Cuando las abstracciones arman un mundo

Cuenta la leyenda que mientras Ernst Haas trabajaba en un peculiar film de imágenes abstractas para ser exhibido a través de dos proyectores, lo sorprendió la muerte en 1986. El fotógrafo austríaco sabía que ese trabajo era la gran culminación de su vida dedicada a la fotografía a color.

(c) Ernst Haas. NY 1952

(c) Ernst Haas. USA, 1970

Haas como otros fotógrafos coloristas de la misma generación (Leiter, Cornelius, Herzog, Erwin Fieger, entre otros) abrazó el expresionismo abstracto como una forma de percibir el entorno público. 

En ese contexto de cosas, Haas fue el que más brilló: fue el primer fotógrafo a color que expuso de forma individual en el MOMA en 1962;  y fue el primer fotógrafo colorista de Magnum,  en una época en donde el color en la fotografía documental no estaba formalizad0 visualmente.

(c) Ernst Haas. NY 1974

Steidl  en los últimos años reivindica la figura de este gran fotógrafo austríaco con la publicación de Color Correction (2011) y en especial: Abstrakt. En este último libro (que verá la luz en junio de este año) se podrá visualizar una colección importante de imágenes que iban a ser proyectadas en ese peculiar film de Haas que su muerte lo impidió.

Hasta pronto!

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Un fotógrafo de verticales y planos inesperados

A través de los talleres que el fotógrafo japonés Ikko Narahara realizó con Diane Arbus en 1970, empezó a comprender la nueva fotografía documental que se estaba gestando en Nueva York.  Se familiarizó con toda esa generación liderada por Arbus, Garry Winogrand, Lee Friedlander, Tod Papageorge, Joel Meyerowitz, Willliam Eggleston y otros. Y sus proyectos y su composición comenzaron a “occidentalizarse”. 

Utah 1972  (c) Ikko Narahara

Y Narahara con el tiempo se convirtió en un referente de la fotografía japonesa en Occidente. De hecho, John Szarkowski lo invitó a participar, en 1974 a la gran expo que se montó en el Museo de Arte Moderno sobre la Nueva Fotografía Japonesa. 

años '50 (c) Ikko Narahara

Sin embargo, hace poco, tomé contacto con la fotografía que realizaba Narahara en el Japón de posguerra y debo confesar que  me ha sorprendido mucho. 

Y no solo por la utilización de maravillosos planos inesperados, composiciones sugerentes, muchas verticales,  y uso de gran angular;

años '50 (c) Ikko Narahara

Narahara me sorprendió porque es improbable que tuviera influencias occidentales y que conociera a la Bauhaus, o a André Kertesz, o a los fotógrafos humanistas franceses.

años '50 (c) Ikko Narahara

Japón antes y después de la guerra estaba sumida en un gran aislamiento cultural y, además,  los nuevos fotógrafos, por razones económicas, no podían darse el lujo de viajar al extranjero y poder entrar en contacto con las grandes escuelas fotográficas.

años '50 (c) Ikko Narahara

Narahara al igual que Ihei Kimura fueron de los primeros en ir a Europa. Parte de todo ese trabajo de este gran fotógrafo japonés ( pre-viaje a Europa) se puede ver en Tokyo, the ‘50s publicado por Mole en 1998.

años '50 (c) Ikko Narahara

Hasta pronto!

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Un poco de historia sobre el color "serio"

Hoy voy a realizar un pequeño ejercicio de historia sobre el color contemporáneo, más que nada para no olvidarnos que algunos  trabajos pioneros fueron cruciales, desde mi punto de vista, para entender la evolución y las posteriores tendencias  de lo cromático en la fotografía documental.

Nos paramos por un rato en 1976 ( yo era muy pequeño aún) y el color estaba en todas partes, en cada portada de revista, en salas de cine y en las televisiones. Sin embargo, la fotografía era en blanco y negro.

La fotografía en color se veía obstaculizada por su asociación con el trabajo comercial y no era considerada un medio artístico apropiado.

Precisamente a partir de ese año, hubo un cambio, un punto de inflexión y eso ocurrió en los Estados Unidos con la edición de los primeros libros como William Eggleston’s Guide, el catálogo de su exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA). 

Publicado en 1979 

Y muy poco después le siguió Cape Light (1979) de Joel Meyerowitz. A partir de estos dos hitos, la fotografía “seria” en color aumentó exponencialmente.

En los ’80, me vienen a la cabeza algunos trabajos que son imprescindibles para ratificar esa evolución. En primer lugar, Uncommon Places de Stephen Shore (Aperture 1982)

tapa de la primera edición

Y el poderoso trabajo de Nan Goldin:  La Balada de la dependencia sexual publicado también por Aperture en 1985.

Y resumiendo un poco, en 1987 se publicó American Independents. Eighteen Color Photographers, un libro recopilatorio que ponía nombre y apellido a toda esa generación llamada American New Color a la que pertenecían Eggleston, Shore, Meyerowitz y muchos otros como Mitch Epstein o Joel Sternfeld. 

Con el tiempo, los medios impresos "serios" adoptaron el color. Pero eso ya es otra historia...

Hasta pronto

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Desde la ventanilla de un auto

England 1966 © Joel Meyerowitz

Entre los años 1966 y 1968 Joel Meyerowitz deambuló sin rumbo fijo junto a su novia por Europa en un auto alquilado. Desde su Volvo hizo más de 2000 fotografías (en blanco y negro y color) que conformaron un proyecto que tituló: Photographs from the car.  Finalmente 40 de ellas fueron seleccionadas para su primera exposición individual en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York en 1968.

 Grecia 1967 © Joel Meyerowitz

Muchos años después, Simon Baker, comisario de Fotografía del Tate Modern (Museo Nacional Británico de Arte Moderno) tomó el concepto de Meyerowitz para realizar una exposición para el Tokio Photo 2013 que uniera las fotos del fotógrafo americano con las de John Divola y Daido Moriyama.

John Divola, From 'Dog Chasing My Car in the Desert', 1996-98
© John Divola

Daido Moriyama, On The Road (Route 16), 1969

© Daido Moriyama

Paralelo a ello, ese mismo año, Adad Books publicó Pictures from moving cars. Una pequeña tirada de 300 ejemplares  que actualmente está agotada.

Con respecto al libro, los editores señalan que “fue hecho usando una combinación del movimiento de un coche y la capacidad de la cámara para congelar un momento en el tiempo, produciendo una imagen dentro del flujo de escenas que pasan”.

© Daido Moriyama

© John Divola

© Joel Meyerowitz

Los dejo con un video donde podrán apreciar las fotografías de este interesante libro:

Hasta el lunes!!



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Extraños que cobran

Para Phillip-Lorca diCorcia las imágenes ocupan un territorio ambiguo que merodea entre la realidad y la ficción. Una zona suspendida, intermedia que se ha convertido en un terreno fértil para muchos artistas y fotógrafos documentales.

DiCorcia lo entendió así cuando,  financiado por la beca que le otorgó la National Endowment for the Arts, deambuló entre 1990 y 1992 la zona caliente de Santa Mónica Boulevard de Los Angeles donde muchos jóvenes se prostituían.

© Phillip-Lorca diCorcia

El fotógrafo simplemente utilizó el dinero de la beca para hacerle una proposición a esos jóvenes (el proyecto inicialmente se llamó Extraños): pagar por la tarifa a cambio de una fotografía.

© Phillip-Lorca diCorcia

25 retratos de estos chavales ubicados en esas " zonas suspendidas” como tanto le gustan a diCorcia fueron exhibidas en el Museo de Arte Moderno  de Nueva York en 1993.
 Esa exposición para diCorcia fue el inicio de su consagración como uno de los más importantes fotógrafos de su generación.

© Phillip-Lorca diCorcia

Pero habían más retratos, en total unas 80 fotografías que finalmente saltaron a la luz en agosto de este año cuando Steidl publicó Hustlers.

"Los extraños" ahora reconvertidos en "hustlers" me recuerdan la soledad, la incomunicación y la introspección que me transmiten los cuadros de Edward Hopper. Una melancolía que llevada al contexto de Los Angeles es como un mal sueño de Holywood. Un gran trabajo documental que nos deja unas cuantos interrogantes sobre donde comienza la realidad y donde la ficción.

© Phillip-Lorca diCorcia

Hasta el viernes!!

Fiebre de color

Acaba de aparecer en los Estados Unidos Color Rush: AmericanColor from Stieglitz to Sherman que examina la historia de la fotografía americana  en color desde sus orígenes en 1907 con el autochrome, el primer proceso de color disponible hasta 1981.

1931 © Nickolas Muray 

La elección de 1981 para terminar el libro no fue una elección caprichosa. Tiene que ver con una exposición histórica que se realizó ese año en Nueva York:  The New Color Photography que, según Lisa Hostetler  (una de las autoras de Color Rush) consolidó el uso del color en la fotografía documental americana. También apareció un catálogo - libro.

© William Eggleston                                                © Nan Goldin

Durante las 288 páginas desfilan 200 fotografías de todas las épocas desde Alfred Stieglitz, Irving Penn, Walker Evans, Saúl Leiter hasta Sthepen Shore, Nan Goldin, William Eggleston o Cindy Sherman por citar algunos.

El libro, además, está lleno de anuncios, recortes de prensa, fotos de revistas de moda que sirven para contextualizar la evolución del color en los medios impresos.

Eggleston love Chromes

Como viene realizando la editorial Steidl en los últimos años con el lanzamiento de obras de clásicos fotógrafos “olvidados” como Ernst Haas, Saúl Leiter o Ray Metzker; ahora le toca el turno a William Eggleston y una obra magna: Chromes.

Publicada a fines del año pasado, Chromes es en realidad un pack con tres libros con un total de 364 imágenes seleccionadas de un catálogo de más de 5000 transparencias kodachrome del autor. 

© William Eggleston

© William Eggleston 

Allí, y a modo de cronológico paseo visual, Steidl nos invita a observar las fotografías de Eggleston desde sus primeros pasos profesionales en su Menphis natal.

© William Eggleston  

© William Eggleston  

Recordemos que Steidl ha publicado un par de años atrás, otro libro del gran maestro norteamericano:  Before Color que como bien dice su nombre, recoge lo mejor de los trabajos en blanco y negro de Eggleston. Antes de sumergirse totalmente en el color y dar vida a ese gran movimiento de los setenta del siglo pasado,  llamado New Color. Junto con Joel Meyerowitz, Joel Sternfeld, Sthepen Shore, entre otros, buscaban nuevas perspectivas cromáticas en el documentalismo de los Estados Unidos.

© William Eggleston  

Precisamente el libro apunta en gran medida a su época dorada, entre 1969 y 1974 cuando comenzó a experimentar con la composición y sus kodachrome.

© William Eggleston  

Eggleston fue uno de los primeros en desafiar la idea que las imágenes en color sólo estaban reservadas para la fotografía publicitaria y de moda. Por ello, su exposición en el MOMA de 1976 fue un punto de inflexión para el documentalismo colorista.

© William Eggleston  

© William Eggleston 

Esta ambiciosa nueva entrega desempolva de los archivos de transparencias de Eggleston, imágenes   que nunca antes habían visto la luz en ninguna publicación. 

© William Eggleston  

Recordemos que algo parecido pasó con la publicación de Color Correction de Ernst Haas (Steidl 2009) que también reunía mucho material inédito del fotógrafo austríaco.

Quizás el precio de este pack de Eggleston sera un poco prohibitivo, pero estuve viendo uno de sus libros  a través de un video y realmente vale la pena y ahorrar un poco para comprarlo. Es impactante todo lo que muestra este nuevo trabajo de Eggleston que actualmente tiene 72 años y sigue aún en plena faena fotográfica.

Un abrazo y hasta el viernes!!

Color Correction: un gran libro de poesía visual

“Corrección de color es un término utilizado en la impresión. Por lo que las pruebas con tinta se ajustan lo más cerca posible a la fotografía original. Sin embargo, los fotografos rara vez están satisfechos con las copias de sus trabajos. Por eso he optado por usar el término en sentido metafórico, para sugerir que se lo debemos a Ernst Hass, y a nuestra comprensión de la historia de la fotografía en color, para re-evaluar su importancia a la luz de estas imágenes maravillosas, mantenidas en secreto durante años”

Con estas palabras, Willliam Ewing, un prestigioso especialista y curador, da la bienvenida a esta nueva obra de Ernst Haas:  Color Correction que acaba de publicar este año, Steidl.

Nueva Orleans, USA 1960  © Ernst Haas

Al igual que con el legado de Garry Winogrand, el gran fotógrafo austríaco (fallecido en 1986) dejó una gran cantidad de imágenes que jamás vieron la luz y ahora tenemos la suerte de poder ver la punta de ese iceberg visual en Color Correction.

Pero para que ello ocurriera, Ewing (profesor y director del Museo del Elysée en Lausana – Suiza)  se pasó largas temporadas buscando, entre unas 200.000 fotografías de Haas en el archivo Getty, impulsado por la idea que el fotógrafo hubiera descartado en vida,  algunos trabajos con facilidad.

Nueva Orleans, USA, 1960 © Ernst Haas

Y no se equivocó. Allí en ese archivo habían muchas fotografías experimentales, con composiciones y perspectivas singulares que estaban a la altura de lo mejor del trabajo de Haas. Y el fruto de todo ello, se materializó en Color Correction y sus 186 imágenes de distintas épocas desde 1951 hasta 1984.

USA 1967

Pero hay más.

En el prólogo del libro, Ewing sorprende comentando que las fotos de Haas fueron consideradas a menudo como demasiadas comerciales y para la década de 1970, parte del mundo del arte ya no lo defendía.

“Su trabajo – continúa diciendo Ewing – también fue considerado como simplista, carente de las complejidades e ironías que marcaron el imaginario de los rivales más jóvenes de Haas; quienes también estaban ocupados forjando un nuevo lenguaje del color. Como resultado, la reputación de Haas sufrió en comparación con las grandes figuras de lo que llegó a ser conocido como “el nuevo color” en particular, William Eggleston, Joel Sternfeld, Stephen Shore y Joel Meyerowitz”

Cabe recordar que su exposición más conocida en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1962, fue la primera en desafiar el dominio de las fotografías en blanco y negro en el mundo del arte. Haas estaba en su apogeo y era el único miembro de Magnum que hacía color.

Ahora disfrutemos de algunas poesías visuales de este gran libro.

California, USA 1977 © Ernst Haas

New York, USA 1952 © Ernst Haas

Revolving Door, New York, USA 1957 © Ernst Haas

“Aburrido con la realidad obvia, encontré mi fascinación en la transformación de ésta en un punto de vista subjetivo. Sin tocar mi tema, quiero llegar al momento en que, a traves de la pura concentración de la observación, la imagen se vuelva más compuesta que tomada. Sin un título descriptivo para justificar su existencia, la fotografía hablará por sí misma – menos descriptiva, más creativa, menos informativa, más sugestiva – menos prosa, más poesía”

Ernsta Haas. “About Color Photography” en Du (Abril 1961, pág 44

New York, USA 1962 © Ernst Haas

USA 1962 © Ernst Haas

Western Skies Motel, Colorado, USA 1978 © Ernst Haas

Un gran saludo y hasta pronto!!