Robert Frank: Valencia 1952

La editorial alemana Steidl junto con La Fábrica acaban de anunciar que a principios de noviembre, saldrá a la venta Robert Frank: Valencia 1952.

El libro de 66 páginas contiene 61 imágenes que nunca habían sido publicadas (aunque algunas de ellas aparecieron en un pequeño catálogo -actualmente imposible de conseguir - publicado en  1985 por el Instituto de Estudios e Investigación de Valencia y que coincidió con  la primera exposición de Robert Frank en España).

Pero más allá de todo ello, este libro ( que estará pronto en las librerías españolas),  es una gran novedad para la fotografía documental en general y para los seguidores de la obra de Robert Frank.

 Valencia 1952 © Robert Frank

Cuenta la historia que en 1950, Robert Frank dejó su trabajo en Nueva York para viajar a Europa con su familia. Dos años después recaló en Valencia donde se quedó una temporada allí, retratando la vida cotidiana de la zona.

 Valencia 1952 © Robert Frank

Según cuenta Ferran Bond en una nota publicada por El País (22 febrero2005), “Frank vivió en el desaparecido Hotel Sol, frente al mar, en la playa de Valencia”. 

Valencia 1952 © Robert Frank

Además el periodista señala que la exposición de Frank en Valencia en 1985 fue en la Sala Parpalló y fue la primera del fotógrafo suizo en España . “El director del Tate Modern (en ese momento) el valenciano Vicent Todolí era un joven abriéndose camino en el mundo del arte cuando propuso al entonces director del Parpalló: Artur Heras, realizar una expo sobre Frank, apenas conocido en España”.

Valencia 1952 © Robert Frank

El Parpalló fue considerado una parada ineludible del arte contemporáneo en Valencia en los años ’80.  Y muchos fotógrafos que pasaron por la sala ahora son objetos de atención en los principales museos del mundo” comenta el periodista.

Hasta el viernes!!

Bordes cromáticos y variaciones de Gruyaert

Harry Gruyaert es un gran ejemplo a seguir en la fotografía por diferentes motivos. 

Básicamente por su incansable trabajo por experimentar, a través de la cámara,  todas las sutilezas del color en todas sus dimensiones y en cualquier lugar con un gran y sólido proyecto. 

Y ya lleva casi 30 años fotografiando los sutiles cambios de la luz oriental y occidental desde su tierra natal, Bélgica hasta Marruecos; desde la India a Egipto.

Las atmósferas de sus fotografías son particulares y atemporales. Fascinan por su luz y me sorprende la forma que la utiliza provocando una maravillosa sinfonía de poesía visual.

De hecho, una de sus fotografías, la tengo en una de las paredes de mi sala de trabajo junto al ordenador y es una de mis favoritas, una luz en mi camino.

Picardía, Francia © Harry Gruyaert

Su último libro: Edges es una consecuencia directa y cualitativa de todo ese trabajo de años. 

En este libro, Gruyaert explora todo lo que está en los bordes justo donde empieza el agua.

© Harry Gruyaert

Su plasticidad, su color, sus atmósferas nos llevan desde el Mar muerto a los ríos de Nigeria, Malí; también al Mar del Norte, Corea o la Costa Azul.

© Harry Gruyaert

Los dejo con este video acompañado por una música muy acorde con su trabajo. Un abrazo y hasta el miércoles!!

La amiga invisible de Robert Capa

Eran vecinos . Sus padres eran grandes amigos y un día,  ella , siendo adolescentes, le mostró a su amigo,  la Kodak Brownie que su padre le había comprado para su cumpleaños. Y le enseño como manejarla.
Así,  se divirtieron mucho, entre carretes, distintas velocidades y obturaciones, recorriendo la vieja Budapest de los años ’30.

Pronto esos amigos se distanciaron. Los nazis y las persecuciones a los judíos los separaron.

Ella, Eva Besnyö,  se fue a Amsterdam y él,  a París donde comenzó a ser conocido como Robert Capa.

Autoretrato © Eva Besnyö

El resto es historia conocida.

Este año, esa amiga invisible de Capa tuvo su gran homenaje con la publicación de un monumental libro de 250 páginas titulado. La imagen sensible

1951 © Eva Besnyö

Su obra se caracterizó por tener una visión humanista del mundo que resultaría estilísticamente decisiva en el desarrollo de la fotografía neorrealista en los años 50 principalmente  en Italia, Francia, Estados Unidos y también en España.

© Eva Besnyö

© Eva Besnyö

También se realizó una gran retrospectiva este año en París y me gustaría compartir con ustedes este video que me parece sumamente interesante para observar la magnitud de su obra.

B&W y color: Nueva York le rinde homenaje a Meyerowitz

Florida 1968 © Joel Meyerowitz

Siguen los festejos a nivel mundial por los 50 años en la fotografía de Joel Meyerowitz.

En este sentido, la prestigiosa galería neoyorquina Howard Greenberg anunció para principios de noviembre de este año,  la primera exposición individual de la obra de Joel Meyerowitz.

Na York 1963  © Joel Meyerowitz

La muestra va a ser tan grande que será dividida en dos partes.

La primera será durante todo noviembre. Y la segunda comenzará el 7 de diciembre y se prolongará hasta el 5 de enero del 2013.

1977 © Joel Meyerowitz

A pesar que el street photographer es conocido por su crucial papel en el establecimiento de la fotografía a color en el género documental, también se expondrán muchas fotografías en blanco y negro del autor de sus primeras épocas a principio de los '60.

Indianapolis 1965 © Joel Meyerowitz

Entre los aspectos más destacados que la galería neoyorquina publicita sobre la futura expo será una serie de fotografías de calle en Times Square (Nueva York) que es poco conocida.

Times Square 1965 © Joel Meyerowitz

Times Square 1962 © Joel Meyerowitz

Times Square  1962 © Joel Meyerowitz

Recordemos que estos festejos coinciden  con la publicación de un importante pack,  de dos volúmenes retrospectivos,  por Phaidon este año. Me refiero a Taking my time.

Y los festejos seguirán en Europa.

 En enero del 2013 se anuncia una nueva exposición en la Maison Européenne de la Photographie de París aunque aún está por definirse la fecha exacta. 

Ahora los dejo con un video que muestra a Meyerowitz en la reciente expo que se realizó en Toulón (Francia) más un emotivo pase de sus fotografías. Hasta el viernes!!

William Eggleston con olor a gasolina y a tapicería de vinilo

Sigue la fiebre de la editorial Steidl por editar a WilliamEggleston. 

Después de la publicación de Chromes (2011), la editorial alemana acaba de lanzar en el mercado un combo de tres libros de un proyecto largamente olvidado por el fotógrafo norteamericano : Los Alamos Revisited.

Como lo hizo Robert Frank en los '50, Eggleston realizó un viaje íntimo por los Estados Unidos entre 1966 y 1974 acompañado por el hasta entonces prometedor director y comisario de arte, Walter Hoops.

Visitaron el delta del Mississippi, Nueva Orleans, Las Vegas, sur de California, Nueva México  y otros lugares del territorio americano.

© William Eggleston

De esa manera, el trabajo recientemente publicado, muestra un retrato íntimo, geográficamente no específico, atemporal y poético muy al estilo que nos tiene acostumbrado desde siempre, Eggleston. 

© William Eggleston

Inicialmente, el fotógrafo quería crear un vasto compendio de 2.000 fotografías. Pero con el tiempo abandonó la idea y casi ninguna de estas imágenes vio la luz hasta hace unos pocos años con la publicación de Los Alamos en el 2003.

© William Eggleston

Resulta que, después de la muerte de Hoops en el 2005,  su viuda encontró unas valiosas cajas de este proyecto que no eran conocidos. Por ese motivo, el año pasado, Eggleston junto con su hijo revisaron todo el material y realizaron la edición final. Todo ello salió a la luz, este mes,  gracias al esfuerzo editorial de Steidl.

© William Eggleston

Cuenta la historia que en 1973 se detuvo en Los Alamos, un sitio forestal conocido por el desarrollo clandestino de la bomba atómica y por ese motivo tomó como título de ese cuerpo de trabajo, Los Alamos. 
Las fotografías que componen esta selección contiene  la primera fotografía de color que hizo Eggleston: un empleado de una tienda que empuja un carro de compras.

© William Eggleston

Es importante remarcar que Eggleston se acredita, en gran parte,  la legitimación de la fotografía en color como una forma de arte.  Más de un siglo después de la llegada de la película de color y  de la primera exposición de fotografías a color ( se usaron las inmejorables copias dry transfer)  en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1976, Eggleston llega con esta impresionante revisión.

© William Eggleston

También es impresionante el costo de este pack fotográfico: más de 200 euros. Para los que no lo puedan comprar (somos muchos!), les dejo con este video donde podrán ver el libro original de Los Alamos de 96 páginas editado por Thomas Weski en el 2003 que también tiene un precio muy exigente y se incluye en esta nueva edición.

Roberto Juarroz, poesías y fotografías verticales

En un post anterior contaba sobre la imposibilidad de conseguir, durante mi reciente viaje,   en alguna librería de Buenos Aires,  Poesía Vertical de RobertoJuarroz . 

Me pareció increíble que estuviera descatalogado uno de los poetas argentinos más importantes del siglo XX.

Hasta que vi la luz, hace poco,  en la librería Mediterránea de Palafrugell en Catalunya. "Te lo he conseguido" me dijo Joan, el dueño de esa pequeña librería catalana conocida en la comarca " por encargar libros a la velocidad de la luz". Y la verdad es que tiene razón!

Poesía Vertical,  recientemente editado por Cátedra  posee, además,  un minucioso prólogo escrito con lucidez por el joven poeta murciano Diego Sánchez Aguilar .

Este pequeño libro contiene 13 poesías verticales escritas por el autor desde 1958 hasta su muerte en 1995 y dos poesías verticales póstumas. 

A esta altura del partido, no me cabe dudas que Juarroz es un gran poeta revolucionario.

Gran amigo de Julio Cortázar ( le prologó su Tercera poesía vertical en 1965), Juarroz no era partidario de la poesía anecdótica, biográfica, histórica o social. 

Sus poesías sólo hablan del ser y su mundo. Y sólo le apetecía ponerle números a sus poemas. 

La verticalidad  en Juarroz tiene que ver , como bien señala Sanchez Aguilar,  en profundizar en la poesía como una forma de pensamiento y no buscar la originalidad entendida como experimentos formales.  El poeta “huye de las modas y de la consideración de la poesía como un arte sometido al juicio y al aplauso del crítico”.

Gracias a Juarroz entendí que la poesía es un lugar de incertidumbres, de espacios vacíos y donde la lógica pierde consistencia.

“Como si desconociera lo más elemental del mundo y de la realidad – comenta Sanchez Aguilar – el poeta avanza entre dudas, interrogaciones, posibilidades que no tienen por qué llegar a una conclusión”.

Por eso, a través de sus poesías, me gusta pensar en la fotografía de calle entendida también como una imagen que, a priori, está llena de incertidumbre, es autónoma y muestra una lógica distinta a la que podría mostrar un fotoreportaje.

Atención!, con esto, no quiero decir que cuando hago una fotografía estoy pensando en Juarroz . 

Sólo lo hago después, en la edición, porque considero que la fotografía de calle es como una pequeña luz verosímil que puede asociarse, por qué no,  a la poesía a través de su carácter singular, su atemporalidad y su impacto visual.

Por eso me tomé el atrevimiento de complementar algunas de mis fotografías verticales que pertenecen a mi proyecto Com – posición con poesías de Roberto Juarroz. Espero que las disfruten – a las poesías!! – durante el fin de semana!! Hasta pronto!

Oporto, Portugal

Una red de mirada

mantiene unido al mundo

no lo deja caerse.

Y aunque yo no lo sepa qué pasa con los ciegos,

mis ojos van a apoyarse en una espalda

que puede ser de Dios...

Roberto Juarroz (Primera poesía vertical - 1)

Madrid, España

Mi mirada me espera en las cosas,

para mirarme desde ellas

y despojarme de mi mirada.

Mi memoria me espera en las cosas

para demostrarme que no existe el olvido.

Y las cosas se apoyan en mí,

como si yo, que no tengo raíz,

fuera la raíz que les falta.

Roberto Juarroz (Sexta poesía vertical - 2)

Barcelona, Catalunya

Una lámpara encendida

en medio del día,

una luz perdida  en la luz.

Y la teoría de la luz se rompe:

la mayor retrocede

como un árbol que cayera del fruto

Roberto Juarroz (Tercera poesía Vertical.  Poemas de Unidad - 3)

Primavera Georgiana de Pinkhassov

Hace poco tuve en mis manos un libro con solapas de cuero antiguo que,  a simple vista,  parecía una vieja  biblia posiblemente llena de rezos y oraciones. Pronto me percaté que lo publicaba Magnum y me emergió una prematura curiosidad por recorrer sus 264 páginas con un in crescendo interés.

El libro en cuestión era Georgian Spring (Magnum  2009)

Y la razón de la publicación de este libro fue que los fotógrafos de Magnum:  Antonie d’Agata, Jonas Bendiksen, Thomas Dworzak, Martine Frank, Alex Majoli, Martin Parr, Paolo Pellegrini, Mark Power, Alec Soth y Georgui Pinkhassov visitaron la ex república soviética en la primavera del 2009 y dejaron una constancia fotográfica de sus pasos por allí. 

Debido a ello, el libro esta dividido en 10 capítulos / ensayos de 20 páginas por fotógrafo y de todos ellos,  me han gustado mucho las impresiones visuales de GeorguiPinkhassov. 

Georgia 2009 © Georgui Pinkhassov

Quizás porque su trabajo es uno de los más libres, sin ataduras temáticas y con el condimento compositivo cercano al del street photographer.

Georgia 2009 © Georgui Pinkhassov

Por ello quiero compartir con ustedes un video donde Pinkhassov cuenta los entretelones de este viaje al interior de Georgia.

Hasta el viernes!!

El color es el poder

De la mano de Lee Friedlander y Garry Winogrand comenzó a tomar fotografías de calle con gran pasión y determinación. En 1978 se trasladó a Nueva York y conoció los trabajos de Joel Meyerowitz y de la generación de New American Color.

Después de estas inolvidables experiencias, al fotógrafo canadiense Robert Walker ya no le quedaron más dudas: se compró unos cuantos carretes de Kodachrome y salió a la calle a captar todos sus colores.

De esa manera se quedó muchos años en la Gran Manzana y fruto de ello, en 1984 publicó : New York Inside Out (Toronto: Skyline Press) con una introducción del escritor beatnik William Burroughs.

Este libro de Walker, hoy en día bastante olvidado y dificil de conseguir, es un importante continuador de la fotografía documental a color en los Estados Unidos y por lo tanto, también pionera.

Las 88 vibrantes fotografías de Walker tienen su contrapunto en la muy interesante introducción de Burroughs quien reflexiona sobre el uso de enfoques similares en la escritura y en su valor en la enseñanza de un método de percepción.

En este sentido, Burroughs analiza la fotografía como un medio y relaciona  su propia técnica de “cut up” en la escritura a las características de la fotografía de calle. 

Esta técnica de recortar y reordenar en un nuevo plan de trabajo visual parece ser un buen método de enseñanza para los alumnos y para la edición según lo que cuenta en el prólogo el gran escritor norteamericano.

Sin embargo, el interés de Walker por fotografíar cut up  de ciudades no se acabo allí. Viajó a Río de Janeiro, París, Roma, Varsovia y Montreal y con todo ese voluminoso trabajo, publicó Color is Power.

Inicialmente publicado en 1990 fue reeditado en el 2002 por Thames and Hudson,  con más fotografías inéditas tomadas en otras ciudades como París o Nueva York.

© Robert Walker

© Robert Walker

 En Color is Power, Walker quiere mostrar la vitalidad urbana a través de la vibrante tensión de colores en las grandes ciudades contemporáneas:  la agresividad cromática entre vidrios, hormigón, acero y gente.

Con el tiempo, Walker siguió trabajando y perfeccionando esta línea de trabajo. En el 2010 presentó una serie dedicada a Venecia.

Venecia 2010 © Robert Walker

Walker contribuyó con esta serie para Auténtica Venecia, un proyecto visual  realizado junto con 13 fotógrafos de renombre internacional.

Venecia 2010 © Robert Walker

 Con el dinero recaudado con la venta de las obras sirvió para  financiar parte del salvataje artístico, urbano de Venecia. 

Hasta el miércoles!!

Parabrisas y retrovisores de Friedlander

No existe en la cultura norteamericana algo más icónico que los autos y la carretera como sinónimo de aventura y descubrimiento.

Esto siempre lo supo Lee Friedlander quien realizó a lo largo de su vida un gran proyecto sobre este tema.

La prestigiosa galería y representante de muchos fotógrafos documentalistas americanos como Friedlander, la Fraenkel Gallery publicó hace dos años una edición limitada de mil ejemplares de su  proyecto  titulado:  América by car.

El libro muestra 200 imágenes en formato cuadrado desde finales de 1960 hasta la actualidad.

Por ello, y gracias al paso del tiempo, el proyecto se convirtió en un auténtico trabajo antropológico visual que cobra trascendencia a través de las distintas arquitecturas automovilísticas, carteles, gasolineras y demás objetos urbanos.

Recordemos que otro pionero de la street photography india, Raghubir Singh hizo algo parecido,  en relación al uso del automóvil para enmarcar sus fotografías,  con su A way into India (2002) pero acentuando el proyecto a través del Ambassador, verdadero icono de India en el siglo XX.

Buen fin de semana a todos!!