Miradas Cómplices constituye un laboratorio de ideas, de reflexiones fotográficas e imágenes que, quizás, encuentren vuestra complicidad.

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lunes, 30 de mayo de 2011

Un-Posed, la street photography polaca


Según el diccionario inglés, unposed es un adjetivo que se refiere a algo natural, auténtico. Y fotografía unposed es algo así como fotografía no posada, al natural.  Justamente todo ello llevó a un grupo de entusiastas  fotógrafos polacos para dar  vida al colectivo de street photography Un-Posed con sede en Varsovia (Polonia).
Me llama la atención que desde hace diez años que están en activo. Parece ser un colectivo con un trabajo maduro y se muestran como un gran referente de la street photography de la Europa del Este.
Los fotógrafos que la conforman se autodenominan sencillamente como un grupo que les agrada captar los detalles de las situaciones y acontecimientos que ocurren en lo público y que pasan desapercibidos por la mayoría social.
Ahora, me gustaría compartir con ustedes algunas fotografías de los miembros de este colectivo y si quieren ver más, pueden darse una vuelta por  su web.  Gracias y hasta el miércoles!!

© Damian Chrobak
© Maciej Dakowicz
© Michal Adamski

© Piotr Koszczynski

© Zbigniew Osiowy


viernes, 27 de mayo de 2011

Alex Webb y el padecimiento de la luz



Acaba de publicarse un nuevo libro del fotógrafo de Magnum,  Alex Webb. Y eso ya es toda una gran noticia para todos los que apreciamos su trabajo.
Sin embargo, The Suffering of Light (El sufrimiento de la luz) va un poco más allá de ser un convencional libro de fotografías. Sus más de 200 páginas contienen 115 ilustraciones que redondean los 30 años de carrera profesional de este gran fotógrafo americano.




En otras palabras, El sufrimiento de la Luz es la primera monografía completa que incluye fotografías de los más diversos géneros documentales: desde la street photography, pasando por el fotoperiodismo y la fotografía de viajes. Pero como dice el propio Webb: para mí todo es fotografía, tienes que salir y explorar el mundo con una cámara. Y parece que en este libro, el fotógrafo lo muestra con creces en un prolijo diseño.




Con textos del escritor y periodista Geoff Dyer, el itinerario visual que propone el libro,  destila una exuberante y evocativa composición de contrastes, sombras y tensiones culturales que caracterizan a las imágenes de Webb.
Y por sobre todas las cosas, con un uso y aprovechamiento del color de una manera superlativa que lo llevó a convertirse en un pionero de su uso profesional. Y a tutearse de igual a igual con el blanco y negro en el género documental como también lo hicieron
Steve McCurry, o Navia en España en los años ochenta del siglo pasado.





Y como frutilla del postre, quiero compartir con ustedes un estupendo video que muestra algunas imágenes de Estambul, la ciudad de los 100 nombres, para mí uno de los libros de fotografía que más he disfrutado.  Buen fin de semana!! 


PD: me olvidaba comentarles que  mañana inauguramos junto con Calle 35  y el Grupo de Fotografía de Argentona (Catalunya) la primera exposición colectiva de street photography en el V Festival de Fotografía Alfons Güell.
 Así que todos están invitados!! otro abrazo!!

miércoles, 25 de mayo de 2011

Street photography: la perspectiva de una mujer


Dentro del marco del London Festival Photography Festival, desde el 10 de junio hasta el 22 de julio, se expondrá una interesante exposición que muestra el trabajo de cinco mujeres fotógrafas que utilizan el espacio público de cualquier parte del mundo como fuente de inspiración.
Cabe destacar que la exposición será comisariada por Photofusión, una de los más importantes empresas londinense dedicadas a brindar soporte logístico, cursos, organización y material al servicio de la fotografía y los fotógrafos.
Así de esa manera, los organizadores del festival esperan una gran recepción de público para obserbar los trabajos de Anahita Avalos, Polly Braden, Tyffany Jones, Johanna Neurath y Tang Ying.
Los dejo con algunas imágenes de estas streeter contemporáneas que bien valen la pena observar. Un abrazo y hasta el viernes!!  

Anahita Avalos


Polly Braden

London Square

London Square
Tyffany Jones

London
Jaipur - India
Johanna Neurath

London
London
Tan Ying

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San Francisco 2007

lunes, 23 de mayo de 2011

Las mujeres son hermosas y con una mala cámara también



Con cámaras como ésta, construidas con latas de tomate, paquetes de cigarrillos, tubos de plástico u otros residuos domésticos, el excéntrico fotógrafo checo  Miroslav Tychý pudo desarrollar entre 1960 y 1985 un increíble catálogo de imágenes de mujeres que no dejan de ser hermosas a pesar de las malas cámaras que este singular hombre usaba.


© Miroslav Tychý
La obsesión que tenía este fotógrafo, mitad ermitaño, mitad mendigo, por las mujeres (llegaba a sacar 100 imágenes diarias) se puede comparar con la que tuvo en su momento, Garry Winogrand cuya exposición: Women are Beautiful (Las mujeres son hermosas) pude observar en febrero pasado en la Fundación Foto Colectania (Barcelona).
Pero a diferencia del gran fotógrafo norteamericano, las imágenes de Tychý tienen una carga onírica,  poética de la intimidad femenina que no deja de sorprenderme. Y no sólo por las rudimentarias cámaras que usaba, también porque las mujeres no fueron retratadas en grandes ciudades como hacía Winogrand. El ermitaño fotógrafo checo lo hizo en su pequeño pueblo de Chijov (República Checa) donde  vivía en casi permanente y voluntario aislamiento. 
En el 2004, con Tychý ya anciano y con pocas ganas de hacer nuevas cámaras residuales fue descubierto por el mundo fotográfico en el Festival de Fotografía de Arlés (Francia). Y un año después, la editorial checa Fototorst publicó un libro sobre su trabajo que quiero compartir con ustedes aquí.


Hoy en día, Miroslav Tichý ya no sigue construyendo sus artesanales cámaras. Falleció el mes pasado a la edad de 84 años. 
Hasta el miércoles!! 

viernes, 20 de mayo de 2011

El rostro del cine en las paredes indias


Jaipur - India © Marcelo Caballero
Una de las cosas que más me llamó la atención de mis visitas a India, fueron los carteles de cine que abarrotaban cualquier pared de las grandes ciudades indias.
Entre coloridos y en algunos casos surrealistas, los afiches han generado todo un lenguaje visual único que evolucionó junto a la encumbrada industria cinematogràfica india conocida popularmente como Bollywood.
 Aparte de afiches, me encontré con murales exqusitamente pintados en grandes paredes o en telares gigantes colgando sobre las calles que ante mi sorpresa, no perseguían otra cosa que hacer publicidad de algún film de estreno.


En consonancia con la importancia histórica de esta singularidad visual india, el año pasado, la editorial Taschen publicó un interesante libro titulado: El arte de Bollywood que hace honor a la historia de este género visual muy poco valorado y que se remonta a sus orígenes en la década del 20 del siglo pasado.
 En esa época los carteles eran pintados a mano y los mejores artistas y muralistas se volcaron por unas pocas rupias a esta veta artística respaldada por el naciente cine indio de Bombay.
Según lo que explican los autores de este libro, Paul Duncan y los investigadores indios Rejesh Devraj y Edo Bouman, la necesidad de dirigirse a un mercado de masas poco cultivado dictó determinadas características del cartel de Bollywood. Todo lo pintado recaía en la imagen y no en la información textual, una de las razones por las que la publicidad no surgió a raíz de los directores de arte ni los diseñadores, sino de los pintores.
Uno de los más grandes artistas callejeros indio fue Gopla Kamble y en Bombay se convirtió en toda una referencia para los pintores de pancartas durante décadas.


Con el tiempo llegaron los films de clase B llamados en los '70, masala movies aunque los afiches callejeros siguieron desplegando una gran versatilidad de ingenio.


Y de la mano del arte callejero indio también llegó el pop


En resumen, vale la pena darse una vuelta por este libro que, además de tener muy buen precio es el primer estudio exhaustivo de este género visual. Buen fin de semana!!

Bombay © Magnum Photos


miércoles, 18 de mayo de 2011

Canoa Quebrada, un paraíso en el desierto



Hoy quiero compartir con ustedes mis impresiones sobre un lugar que constituye una perfecta máquina de energía natural al servicio de quien la quiera conocer.
Canoa Quebrada lo es y apenas la conocí, me dió la sensación de estar en una pequeña torre de babel debido a la diversidad cultural de sus habitantes y de los que la visitan. Sin embargo,  mantiene su esencia de pueblo pesquero y sus playas de lejano oeste, solitarias,  te invitan  a la aventura.
Andar a caballo, surfear, realizar trekkings,  salir en jangadas con los pescadores nativos,  participar de fogatas son posibles en esta pequeña playa nordestina ubicada en el estado de Ceará, a 180 km. al sudeste de Fortaleza en Brasil.
 Con paisajes, geografía y climas muy diferentes al de las famosas y concurridas  playas del sur, Canoa Quebrada y los balnearios cearenses que la circundan tienen lo suyo. Escogida por el prestigioso diario norteamericano The Washington Post como una de los grupos de playas más bonitas del mundo,  Canoa Quebrada, junto con Jericoacoara, Caucaia,  Iguape,  Prainha, Caponga, Aguas Velas,  Porto Canoa, Majorlândia, Ponta Grossa son escenarios naturales donde la arena manda y el paisaje permanece inalterable, mágico a lo largo de 500 km. de costa.


El ambiente natural y no contaminado de sus costas actúa como musa inspiradora  para  artesanos del país y extranjeros que se quedan más de lo debido. “Vinimos por una temporada y al final nos quedamos 15 años” comenta José Guzmán, un maestro platero chileno,  que con a su hermano Beto construyeron una pequeña fábrica de platería junto a una inmensa duna cerca del mar. Confeccionan allí  delicadas y magníficas obras que exponen en la Brodway, la calle principal para el deleite de los turistas.
Todo se concentra allí. Apenas baja el sol, la intensa vida nocturna de Canoa despunta su brillo. Todos los días es igual. Los restaurantes ofrecen sus comidas típicas a precios ridículos,  bares al mejor estilo lejano oeste, caipirinha y locales bailables de reggae,  blues,  rock,  forró (música típica del estado) y algunas veces, recitales en vivo hasta el amanecer.  En esos lugares y en la calle, uno se puede encontrar con personajes salidos de algún comic.
La fiesta de la luna adorna todos los años, a fines de octubre, a Canoa Quebrada. Debido a un extraño fenómeno visual,  la luna (en cuarto creciente) tiende a juntarse con una estrella. Este espectáculo moviliza a una multitud de personas que no quieren perderse ni un segundo de este inusual espectáculo nocturno e identifica  a la playa y al poblado.




Un poco de historia 

La zona fue descubierta por el navegante portugués Francisco Soares da Cunha.  Arribó a Ponta Grossa -un monumental promontorio ubicado a 30 km de la actual aldea- en 1650. (Actualmente la zona es reserva natural y vive una comunidad indígena. Cuando los visité me sorprendí que muchos de ellos tienen la tez oscura pero con cabellos claros)
Cuenta la leyenda que el nombre de la playa nació cuando este marino se encontró con un viejo pescador indígena llamado Simäo que le hizo conocer la región.
La historia popular siempre es fantástica e inverosimil.  Narra que gracias a la atención recibida,  Soares lo invitó a visitar el navío pero el pescador no lo entendió así y planificó una trampa. Junto con decenas de hombres se dirigieron al barco con la intención de destruirlo. Pero cuando los indígenas se acercaron y observaron la envergadura de la embarcación portuguesa  exclamaron: "una canoa quebrada" y huyeron espantados.


    

Lo cierto es que durante mucho tiempo estas costas estuvieron casi deshabitadas hasta que a principios de la década del '70 se produjo el boom. Grupos de hippies, viajeros, mochileros, artistas, artesanos y músicos, llevados por la voluntad de cambiar sus vidas, hartos de la ciudad, encontraron en estos parajes el paraíso terrenal para crear una comunidad.
De esa forma Canoa Quebrada se convirtió en una especie de meca para aquellas personas que tenían el sueño de una vida integrada con la naturaleza y de convivencia enriquecedora con los nativos.
Fue allí donde el cineasta brasilero Bruno Barreto filmó en 1996, la "Bella Donna" y consiguió captar con gran sensibilidad las bellezas naturales de la región. Desde ese momento pasó a ser llamada popularmente como la esquina del mundo.
   "Las primeras épocas fueron duras -señala Claudio Cova, un ex hippie y escultor argentino de la primer época -. Todos los días, bien temprano subíamos y bajábamos las gigantescas dunas a caballo con provisiones y agua traídas desde Aracatí, antigua ciudad ubicada a unos 50 km. de Canoa Quebrada y segunda ciudad de Ceará.
 "De esa forma, poco a poco comenzamos a construir las primeras casas de barro" señala melancólico este hincha de River Plate de Argentina,  hoy devenido en un próspero agente turístico.
A pesar del creciente turismo,  con el tiempo Canoa Quebrada no perdió la atmósfera inicial y siguió siendo un pueblo muy pintoresco, lleno de vecos (pasadizos angostos) cargados de una atmósfera muy especial y romántica. 

lunes, 16 de mayo de 2011

Exposición de Calle 35 y salidas fotográficas por Barcelona



Queridos lectores, me hace mucha ilusión comentarles que el colectivo Calle 35 (del cual formó parte) hará su primera exposición durante V Festival de Fotografía Alfons Güell y se titula: Fotografía urbana como expresión estética y documental.
La muestra colectiva que incluye imágenes de los 11 miembros actuales de Calle 35,  se inaugurará el próximo 28 de mayo. Y la exposición estará abierta al público hasta el 19 de junio en el  Saló de Pedra,  del pequeño y pintoresco pueblo del Maresme catalán.
 A continuación quiero compartir con ustedes un tríptico con  toda la información del festival organizado magistralmente por el Grupo de Fotografía Argentona (GFA).



Dentro de la nutrida cantidad de actividades que habrá en el evento,  están programadas para el día 11 de junio, unas peculiares salidas fotográficas de street photography junto con los miembros fundadores del colectivo, en grupos de 6 a 8 personas,  por las calles de Barcelona.
La propuesta puede llegar a ser muy fructífera y enriquecedora,  tanto para el colectivo como para los alumnos; y durante ese paseo matinal, intentaremos, entre todos,  mantener atenta la mirada,  aprender  a ser discretos y sumergirnos en la marea urbana tratando, por sobre todas las cosas,  que la gente no sienta que invadimos sus espacios públicos personales de una manera aparatosa. Ese es el juego y el guiño que se propone en esta salida y la única manera es la práctica intensiva. Y el centro de Barcelona,  el lugar ideal.
Aquí les dejo el enlace de Calle 35 en facebook donde pueden recabar más información e inscripciones. Los cupos como verán son limitados:

Un abrazo a todos y los esperamos!!

viernes, 13 de mayo de 2011

Street photography en el ir y el venir del trabajo


Dentro de la street photography actual, Melanie Einzig es una de mis fotógrafas favoritas. La Einzig, miembro estable del prestigioso colectivo IN – PUBLIC , me gusta por muchas razones. Pero principalmente por ese guiño tan peculiar que tienen sus imágenes de los  momentos fugaces que ocurren en los espacios públicos urbanos.
En una entrevista que concedió a Calle 35, Einzig contó  “sólo en raras ocasiones puedo salir específicamente a disparar. Mis mejores fotografías fueron tomadas en el ir y venir del trabajo”
Y en ese ir y venir de la rutina diaria salieron muchas fotografías y algunos videos que quiero compartir con ustedes hoy.
Por ejemplo, la lluvia y un paragua pueden ser un buen pretexto para hacer un video con aire street:



O los personajes que pululan por Nueva York:




Y por último, la frutilla del postre. Un compilado de imágenes bien estructurado musicalmente que muestra todo su repertorio de miradas irónicas y complicidades cáusticas con la gente de su ciudad. Buen fin de semana!!


2010 Lost and Found / Melanie Einzig from Melanie Einzig on Vimeo.

miércoles, 11 de mayo de 2011

Imágenes en polaroid, un proyecto posible


© Les Krims 1978. Portada del tercer disco de Peter Gabriel realizada con polaroid 
Al igual que Ansel Adams, Walker Evans siempre había desdeñado el uso del color.
Pero en los últimos años de su vida cuando ya no podía más con sus pesadas cámaras y trípodes, apareció la empresa Polaroid y su innovadora SX-70 que lo estimuló a pensar lo contrario. El sistema analógico instántaneo, el enfoque automático y la textura impresionista de las imágenes maravillaron al gran fotógrafo norteamericano que observó en esas características, muchas ventajas para dedicarse de lleno a la composición. Y dejar de lado las complejidades de las técnicas fotográficas por razones de salud.

Walker Evans 1973
De esa manera, la fotografía instantánea se convirtió en un recurso de búsqueda personal y Evans volvió a algunos de sus motivos principales: señales, carteles y también retratos. Algunos autores consideran que Evans fue un precursor en retratos con aspectos íntimos que, hoy en día, son una constante del retrato moderno.

Walker Evans

Walker Evans

Walker Evans
En tan sólo un lustro hasta su muerte en 1975, Evans dejó miles de imágenes en polaroid, muchas de ellas inmortalizadas en su recomendable Polaroids, su último libro de fotos.


Anuncio publicitario de los '70 del siglo pasado
Entonces, los creativos de Polaroids habían logrado un doble propósito: dejar a Evans muy contento con la nueva experimentación y ellos hicieron pingues negocios con esta nueva cámara que se convirtió en  un éxito de ventas durante la década de los setenta y el leit motiv de la empresa hasta su desaparición total en el 2008 deglutido por la era digital.
A pesar de esta triste noticia para los amantes del polaroid,  el colectivo Impossible Project liderado por Florian Kaps, resucitó el viejo sueño. Compraron la maquinaria y el centro de producción de Polaroid en Amsterdam y, el año pasado,  comenzaron a producir una película compatible con las cámaras de la firma.  A través de su sitio web,  se puede comprar on - line el material sensible y también brindan información de algunas tiendas de Berlín, Viena o Barcelona donde venden estos productos. 

lunes, 9 de mayo de 2011

Harry Callahan Color 1941 - 1980


Ragsdale Beauty Shop, Detroit.© Harry Callahan 1951 

Harry Callahan es un fotógrafo ampliamente conocido por sus trabajos en blanco y negro y su influencia ha sido decisiva para muchos fotógrafos de la segunda mitad del siglo xx. Este fotógrafo norteamericano también conocido  por los retratos y desnudos realizados a lo largo de muchos años a su esposa Leonor, no es tan conocido en el uso del color en sus trabajos. O mejor dicho, su trabajo en color queda un poco en segundo plano.
Lo cierto es que Callahan junto con 12  fotógrafos de la Farm Security Administration, Ernest Hass, Saúl Leiter, Inge Morath,  Gonzalo Juanes fueron los primeros grandes maestros de la fotografía  que usaron el color de una manera consistente y profesional en el género documental sin complejos ante la tradición del uso del blanco y negro.  
En el post del 9 de marzo de este año comenté que Kodak en 1936 había puesto en el mercado una diapositiva (la Kodachrome) bastante operativa. Y los primeros en usarla fueron los 12 fotógrafos de FSA. Y muestro algunos notables ejemplos visuales de ello.


En la misma época, Callahan tomó contacto directo con esta mítica diapo  y muy pronto la empezó a usar como señala en el prólogo de su libro Garry Callahan Color 1941 - 1980.
En 1940, el Museo de Arte Moderno de Nueva York le concedió una beca y para Callahan fue el gran pretexto para utilizar la diapositiva color de una manera regular y sistemática en sus nuevos trabajos.
Así visualizó posibilidades ilimitadas de experimentación. “Hacer fotografía en color en esos momentos – señala Callahan – fue un medio idóneo para expresar mis sentimientos y relación visual con la vida dentro y fuera de mi”.
De esa manera, en el libro van desfilando distintas imágenes callejeras realizadas a lo largo de 40 años;  donde destacan paisajes urbanos y edificios haciendo hincapié en el juego de líneas y técnicas como la exposición múltiple.  Ahora los dejo con algunas fotografías que aparecen en este interesante libro.

Venecia. 1957  © Harry  Callahan
Providence. 1977 © Harry Callahan
El Cairo. © Harry Callahan 1973
Providence. © Harry Callahan 1962
Providence. © Harry Callahan 1971
Providence © Harry Callahan 1977

Providence. © Harry Callahan 1962