Cuando el color anticipa una gran película

La pintura expresionista abstracta estimuló a muchos fotógrafos durante la década del ’50 del siglo pasado a explorar la cotidianeidad urbana y transformarlas, gracias al buen uso del color,   en polisémicas confusiones cromáticas que incentivaba de buen grado, la inmersión del imaginario en la realidad.

Ejemplo de ello, son muchas de las escenas extraordinarias que lograban fotógrafos como Ernst Haas, Saul Leiter, Peter Cornelius o Fred Herzog.

(c) Erwin Fieger. Londres

En este selecto grupo de pioneros de la fotografía a color expresionista debemos incluir por méritos propios a  Erwin Fieger quien estaba explorando las posibilidades de la película diapositiva Agfa y había hecho un gran trabajo en las calles en Londres a principios de la década del ’60.

Ese trabajo fue publicado en London: City of any Dream(1962)

(c) Erwin Fieger. Londres

Tanto la portada como varias imágenes expresionistas de Fieger que aparecen en ese gran libro (actualmente muy difícil de conseguir) resultaron muy cautivadores para el director de cine Michelángelo Antonioni que estaba experimentando con el color en sus nuevas películas.

Fotograma del film Blow Up

Antonioni utilizó la estética y la textura cromática de Fieger para cristalizar ciertas atmósferas de las calles londinenses en Blow Up (1966).

Hasta pronto!

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Algunas cuestiones de objetivos

Cuando empecé a realizar fotografías, hace más de 20 años, tenía la impresión que cuanto más objetivos tuviera, más fotógrafo iba a ser. Con el tiempo me fui dando cuenta que hay que minimizar los equipos y en especial cuando estás en una ciudad.

Y cuando se trata de fotografiar en espacios públicos urbanos hay que hacerse unas preguntas previas claves para entender que objetivo llevar: ¿quiero incluir más elementos en la escena?, ¿quiero estar cerca de lo que fotografío?;  ¿deseo tener más profundidad de campo?; ¿ser rápido?; ¿discreto?.

La respuesta tiene una sola respuesta: objetivo gran angular fijo que puede ser desde 28 mm. hasta 50 mm. . El que prefieran.

(c) Raghu Rai

Durante los talleres que imparto intento que los participantes utilizen durante un día de prácticas, una distancia focal  fija y al siguiente día, si no se sienten cómodos, cambien a otro, hasta encontrar el objetivo más apropiado para realizar instantáneas.

(c) Tarik Samarah

Es importante estar a gusto con la percepción elegida ya que es crucial sentirse cómodo con lo que se ve a través del rectángulo de la cámara. Y, de esa manera,  también se irán acostumbrando a esa perspectiva visual.

Además no tendrán que llevarse permanentemente la cámara a los ojos ya que el objetivo estará fijado en la mente del fotógrafo y, de paso, será más discreto y rápido a la hora de hacer instantáneas.

(c) Ernst Haas

Recuerden, además, que el verdadero zoom serán las piernas para acercarse o alejarse de la escena tanto como quieran. Y así, con cambios de posicionamientos,  se excluye o se incluyen elementos de la composición. Y lo más importante, se darán cuenta solos que no necesitan más para fotografiar.

(c) Saul Leiter

Para los que quieran utilizar teles recuerden que generan la sensación de una perspectiva más plana.

En el caso de Saul Leiter, el gran maestro americano del color, utilizaba, en muchas ocasiones, un lente de 85 mm. que lo ayudaba a comprimir los objetos en el encuadre.

Y también ayuda a desenfocar ciertos elementos.

Lo importante de todo esto es el resultado final y que las imágenes transmitan lo que queremos expresar.

Hasta pronto!

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Colores mínimos

Siempre me ha gustado, la capacidad de simplificación estética que tienen algunos fotógrafos que utilizan ciertos colores, en cuotas mínimas, para lograr un gran impacto visual.

© Navia

Esa maestría para poder aislar, minimizar colores como pequeñas referencias visuales entre una selva  monocromática, siempre me ha cautivado.

© Saul Leiter

Allí,  en ese tipo de imágenes, uno aprende a entender el importantísimo papel del color en la fotografía. Y cómo con poco, se logra un impacto más fuerte.

© Harry Gruyaert

En ese tipo de imágenes, uno entiende la maestría que tiene el fotógrafo para recortar con su cámara,  ciertas realidades de su entorno en donde se adivinan,  como gotas, los colores cálidos entre tanto, color frío.

© David Alan Harvey

Entre tanta tonalidad gris vs. intensos colores mínimos.

© Boris Savelev

En todo ello se encierra el verdadero valor que toma el color en el lenguaje visual, muchas veces utilizado con total demagogia estética y más que aportar, produce una gran anarquía y camufla el original impacto visual de la fotografía.

© Cristobal Hara

Esos colores mínimos constituyen como una especie de pinchazo a la imagen. Es como señala Roland Barthes: un “punctum”, un “algo” de una fotografía que llama la atención, “es ese azar que en ella me despunta” y surge como una flecha que viene a clavarse.

© Costa Manos

Y “ese punctum” puede llenar la foto como algo íntimo y a menudo innombrable al que solo podemos darle un nombre de color gracias a la luz.

© Dimitri Mellos

 Hasta pronto!

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El arte de reinventarse

Hace unas décadas, el fotógrafo sólo tenía que realizar imágenes. A lo sumo, trabajaba con ahínco en la edición y presentación de sus proyectos para luego intentar publicar en alguna revista, diario del sector. Y poco más.
Desde la irrupción de lo digital, la crisis del formato papel y el tsumani visual in crescendo a través de la web hizo que el fotógrafo actual tenga que reiventarse a cada paso y tuvo que convertirse en un todo terreno del siglo XXI preocupado por las nuevas tecnologías,  el marketing y ahora junto a la fotografía hablamos de newsletters, blogs, widget, video, redes sociales, instagram y un largo etc.
Ejemplos hay mucho, entre ellos me anoto yo. Pero hoy voy a hablar de un fotógrafo americano que se llama Ted Forbes que, para no quedarse sin trabajo,  se reinventó hablando de fotografía a través de tutoriales en Tou Tube y ahora sus videos se publican 3 veces por semana y se está convirtiendo en todo un referente. Aunque no sabemos si será por breve o mucho tiempo. Las cosas, hoy en día, no duran para siempre.
Los dejo con un video que habla sobre la fotografía en blanco y negro de Saúl Leiter. 




Hasta el miércoles!!


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Ausencia o presencias abstractas

1946 © Richard Pousette-Dart

No es la primera vez que la obra pictórica eclipsa el trabajo fotográfico de un artista. Y si ese trabajo pertenece a Richard Pousette-Dart se entiende perfectamente ya que sus pinturas influyeron enormemente en el expresionismo abstracto tan en boga en Nueva York a principios de los ’50 como a fotógrafos como Saúl Leiter.

© Saúl Leiter

Las pinturas de Poussette-Dart destacan por el minimalismo que tiende a recrear evocaciones visuales. 

1940 © Richard Pousette-Dart

Y esa forma de buscar estímulos a través de simbolismos cromáticos fue muy apreciado por fotógrafos coloristas como el mencionado Leiter,  Ernst Haas, Harry Callahan o en Ray Metzker en el blanco y negro que con sus cámaras realizaban instantáneas en los espacios públicos de Nueva York o Chicago, grandes urbes llenas de vitalidad, cosmopolitas y para nada grises en la posguerra americana.

© Harry Callahan

© Ernst Haas

© Ray Metzker

A fines del año pasado, en consonancia con una exposición de sus fotografías que organiza el Museo de Arte Munson-Williams-Proctor en Utica (Estado de Nueva York;  salió publicado el catálogo titulado: Absence /Presence del gran pintor abstracto fallecido en 1992.

Poussette Dart trabajaba con exposiciones múltiples, superposición en donde las perspectivas y anulación o confirmación de objetos dentro de la composición fueron un continuo de su obra.

© Richard Pousette-Dart

© Richard Pousette-Dart

Hasta el miércoles!!


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Las mujeres de Saúl Leiter

“Cuando no sabemos por qué el fotógrafo ha tomado  una foto y cuando no sabemos lo que estamos buscanco en ella,  de repente descubrimos algo que empezamos a ver. Me gusta esa confusión” Saúl Leiter

© Saúl Leiter. Tapa en Harper's Bazaar 1959

Antes de hablar de las mujeres que tan bien retrató este buen amigo fotográfico del alma, Saúl Leiter; quiero recordar que cuando Edward Steichen  incluyo en 1953 unas 23 fotografías de Leiter en una exposición denominada: Always the Young Stranger,  en el  Museo de Arte Moderno (MOMA) no sabía que estaba forjando a uno de los fotógrafos más personalísimos, finos y abstractos en el color contemporáneo.

© Saúl Leiter. Tapa en Harper's Bazaar, abril 1961

Y ese detalle no pasó inadvertido para el director artístico Henry Wolf, que a fines de esa década,  introdujo a Leiter en el mundo de la fotografía de moda y comenzó a publicar su obra en Esquire y Harper’s Bazaar. 

© Saúl Leiter. Tapa en Harper's Bazaar, agosto 1963

© Saúl Leiter. Interior en Harper's Bazaar, junio 1961

Y durante los siguientes 20 años realizaría una original y pionera obra de autor como  fotógrafo de moda y publicó en las mejores revistas del mundo como Vogue, Show, Elle, Queen o Nova.

© Saúl Leiter. Tapa en Vogue 1966

“Considero que la fotografía de moda debería tener un puesto de honor en la historia de la fotografía y que el fotógrafo no necesita excusas para practicarla. Para mí fue una manera de ganarme la vida. Tenía que pagar la factura de la luz y el alquiler, y necesitaba dinero para comprar comida” señaló Leiter en el documental In No Great Hurry.

© Saúl Leiter. Interior en Harper's Bazaar, 1958

De alguna manera, creó una tendencia de composición que sobrevuela en la atmósfera a color de la fotografía contemporánea. Y ese es su gran legado y homenaje para la posteridad.

Buen fin de semana!

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La pura emoción

La fotografía de calle es pura emoción. Y también es la forma más pura de hacer fotografía. Ya que el único tema del fotógrafo es la calle en sí misma y cada imagen responde a esa incertidumbre del momento llevado por el disfrute de encontrarte con una imagen deseada y, en definitiva, con la esencia fotográfica.

 Yo siempre digo que es como la filosofía. La práctica de la fotografía de calle construye la base de la fotografía documental: el saber estar en la calle, el estar atento ante cualquier situación, el tener todo preparado en la cámara para captar bien la fotografía, el ser discreto; de todo ello me nutro como un fotógrafo urbano.

En mi línea personal, a mi me gusta transformar cualquier escena cotidiana en algo surreal, en algo extraordinario. Quizás mucha culpa de todo ello tuvo,  el  haber descubierto el trabajo de Ernst Haas, o Saúl Leiter.

© Saul Leiter

© Ernst Haas

Y más cercano en el tiempo, por ejemplo,  los coloristas de Magnum como Gueorgui Pinkhassov, Harry Gruyaert o Alex Webb.

© Harry Gruyaert

© Alex Webb

Esta línea o escuela  fotográfica fue dejando, con el tiempo una huella visual subliminal en mi propio desarrollo en la fotografía de calle.

Bilbao

Me estimularon tanto a explorar otro tipo de composiciones, a sentirme más a gusto con el uso del color y a sugerir  más que denotar que su influencia fue útil en mi trabajo. Pero principalmente me transmitieron la emoción por realizar una fotografía bien hecha y lo difícil que es lograrlo, y lo complicado que es transmitirlo.

Girona

  

Apelando a esa emoción con mayúsculas, fui armando un proyecto, aún en curso, llamado Colores Humanos en donde deseo reflejar toda esa conmoción visual que me provoca captar la vitalidad urbana en cualquier espacio público que recorra, apelando a perspectivas diferentes, a los claroscuros, a las enigmáticas sombras, a los reflejos inverosímiles, carteles, bodegones encontrados. Todo ello se descubre en compañía de la luz, el gran protagonista.

Sevilla

Por eso, cuando imparto un taller de fotografía de calle trato de transmitir todo ese sentimiento a los participantes y el que me transmitieron los maestros. Y no sólo para poder compartirlos, sino también para ejercitar la autocrítica, valorar la edición entre todos de una manera horizontal y constructiva y revalorizar aspectos intrínsecos de esta práctica fotográfica.

Todo ello suma, te otorga un plus cualitativo y así afrontar con emoción ese auténtico manantial de posibilidades visuales que se abre al  fotógrafo atento al devenir de las calles.

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Obligado a ser espontáneo, mínimo e improvisador

Siempre comparé a una buena fotografía de calle con la emoción capturada de un poema atemporal. O también lo encontré en la improvisada y espontánea alegría de un saxo alto (mi instrumento preferido) en una jam sesión.

© Saúl Leiter

Con el tiempo descubrí que menos es más; que sugerir es mejor que denotar; que con sólo un verso se puede transmitir esa emoción tantas veces perdida y encontrada; que un fraseo inspirado puede instalarse para siempre en nuestro corazón.

© Ernst Haas

Algo de todo ello pensaba el pianista Bill Evans que junto a Miles Davis, Cannonbal Adderley y Coltrane crearon una pieza sublime, minimalista del “jazz modal”. Me refiero a Kind of Blue (1959) cuyos temas fueron creados por uno o dos acordes que mantenían largos períodos de improvisación. Algo así es mi forma de entender la fotografía de calle.

© Ray Metzker

Con respecto a todo ello, deseo contarles una pequeña historia.

A finales del siglo XIV llegó a Japón desde China, de la mano de monjes budistas Zen, un tipo de pintura que los japoneses denominaron “suibokuga” que también era espontáneo y mínimo.

© Gonzalo Juanes

El artista “tiene que pintar en un pergamino delgado extendido con un pincel especial y pintura negra de acuarela, de tal manera que un brochazo forzado o interrumpido destruirá la línea o atravesará el pergamino. No son posibles los borrones ni los cambios. Estos artistas deben practicar una disciplina específica, la de permitir que la idea se exprese a sí misma en comunicación con sus manos de forma tan directa que no puede interferir la deliberación” señaló Evans a la revista Down Beat a fines de la década del ’50 del siglo pasado.

© Sergio Larraín

“Las pinturas resultantes – prosigue el pianista – carecen de la composición de la composición compleja y las texturas de la pintura convencional, pero se dice que aquellos que saben ver, encontrarán algo capturado que escapa a cualquier explicación. Esta convicción de que la acción directa es la reflexión más llena de significado, en mi opinión, ha inducido a la evolución de disciplinas extremadamente severas y especiales como son las del músico de jazz o improvisador”.

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Fiebre de color

Acaba de aparecer en los Estados Unidos Color Rush: AmericanColor from Stieglitz to Sherman que examina la historia de la fotografía americana  en color desde sus orígenes en 1907 con el autochrome, el primer proceso de color disponible hasta 1981.

1931 © Nickolas Muray 

La elección de 1981 para terminar el libro no fue una elección caprichosa. Tiene que ver con una exposición histórica que se realizó ese año en Nueva York:  The New Color Photography que, según Lisa Hostetler  (una de las autoras de Color Rush) consolidó el uso del color en la fotografía documental americana. También apareció un catálogo - libro.

© William Eggleston                                                © Nan Goldin

Durante las 288 páginas desfilan 200 fotografías de todas las épocas desde Alfred Stieglitz, Irving Penn, Walker Evans, Saúl Leiter hasta Sthepen Shore, Nan Goldin, William Eggleston o Cindy Sherman por citar algunos.

El libro, además, está lleno de anuncios, recortes de prensa, fotos de revistas de moda que sirven para contextualizar la evolución del color en los medios impresos.

No hay mucha prisa para Saul Leiter

Coincidiendo con la reivindicación del trabajo de Saúl Leiter que durante estos últimos años le han realizado galerías como la Howard Greenberg (Nueva York) representante de Leiter;  o como Steidl, la prestigiosa editorial alemana responsable del lanzamiento de algunos libros del autor; ahora llega  el documental que es  la frutilla del postre del gran fotógrafo americano.

In no great hurry: 13 lessons in life with Saul Leiter producido y dirigido por Tomas Leach, ha sido lanzado al mercado este año y acapara la atención de grandes medios de comunicación como Time o la BBC Four que a principios de abril emitió el film en su cadena.

Saúl Leiter durante una secuencia del documental

 También será estrenado el próximo 6 de junio durante el Copenhagen Foto Festival 2013. Y se esperan novedades sobre su  en otros festivales como en Rusia y otros países europeos.

La película dura 75 minutos y a continuación comparto con ustedes el trailer del documental. 

También puede echarle un vistazo a la página web del film que ofrece información detallada.
Hasta el viernes!