Solo hacer fotografía. Ni disparar, ni cazar, ni robar, ni pescar fotos

Agosto 2016 Cadaqués

El otro día, mientras caminaba durante un plácido atardecer en Cadaqués, realicé esta instantánea utilizando hiperfocal, una técnica que me permite moverme con agilidad y rapidez, pasar desapercibido y concentrarme sólo en la composición.

1956 Nueva York© William Klein

La anécdota no habría pasado a mayores sino fuera por lo que me dijo un rato después mi compañero de paseo:  “eso es un robado”. Y esta afirmación me molestó mucho porque me parece una manera despectiva de hablar de nuestro oficio.

Paris 1930 © Brassai

Luego al reflexionar un poco, me calmé y pensé que no lo hizo para molestarme.  Y llegué a la conclusión que esta forma de hablar sobre la fotografía urbana: cazar, robar, pescar está tan  enraizada en nuestra cultura que parece “natural” cuando no lo es. Y ese problema “lingüístico” trae simbologías negativas a nuestro proceder fotográfico en las calles. Y contra ello, debemos hacer un poco de docencia.

Estambul 2001© Alex Webb

Por eso, siempre que puedo intento debatir sobre estos temas porque no sólo disfrutamos de hacer  fotografía, también hay que referirse a ella de una manera distintiva y diferencial con respecto a otros lenguajes.  “Hacer una foto es intentar resolver un problema visual” suele decir Navia que de esto sabe mucho.

1969 © Garry Winogrand

Hacer una instantánea requiere no sólo audacia y coraje para acercarse a la gente; también requiere un poco de cultura visual para poder resolver que tipo de imagen uno desea realizar. Recuerden que todo está en nuestra cabeza, no sólo es práctica, sino conocimiento para llegar a realizar una foto. Y ese es el camino que le da dignidad a este oficio de ir documentando las calles de una manera lúdica y pacífica. 

Por eso, cuando hables conmigo, por favor no me digas que he hecho un robado; de esa manera no le darás la razón a los que desean no ver saludable a este tipo de fotografía.

Buen fin de semana!

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A la deriva con una cámara

1987 New York © Jodi Cobb

Estamos en verano, todos andamos un poco dispersos y con calor...y por ese motivo vamos a dejarnos llevar un rato por la imaginación, por esa cíclica dispersión y entablar otros juegos de textos e imágenes. En este post me gustaría proponer otra forma de acción para adentrarnos en los espacios urbanos con una cámara. ¿Les gusta la idea?.

© Boris Savelev

Les cuento que luego de ver una película llamada La Sociedad del espectáculo de Guy Debord, se me disparó la imaginería.

Ahora mismo, influenciado por este film,  me gusta eso de ir “a la deriva” por las calles. Desde ese punto de vista, la fotografía urbana se podría alimentar mucho de ello y allí radica una parte sustancial de su auténtico valor documental.

© Jeff Jacobson

 Antes de todo,  quiero aclarar que esa palabra la utilizo en función del concepto propuesto por los Situacionistas: “técnica de pasar ininterrumpidamente a través de ambientes diversos”.  La deriva, en ese plano,   es otra manera de descubrirse a sí mismo recorriendo una ciudad y deja que sea tu propio capricho o emoción el que te lleve.

© Michael Ackerman

En ello creía firmemente este movimiento de vanguardia de los sesenta del siglo pasado que fusionaban el arte en la vida diaria para subvertirla. E ir “a la deriva” creaba la situación ideal para salir de la rutina diaria, dejarse llevar por las emociones (psicogeografía) y mirar las situaciones urbanas en una forma nueva: método que incitaba a la crítica a la cultura contemporánea.

Rajhastán 1997 © Ragubhir Singh

No está nada mal esta forma de ir “a la deriva”. No es un mero paseo despreocupado y azaroso sino que requiere mucha atención al espacio recorrido y cómo afecta el mismo a la persona.  La deriva – según los situacionistas – es una herramienta que ayuda en las investigaciones psicogeográficas que pone el acento en los estímulos complejos provocados por la influencia directa que genera lo urbano.

Sao Paulo 1997 © Patrick Sachmann

Por último, les propongo que vean ese film dirigido por Guy Debord quien fue uno de los fundadores del Situacionismo. La película "de Debord da en el blanco - señaló el escritor Juan Goytisolo en una nota en El Pais - No vivimos en el mundo de Marx ni el de los filósofos marxistas y antimarxistas que le han sucedido. Ahora se distribuye el pensum - ¡en el castellano medieval se llamaba <pensadores> a quiene distribuían el pienso al ganado!- a través de la pantalla del televisor. La ideología se ha disuelto en su representación mediática. Vivimos irremediablemente, como dictaminó Debord, en la sociedad del espectáculo, y esto vale para todos, nos guste o no".

con subtitulado en español

Espero que les haya gustado esta propuesta. Hasta pronto!

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Color y composición

En estos tiempos de saturación de imágenes, donde todo es efímero;  hay que tener una cierta presencia activa en las redes sociales y, por sobre todas las cosas:  hacer mucho “networking” para no perecer en el intento. Porque si no lo haces, serás un olvidado, un invisible o un perfecto desconocido como del que hablaré a continuación.

Me refiero al fotógrafo canadiense Robert Walker.

En las siguientes líneas,  deseo hablar sobre la composición de algunas de las fotografías que pertenecen a New York: Inside Out, publicado en 1984 por Skyline.  Un libro que posiblemente sea uno de los primeros de fotografía urbana a color que se han publicado y que se puede conseguir por poco dinero en Amazon…esto es para recordarlo..

Además de ser un verdadero manual de cómo utilizar y organizar el color para darle potencia a una instantánea;  creo que podemos aprender mucho más de este ilustre desconocido "de las nuevas generaciones de Facebook".

La elección del fondo es crucial. 

© Robert Walker

“No forman la parte importante de la escena pero condiciona la imagen, sobre todo en color...y cualquier trozo de color puro cobra un protagonismo exagerado” señala Cristobal Hara al respecto.

© Robert Walker

En esta instantánea se puede apreciar una buena organización de los colores de los vestidos conformando un triángulo de color con mucha potencia visual. Además, la elección vertical sumado al plano en picado le da un plus aún mayor.

© Robert Walker

El uso de lo que denomino "ventanas indiscretas"como si se tratara de un marco dentro del rectángulo de la cámara es un recurso saludable de composición. A eso hay que sumar la buena elección de colores primarios (verde y rojo) y secundario (amarillo). Y el fondo, por supuesto.

© Robert Walker

Otra ventana indiscreta con una gran potencia de color a través de los marcos cromáticos primarios y secundarios. "Walker captura el intrincado desplazamiento horizontal de esta superficie, el juego de colores y la composición, terciopelo de rojos profundos, azules eléctricos, verdes y amarillos intermitentes" señala William Burroughs en el prólogo del libro.

© Robert Walker

Este estar "detrás de lo visible", me sorprende mucho. Intentar "no mostrar", tapar, no dar visibilidad a ciertas formas, colores, genera una ruptura, un sugerir de otras narraciones.

© Robert Walker

La utilización de un fondo etéreo y el color rojo en su mínima expresión en diagonal, creando tensión entre una mujer sentada y otra de pie, transmite una gran potencia visual.

© Robert Walker

Estas especies de "olas rítmicas urbanas" a través de las repeticiones de las botellas rojas y con ciertas rupturas de color y líneas le otorgan a esta instantánea una gran potencia y dinamismo.

© Robert Walker

Esta imagen podría haber funcionado perfectamente en blanco y negro. Si no fuera por la brillante elección del rojo en su mínima expresión. Un recurso muy saludable de composición.

© Robert Walker

"El borde la fotografía define el contenido" decía John Szarkowski en el Ojo del Fotógrafo - "Disecciona formas familiares, y muestra su fragmento desconocido. Crea las formas que rodean objetos".  

Les recomiendo que vean el artículo que realizó Carlos Prieto sobre otro trabajo de Walker.
Un abrazo y hasta pronto!




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Un músico del color

Siempre digo que la pintura abre un abanico de posibilidades complementarias que pueden ser estímulos útiles para fotógrafos preocupados por ciertos aspectos formales de sus composiciones.  En un reciente post hablé de la influencia de la pintura de Pierre Bonnard en algunos prestigiosos fotógrafos coloristas como son Saúl Leiter o Harry Gruyaert.

Durante este verano estuve viendo y reflexionando sobre muchas de sus obras. Y,  en estas líneas,  me gustaría comentar algunas de las conclusiones que he llegado;  y que pueden ser útiles para todos los que nos gusta organizar de una manera óptima y potente el color en nuestras composiciones.

Café dans le Bois 1896. Pierre Bonnard

En primer lugar, sus pinturas no poseen el esquema geométrico convencional de la perspectiva heredada del Renacimiento.

Creó otras perspectivas a través del uso del color recreando singulares profundidades de campo a sus escenas.

Y lo más importante, por la forma de pintar, sus cuadros tienen cierta “vibración visual” o “visión móvil”;  un efecto que lo emparenta con la espontaneidad en la fotografía urbana. De hecho Bonnard trabajó muchas escenas cotidianas en las calles.

Le crépuscule au Fährhaus 1913. Pierre Bonnard

Desnudo en un interior 1935. Pierre Bonnard

Esas vibraciones visuales también aparecen en instantes efímeros de su vida íntima en donde prima la categorización de los colores que reemplazan sistemáticamente las perspectivas lineales tan usadas por los pintores del Quattrocento. (Vean Algunos apuntes de composición y rincones)

Me da la sensación que a Leiter y a Gruyaert (y agregaría a Lee Friedlander) le gustó la revolución que gestó Bonnard en los planteamientos fundamentales que regían la pintura hasta el siglo XX: el abandono del modelado ilusionista del cuerpo, la renuncia a la perspectiva central tradicional y la modificación de las leyes clásicas de la proporción y el movimiento.

Young Woman 1921. Pierre Bonnard

En el siguiente cuadro se puede apreciar perfectamente de lo que hablo: las figuras estan como en espacios flotantes, suspendidas y que parecen deslizarse sin un punto fijado. Y  las figuras ubicadas en el margen derecho superior se observan como desde una perspectiva diferente.

Crepúsculo. El partido de Criquet 1892. Pierre Bonnard

Y obviamente la riqueza de matices de verdes. “Yo había entendido – señala Bonnard en una carta a un amigo – que el color podía expresar todas las cosas sin necesidad de relieve ni de modelado. Me pareció que era posible traducir luz, formas y carácter a través exclusivamente del color, sin recurrir a las relaciones de contraste”.

Influenciado en la pintura japonesa, Bonnard representa el espacio desde una perspectiva desde arriba, a veces abrupta, asociada a una vista de cerca como se ilustra en el siguiente cuadro.

3 femmes au chien 1891

Y las tres personas situados a lo lejos al fondo de la composición están  representados  en otra perspectiva, ligeramente vistos desde abajo. El ojo, al tener que desplazarse de un grupo al otro, hace que surja la sensación de un camino recorrido, generando así espacio entre las figuras.

Young Girl with Umbrella, 1894. Pierre Boonard

Otro aspecto revolucionario de su obra es que las figuras en sus cuadros son parcialmente visibles. Según sus palabras “el recorte estricto de la visión transmite casi siempre algo falso. La composición de segundo grado consiste en reintroducir algunos elementos visuales que se encuentran fuera de ese rectángulo”.

El cuarto de baño 1932. Pierre Bonnard

Y eso unido a que sus escenas están exentas de pathos; sus cuadros dan la sensación de movimiento, de un mundo animado, suspendido y mantienen en vilo la percepción del observador.

Espero que la nota les haya sido útil. Hasta pronto!

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