Fotografías en modo libro abierto

La calle en su devenir constante de movimientos es siempre distinta, diferente aunque sea la misma esquina de tu barrio. La luz siempre es diferente, la gente que va y viene cambia cada día. Esa incertidumbre y la constante transformación de las cosas en un espacio público es un menú muy atractivo para cualquier fotógrafo urbano exigente.

(c) Gueorgui Pinkhassov

En ese contexto, una forma bastante práctica de organizar los elementos para darle dinamismo y profundidad de campo a la instantánea es a base de triángulos del cual ya hablamos en varias ocasiones en este blog. Para los coloristas, triangular colores es una forma habitual de generar una composición potente y dinámica.

(c) Nikos Economopoulos. Ghana, 2017

Otra forma práctica cuando no hay mucho tiempo para organizarse (porque las cosas en la calle ocurren muy rápido y son imprevisibles) es intentar organizar la composición como si se tratara de un libro abierto.

Donde el lomo (imaginario) esté centrado y que divida, de alguna manera, la instantánea de dos partes iguales.

Veamos otro ejemplo, de este gran maestro que es el fotógrafo griego de Magnum:

(c) Nikos Economopoulos. México, 2017

Todo ello, “triángulos” y “libros abiertos” son mucho más prácticos de organizar cuando intentas ver la escena, de frente,  como si estuvieras ante una obra de teatro y tú,  "desde la primera fila", intentas componer. 

Todo es una cuestión de como te posicionas mientras deambulas por la calle. No es una tarea sencilla pero con trabajo y dedicación se logra observar "desde el lomo de un libro abierto y a base de triángulos". Todo es una cuestión de geometrías...

Hasta pronto!

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Color y composición

En estos tiempos de saturación de imágenes, donde todo es efímero;  hay que tener una cierta presencia activa en las redes sociales y, por sobre todas las cosas:  hacer mucho “networking” para no perecer en el intento. Porque si no lo haces, serás un olvidado, un invisible o un perfecto desconocido como del que hablaré a continuación.

Me refiero al fotógrafo canadiense Robert Walker.

En las siguientes líneas,  deseo hablar sobre la composición de algunas de las fotografías que pertenecen a New York: Inside Out, publicado en 1984 por Skyline.  Un libro que posiblemente sea uno de los primeros de fotografía urbana a color que se han publicado y que se puede conseguir por poco dinero en Amazon…esto es para recordarlo..

Además de ser un verdadero manual de cómo utilizar y organizar el color para darle potencia a una instantánea;  creo que podemos aprender mucho más de este ilustre desconocido "de las nuevas generaciones de Facebook".

La elección del fondo es crucial. 

© Robert Walker

“No forman la parte importante de la escena pero condiciona la imagen, sobre todo en color...y cualquier trozo de color puro cobra un protagonismo exagerado” señala Cristobal Hara al respecto.

© Robert Walker

En esta instantánea se puede apreciar una buena organización de los colores de los vestidos conformando un triángulo de color con mucha potencia visual. Además, la elección vertical sumado al plano en picado le da un plus aún mayor.

© Robert Walker

El uso de lo que denomino "ventanas indiscretas"como si se tratara de un marco dentro del rectángulo de la cámara es un recurso saludable de composición. A eso hay que sumar la buena elección de colores primarios (verde y rojo) y secundario (amarillo). Y el fondo, por supuesto.

© Robert Walker

Otra ventana indiscreta con una gran potencia de color a través de los marcos cromáticos primarios y secundarios. "Walker captura el intrincado desplazamiento horizontal de esta superficie, el juego de colores y la composición, terciopelo de rojos profundos, azules eléctricos, verdes y amarillos intermitentes" señala William Burroughs en el prólogo del libro.

© Robert Walker

Este estar "detrás de lo visible", me sorprende mucho. Intentar "no mostrar", tapar, no dar visibilidad a ciertas formas, colores, genera una ruptura, un sugerir de otras narraciones.

© Robert Walker

La utilización de un fondo etéreo y el color rojo en su mínima expresión en diagonal, creando tensión entre una mujer sentada y otra de pie, transmite una gran potencia visual.

© Robert Walker

Estas especies de "olas rítmicas urbanas" a través de las repeticiones de las botellas rojas y con ciertas rupturas de color y líneas le otorgan a esta instantánea una gran potencia y dinamismo.

© Robert Walker

Esta imagen podría haber funcionado perfectamente en blanco y negro. Si no fuera por la brillante elección del rojo en su mínima expresión. Un recurso muy saludable de composición.

© Robert Walker

"El borde la fotografía define el contenido" decía John Szarkowski en el Ojo del Fotógrafo - "Disecciona formas familiares, y muestra su fragmento desconocido. Crea las formas que rodean objetos".  

Les recomiendo que vean el artículo que realizó Carlos Prieto sobre otro trabajo de Walker.
Un abrazo y hasta pronto!




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Intentar algo nuevo

La verdad es que estoy muy cansado de esa fotografía humorística efectivista, que envejece rápido, y es de corto aliento. Ya me canso otro poco con sólo escribirlo…pero básicamente, desde hace mucho que me quiero desmarcar de estas imágenes  que juegan con la bidimensionalidad de la fotografía para recrear ciertos juegos ilusorios del absurdo que de tanto repetirse terminan haciendo poco creíble el futuro de la fotografía urbana.

Mi interés está más centrado en esa fotografía de calle que intente dirigirse hacia proyectos que hagan ruptura en la búsqueda de nuevos elementos formales de lo visual y que, a su vez, documenten ciertas cualidades del entorno que el fotógrafo percibe con su cámara. Es un camino más difícil pero que vale la pena por lo menos intentarlo y salir de “ese ruido llamado street”.

Veamos algunos ejemplos de “los clásicos” que sirven de argumento a todo lo que dije.

1976 © Joel Meyerowitz

Los fotógrafos del llamado “American New Color” (entre ellos, Joel Meyerowitz,  Stephen Shore, William Eggleston) supieron encontrar elementos formales visuales en la obra de pintores realistas como Edward Hopper y también para hablar de la incomunicación, la soledad en la vida contemporánea en las grandes ciudades.

© Cristobal Hara

Cristobal  Hara se apoya en la riqueza de la pintura española (Goya, Velásquez) para romper con ciertas formas visuales y a su vez, crear con sus imágenes el  imaginario de una España profunda,  alejada de los estereotipos.

© Harry Gruyaert

Harry Gruyaert hace algo parecido y se apoya en los escenarios surreales de la pintura de René Magritte que despertaron ciertas inclinaciones por buscar escenas como suspendidas en el tiempo y reinterpretar la apariencia / realidad.

© Trent Parke

O Trent Parke que se vió influenciado por la música triste, melodramática de bandas como Nine Nails o Radiohead para transmitir imágenes de tono “oscuro”. O,   como si se trataran de “visiones lúgubres" ,  para reinterpretar (de forma sugerente o poética),  el entorno de desigualdades e injusticias de su país natal:  Australia.  Así nació Minutes to Midnight, un libro que, en unos años, se recordará como el nuevo "los americanos de Robert Frank" del siglo XXI.

Hasta pronto!

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Obligado a ser espontáneo, mínimo e improvisador

Siempre comparé a una buena fotografía de calle con la emoción capturada de un poema atemporal. O también lo encontré en la improvisada y espontánea alegría de un saxo alto (mi instrumento preferido) en una jam sesión.

© Saúl Leiter

Con el tiempo descubrí que menos es más; que sugerir es mejor que denotar; que con sólo un verso se puede transmitir esa emoción tantas veces perdida y encontrada; que un fraseo inspirado puede instalarse para siempre en nuestro corazón.

© Ernst Haas

Algo de todo ello pensaba el pianista Bill Evans que junto a Miles Davis, Cannonbal Adderley y Coltrane crearon una pieza sublime, minimalista del “jazz modal”. Me refiero a Kind of Blue (1959) cuyos temas fueron creados por uno o dos acordes que mantenían largos períodos de improvisación. Algo así es mi forma de entender la fotografía de calle.

© Ray Metzker

Con respecto a todo ello, deseo contarles una pequeña historia.

A finales del siglo XIV llegó a Japón desde China, de la mano de monjes budistas Zen, un tipo de pintura que los japoneses denominaron “suibokuga” que también era espontáneo y mínimo.

© Gonzalo Juanes

El artista “tiene que pintar en un pergamino delgado extendido con un pincel especial y pintura negra de acuarela, de tal manera que un brochazo forzado o interrumpido destruirá la línea o atravesará el pergamino. No son posibles los borrones ni los cambios. Estos artistas deben practicar una disciplina específica, la de permitir que la idea se exprese a sí misma en comunicación con sus manos de forma tan directa que no puede interferir la deliberación” señaló Evans a la revista Down Beat a fines de la década del ’50 del siglo pasado.

© Sergio Larraín

“Las pinturas resultantes – prosigue el pianista – carecen de la composición de la composición compleja y las texturas de la pintura convencional, pero se dice que aquellos que saben ver, encontrarán algo capturado que escapa a cualquier explicación. Esta convicción de que la acción directa es la reflexión más llena de significado, en mi opinión, ha inducido a la evolución de disciplinas extremadamente severas y especiales como son las del músico de jazz o improvisador”.

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Me desperté en mi ropa

© Aaron Stern

El fotógrafo Aaron Stern es considerado como un digno continuador de la escuela americana de William Eggleston y Stephen Shore y acaba de publicar un libro que constata esta afirmación: I woke up in my clothes (Damiani, 2014).

Las imágenes de este proyecto (en 35 mm. y medio formato) fueron realizadas por el autor entre 2007 y 2013, entre los paisajes desolados, devastados por un huracán en los alrededores de Los Ángeles y Nueva York, su residencia habitual. 

© Aaron Stern

"Yo estaba allí para capturar esos momentos de luz y esos paisajes vacíos que realmente ilustraban lo que estaba sintiendo.."

© Aaron Stern

"En un principio, reunía estas imágenes sin realmente tener una idea muy clara de lo que quería para el libro..."

© Aaron Stern

"Quería contar una historia de la pérdida, el amor, la intimidad y el espacio entre ellos"

© Aaron Stern

El libro de 96 páginas lleva el prólogo del escritor Rich Appel y poemas existenciales de David Wagoner.

Hoy estará firmando libros en el Internacional Center of Photography de Nueva York.

Buen fin de semana para todos!

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Florida Color de Costa Manos

Daytona Beach, Florida 1997 © Constantine Manos

Constantine Manos es conocido en el mundo de la fotografía por ser, a partir de los años ’80 del siglo pasado,  uno de los grandes fotógrafos de calle que impulsó el uso regular del color en la fotografía documental.

Daytona Beach, florida 1997 © Constantine Manos

Manos contribuyó junto con Alex Webb, Harry Gruyaert y Gueorgui Pinkhassov a consolidar su uso ante la hegemonía del blanco y negro .

Miami Beach, Florida 1999 © Constantine Manos

Sus dos libros American Color y American Color 2 constatan esta apreciación que, en conjunto, suman 30 años de carrera del fotógrafo.

Parte de estos trabajos se pueden ver actualmente en la expo que montó el Museo de Arte de Fort Lauderdale (USA) y que se titula Florida Color.

En total se podrán apreciar unas 50 imágenes de la famosa serie americana que Manos tomó en Florida entre 1982 y 2009.

Daytona Beach, Florida 2000 © Constantine Manos

Las fotografías documentan la vida cotidiana en ciudades como Jacksonville,  o lugares de Key West y también eventos públicos como la Semana de la bicicleta en Daytona Beach.

Miami Beach, Florida 1982 © Constantine Manos

La expo estará abierta al público hasta el 12 de mayo.

Por último, trascendió que Constantine Manos será uno de los protagonistas del próximo Miami Street Photography Festival que se realizará en diciembre de este año.

Un abrazo y hasta el viernes!