posterior.
Ese es el caso del británico Tony Ray-Jones que sólo vivió 30 años (falleció en 1972 de leucemia). Y sin embargo, en sólo una década de trabajo logró hacerse un espacio en la fotografía documental y, en especial en la street photography, marcando un antes y un después en la fotografía documental anglosajona.  Además Ray-Jones también fue un gran impulsor del uso de la fotografía en color, a pesar que una gran cantidad de su trabajo lo hizo en blanco y negro.
En este sentido, en junio de este año,  Guernsey Photography Festival le hizo un homenaje a su trabajo en blanco y negro. Aunque en la importante retrospectiva que le dedicó el National Museum of Photography  (Inglaterra) en el 2004, fueron exhibidas unas cuantas imágenes en color del autor, que muestran el  peculiar encanto entre surrealista y antropológico de los personajes de sus  fotografías documentales.

© Tony Ray Jones 1970

© Tony Ray Jones 1968

 Es importante remarcar que a finales de los sesenta del siglo pasado, su trabajo en el Reino Unido era considerado poco más que exótico. Y a tal punto llegó esta situación que en 1968, varios editores no le quisieron publicar un libro porque no lo consideraban digno de interés. Finalmente fue editado en forma póstuma como: A Day Off (1974).
Durante su estadía en Estados Unidos, Ray-Jones conoció a  Garry Winogrand y Joel Meyerowitz,  de quienes se hizo muy amigo y recibió una gran influencia en su manera de acercarse a la gente y de componer instantáneas. De la mano de estos dos grandes street photographers se sumergió por las calles de Nueva York donde encontró una gran inspiración.

Jazz en Nueva Orleans © Tony Ray-Jones 1971
Nashville © Tony Ray-Jones 1971


Nashville © Tony Ray-Jones 1971
A pesar que nunca fue un fotógrafo popular, su influencia ha sido inmensa especialmente en las nuevas generaciones documentales inglesas. Ray-Jones sabía captar como nadie el aura británico, el humor nostálgico y surrealista de situaciones cotidianas.
Me despido hasta el viernes y que tengan un buen día!!



lunes, 3 de octubre de 2011

Ganadores del Street Photography Now


El fin de semana pasado fueron elegidos Jo Paul Wallace y Jack Simon como  los ganadores del proyecto Street Photography Now.

© Jo Paul Wallace

© Jack Simon
 El proyecto fue elaborado conjuntamente por  The Photographers' Gallery de Londres y Sophie Howarth y Sthepen McLaren,  editores del primer y reciente estudio importante de fotografía urbana de los últimos años: Street Photography Now (Thames & Hudson 2010).
Cabe recordar que dicho proyecto comenzó el 1 de octubre de 2010, en una cuenta de Flickr donde cada semana publicaron fotógrafos de todo el mundo. De esa manera y durante 52 semanas, el proyecto recibió 16.000 imágenes.
Según los creadores de Street Photography Now, el objetivo era construir una comunidad global de documentación de la vida pública. “Un objetivo que se ha cumplido con creces” señala Sophie Howart.
Los ganadores recibirán a través de la editoria Thames Hudson un cheque por 500 libras esterlinas, la publicación de un libro y exposición permanente en el sitio web de The Photographers' Gallery.
El proyecto no buscaba literalmente ser un concurso o una competencia normal. “Todo lo contrario, buscábamos destacar los mejores trabajos. Sin embargo,  la elección de las fotografías ha sido muy difícil y subjetiva – dijo Howart – nos ha ayudado mucho, los comentarios de los lectores y creemos que los dos ganadores tienen visiones únicas que los hacen sobresalientes”.

© Jo Paul Wallace

© Jo Paul Wallace

© Jack Simon

© Jack Simon

© Jack Simon


Un abrazo y hasta pronto!!