El espíritu de Hopper en Alex Prager

Fotograma del cortometraje Despair (2010) Alex Prager

Mezclando arquetipos de la América de posguerra o  películas clásicas de Hollywwod, la joven  fotógrafa y cineasta, Alex  Prager instala en sus films un espíritu hopperiano in crescendo: sugiere historias que están más allá de las escenas, sus personajes se mueven en la soledad de las grandes urbes y le gusta adaptar sus escenografías en lugares de tránsito o intermedios.

Su serie más ambiciosa,  Face in the crowd fue presentada en  Corcoran Gallery of Art (Washington) a principios de este año y fue todo un éxito.

De su serie Face in the Crowd

Face in the Crowd es un trabajo fotográfico en gran escala realizadas por la autora (junto con multimedias) de personas reunidas en espacios públicos congestionados de lugares de tránsito: aeropuertos, vestíbulos, la playa o una sala de cine. 

© Alex Prager

En el límite entre la ficción y la realidad,  entre lo público y lo privado,  las fotografías de Prager promulgan narrativas psicológicas, entre la interacción social; característica discursivas que transmiten muchas de las pinturas de Hopper.

Hasta el miércoles!!

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Meyerowitz sigue de fiesta

Grecia 1967 © Joel Meyerowitz

Desde hace dos años que Meyerowitz está festejando sus bodas de oro con la fotografía.

Y desde mañana, el NRW – Forum Düsseldorf abre sus puertas a una nueva versión de su retrospectiva que ya ha recorrido varias galerías y museos de varios países europeos y americanos.

Desde que Robert Frank le insistió que tenía que salir a caminar por Nueva York (su ciudad natal), con su cámara de 35 mm.; Meyerowitz no ha parado hasta el día de hoy y sigue dando pelea con sus más de 70 años.

Nueva York 1975 © Joel Meyerowitz

En consonancia con la importancia de este evento, el Forum Dùsseldorf también ha publicado un catálogo que pueden comprarlo en la web oficial del museo alemán.

Por último, los dejo con un video de la retrospectiva cuando se encontraba en Toulón (Francia).

Buen fin de semana!

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Susurros de color en Moholy-Nagy

A mediados del 2002, en el Art Institute of Chicago, acontecieron algunos hechos muy significantes para el mundo de la fotografía.

Los que tuvieron la suerte de visitar la exposición que se hacía allí  sobre el mítico Institute of Design;  pudieron apreciar, varias fotografías de Lászlo Moholy-Nagy de un trabajo,  hasta ese momento inédito,  del gran maestro de la Bauhaus alemana ( y fundador de la Escuela de Chicago en 1937).

Se trataba de algo nuevo e importante,  desconocido para el gran público: sus fotografías a color.

En sintonía con este gran descubrimento, Steidl publicó un catálogo: László Moholy-Nagy. Color in Transparency. Photographic Experiments in Color, 1934 –1946.

Y debo confesar que el libro es una auténtica maravilla por varias razones.

© László Moholy-Nagy 

Por un lado, demuestra fue uno de los primeros en usar las diapositivas 35 mm de Kodachrome antes que todos, incluyendo  los fotógrafos americanos de la Farm Security Administration que operaron con la mítica película a partir de 1936.

© László Moholy-Nagy 

 Y por otro lado,  exploró hasta el límite, junto a su Leica,  las cualidades tecnológicas de la película en función del color y en su relación con la luz. Y en las composiciones  le incorporó la dualidad del espacio y el tiempo.

© László Moholy-Nagy 

Esta dualidad se puede observar claramente en sus estudios de luces abstractas creadas a partir de largas exposiciones de luces de tráfico.

© László Moholy-Nagy 

La razón fundamental por la cual no conocíamos sus fotos, era que Moholy-Nagy consideraba que con el método de impresión de esa época (Dye Transfer Method) no podía plasmar en un papel todo el potencial que deseaba mostrar con sus audaces fotografías. 

© László Moholy-Nagy 

Llama la atención que, a pesar que esas imágenes nunca fueron vistas;  conceptualmente  preceden a gran parte de la fotografía contemporánea.  

© László Moholy-Nagy 

Hasta el viernes!!

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Escribir haikus con la fotografía

Algo de todo ello hacía  Yasuhiro Ishimoto que recurría a la economía de formas, líneas, sujetos para potenciar sus composiciones fotógraficas.

En el ocaso de su vida, este fotógrafo japonés ( que en su juventud supo brillar como uno de los alumnos sobresalientes de la Escuela de Chicago)  publicó en el 2007,  un inquietante libro realizado en una de las áreas más densamente pobladas de Tokyo,  famosa por sus centros comerciales, tecnología y vida nocturna: Shibuya, Shibuya.

Gentileza Japan Camera Hunter

Y digo inquietante porque Ishimoto capturó la esencia de este barrio a través de las espaldas de los peatones,  lo que obliga a repensar cosas: acciones, escenas que están fuera de la imagen y ese detalle me gusta mucho: sugerir más que mostrar.

Gentileza Japan Camera Hunter

Gentileza Japan Camera Hunter

Salvando las distancias y las perspectivas de composición, este trabajo de Ishimoto se acerca, e mi opinión,  al de Mark Cohen o de mi amigo y fotógrafo de Calle 35: Jordi Beltri en esa búsqueda casi obsesiva de insinuar sólo algunas partes de una persona; yendo de lo particular a lo general. 

© Yasuhiro Ishimoto

Un gran libro de casi 200 páginas que merece estar en cualquier biblioteca exigente de un fotógrafo de calle. 

Hasta el miércoles!!



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En las carreteras americanas

1978 © Anthony Friedkin

El mito de “viajar en coche por Estados Unidos” es el gran leit motiv destacado por la literatura, la música, el cine y,  por supuesto, la fotografía americana desde que los primeros Ford T irrumpieran por las nacientes carreteras yanquis.

1955 / 1956 © Robert Frank

Un mito que se traduce en el imaginario colectivo,  en la idea de un viaje iniciático, de búsqueda, de descubrir, del descubrirse a sí mismo;  ingredientes que se cuecen a fuego lento a través de los años y siempre está vigente. Aunque, en lo personal, bastante estereotipado de la identidad americana. 

1960 © Inge Morath

De todo ello, principalmente de todos los grandes fotógrafos que la recorrieron,  tomó nota el prestigioso escritor David Campany y materializó en un libro que acaba de publicar Aperture.

Me refiero a The Open Road: Photography and the American Roadtrip. Sus 336 páginas contienen unas 300 fotografías junto con varios ensayos sobre el tema.

Recordemos que, en breve, La Fábrica publicará una edición en castellano de este libro que se titulará: En la Carretera. 
Buen fin de semana!



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El fotógrafo de los espacios de tránsito en Madrid

Hoy se inaugura en Madrid la mayor retrospectiva realizada en España sobre el fotógrafo Stephen Shore. 

De la mano de la Fundación  Mapfre (que en el 2015 trae a Garry Winogrand), la expo promete mostrar muchos trabajos inéditos para el gran público. De hecho, según los organizadores, nunca han sido publicados.
La expo mostrará lo mejor de los más de 40 años de trabajo del fotógrafo americano. Y se articula en un recorrido cronológico con más de 300 fotografías. 

© Stephen Shore

Recordemos que esta exposición ha estado hace poco en Les Recontres d’Arles y también de Berlín, en el Centro Italiano per la Fotografía de Turín y en Huis Marseille en Amsterdam.

© Stephen Shore

En lo personal, las fotografías de Shore me empezaron a impresionar, especialmente las de principios de la década del ’70 del siglo pasado, cuando el fotógrafo documentaba todos esos espacios intermedios, de tránsito donde supuestamente no pasaba nada y justamente “esos espacios invisibles” resultaron atractivos  como estímulo para las nuevas generaciones de fotógrafos. Y, en especial, para algunos caminos de la fotografía de calle donde todo lo doméstico es memoria visual y digna de ser archivada. Ademas de ser un pionero en el uso del color en la fotografía documental americana. 

Los dejo con un video donde se explayan sobre esta memorable exposición que se avecina en Madrid.

Hasta el viernes!!

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Cuaderno de viaje de Afganistán

En el imaginario colectivo,  hablar de Afganistán en los últimas décadas es hablar sólo de guerra y más guerra. La mayoría de los fotógrafos apostados allí, nos han mostrado eso en su más descarnada realidad.

Pero siempre hay excepciones. Hace poco descubrí el trabajo sobre Afganistán realizado por Larry Towell. 

© Larry Towell

Durante tres largos años (2008 al 2011) el fotógrafo de Magnum vagabundeó por ese extraño país sin la presión de ningún encargo. Sólo fotografíar lo que le interesaba observar.

© Larry Towell

"Estoy buscando imágenes que cuenten una historia, obviamente, y cosas que sugieren algo que está pasando fuera de la trama como la poesía lo hace con el lenguaje" señala Towell quien aparte de ser fotógrafo, es poeta y músico.

© Larry Towell

Sus fotografías me transmiten algo más que una dura e interminable guerra. Me muestra los márgenes de todo ello que actúan como poderosas y profundas bisagras hacia la cotidaneidad del paisaje urbano.  Espacios invisibles y poco atractivos para los grandes medios pero que ayudan a entender que está pasando más allá de una bomba, de un atentado.

Este mes, Aperture publica el Afganistán de Larry Towell que contiene unas 350 fotografías junto con sus notas escritas a mano y una serie de collages de imágenes realizadas por el autor.

 Por último, los dejo con un video realizado por Towell

Hasta el miércoles!!

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Un secreto íntimamente condicionado

© Vivian Maier

Vivian Maier me hace acordar a esos grandes ídolos del rock que murieron muy jóvenes y vendieron más discos muertos que vivos.

El caso de Maier es más radical. No era joven cuando murió, tampoco era un ídolo de masas y no había publicado ningún libro. Pero da igual.

Desde que se descubrieron sus míticos negativos en unos muebles de una subasta, no han parado de salir libros de esta fotógrafa que como si se tratara de un Jimi Hendrix de la fotografía, se publican uno o dos libros por año.

En agosto pasado, City Files Press publicó Eye to Eye: Photographs by Vivian Maier  y recoge, según los editores, la parte más profunda de la fotógrafa – niñera. “Añade una nueva dimensión a su trabajo y se suma al misterio de cómo la fotógrafa podía ser tan íntima aunque sea sólo por un momento entre tanta gente”.

© Vivian Maier

Realmente es peculiar “el fenómeno Maier”. Por un lado, los editores de sus libros están lucrando con ella sin haber tenido nunca su permiso para publicar. Pero por otro lado, nosotros, los fans de sus fotografías, estamos observando ansiosos sus viajes fotográficos que van hacia el pasado como si se tratara de un nacimiento desde la vejez, desde la muerte. De esa manera, la fotógrafa nos lleva hacia un pasado existencial que nunca quiso mostrar. Y eso, de alguna manera, es una perversidad deseada.

© Vivian Maier

Pero más allá de mis "filosofías baratas" al respecto, me quedo con la opinión sugerente de Joel Meyerowitz que,  en una entrevista reciente,  comentó:  “al ver sus imágenes me da la sensación que mientras estaba fotografiando, se daba cuenta lo cerca que estaba  de la cara de alguien. Y eso dice mucho de ella. Podía entrar en el espacio íntimo de un desconocido y conseguir que esa persona sea ella misma”.

Hasta el viernes!!

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Un fotógrafo japonés en Chicago

Chicago © Yasuhiro Ishimoto

Empiezo la semana, con una nota sobre un fotógrafo japonés que, en la actualidad,  es un ilustre desconocido pero que supo ser en su tiempo,  uno de los fotógrafos más prometedores de la Escuela de Chicago. 

Chicago © Yasuhiro Ishimoto

Me refiero a Yasuhiro Ishimoto, que junto con Ray Metzker, fueron alumnos sobresalientes (en lo que respecta a fotografía de calle como subgénero documental) de la Escuela de Chicago a principios de los ’50 del siglo pasado.

Tapa de la primera edición en 1969

Testimonio de todo ello, Ishimoto publicó en 1969,  Chicago, Chicago (Bijutsu Shuppan-sha) que muestra su trabajo por las calles de su ciudad de adopción entre 1948 – 1962. Este libro ha sido considerado lo mejor de su obra por su audaz y personal tratamiento compositivo, contrastes, perspectivas y un claro dominio del escenario público.

Chicago © Yasuhiro Ishimoto

Chicago © Yasuhiro Ishimoto

Es importante remarcar que hubo una nueva reedición del libro a través de Japan Publications  en 1983  que añade nuevas fotografías realizadas años posteriores en una ciudad que volvía una y otra vez.

Reedición de 1983

Sabedor que los dos grandes amores de Ishimoto fueron Tokyo y por supuesto, Chicago;  la Yale Universtiy Press publicó en 1999 un gran libro en donde se puede visualizar todo el recorrido fotográfico de casi 50 años que el fotógrafo realizó en estas dos grandes ciudades.

A tale of two cities fue editado por el prestigioso comisario de fotografía Colin Westerbeck quien además trabaja en el Art Institute de Chicago en la actualidad.

Tokyo 1953 © Yasuhiro Ishimoto

Hoy en día,  en Japón, Ishimoto ha recibido un renovado reconocimiento cultural y lo consideran un gran pionero de la fotografía de su país.

Hasta el miércoles!

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La escuela expresionista de la fotografía urbana

Varios de los hacemos fotografía de calle o fotografía documental en la actualidad, le debemos y mucho a una de las escuelas más inspiradoras e influyentes de todas las épocas: el Instituto de Diseño (ID) de Chicago.

Su importancia es neurálgica desde mediados del siglo XX y estableció nuevos estándares para la exploración fotográfíca, creó tendencias en nuevas formas visuales, perspectivas y composición.

Conocida como la New Bauhaus, el ID albergó a grandes profesores como los fotógrafos Lászlo Moholy – Nagy, Harry Callahan o Aaron Siskind. 

En lo personal, Siskind   es un punto de inflexión en la evolución de algunos caminos más personales de la fotografía de calle muy ligados al expresionismo abstracto que vislumbró una fotografía  más abstracta de la urbanidad.

De todo ello habla Taken by Design: Photographs from the Institute of Design, 1937 – 1971.

Publicado en el 2012 por la University of Chicago Press, las 272 páginas de este libro no tienen desperdicios. 

Incluye más de 200 fotografías de unos 70 fotógrafos de la escuela y diferentes ensayos muy interesantes que hablan su evolución hasta que Siskind dejó la docencia en el instituto.

De todos los alumnos destacados de la escuela quiero destacar a Ray Metzker que, en la actualidad,  no es muy conocido, pero es justo decir que es un grande de la fotografía documental contemporánea.

La editorial Nelson Atkins le hace un homenaje publicando un libro retrospectivo sobre su obra en el 2012: The Photographs of Ray K. Metzker.

De Metzker he hablado repetidas veces a través de Miradas Cómplices al que en un post de febrero del 2012 titulé: El fotógrafo que sabía deconstruir.

Los Angeles, 1981© Ray Metzker

Un abrazo grande y buen fin de semana!

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Más de Eggleston y expo en París

Steidl viene publicando, durante estos últimos años, nuevos libros de William Eggleston a una velocidad pasmosa:  Chromes (2011), Before Color (2012), Los Alamos Revisited (2012) y AtZenith (2013).

Y llega el último. Para fines de octubre se anuncia From Black &White to Color que podría ser perfectamente una digna continuación de Before Color.

 Y,  además, su publicación coincide con la nueva exposición de Eggleston en la Fundación HenriCartier Bresson a partir del 8 de septiembre próximo.

© William Eggleston

Todo hace suponer que las 196 páginas de este nuevo libro será el catálogo de la expo en París.  Pero más allá de todo ello, la página editorial anuncia nuevas fotografías inéditas .

© William Eggleston

 Y afirma que el libro trata de argumentar, a través de sus fotografías, que la mirada del autor evoluciona independiente de la decisión cromática en su peculiar “ guerra contra la obviedad”.

Hasta el viernes!!

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Un japonés en Buenos Aires

El turista japonés siempre ha sentido una especial predilección por la ciudad de Buenos Aires.

De hecho, por citar un gran ejemplo,   los japoneses son los más fervientes fanáticos del tango, la música por antonomasia de Buenos Aires y ha creado escuela en Japón.

Tapa de la primera edición del 2005

De esa manera, hace unos años, el gran fotógrafo Daido Moriyama se internó por las “callecitas de Buenos Aires” en busca de ese alma tanguero, urbano que tanto gusta al visitante nipón. 
“Buenos Aires, hogar de mi corazón..su atmósfera me hace sentir una nostalgia que me remite a tiempos pasados” señala el fotógrafo.

Entre 2004 y 2005 realizó varios viajes fotográficos y, de esa manera, nació un excelente libro de casi 300 instantáneas que fue publicado por Kodansha.

La particular visión visual de Moriyama se nutre de la frenética vida de las calles, de los restaurantes, bares de barrios emblemáticos como La Boca o San Telmo. Moriyana se sumerge al mundo de los metros, sale mucho de noche ya que Buenos Aires “late mejor” en las horas diurnas. Un gran libro.
Esta lujosa primera edición del Buenos Aires de Moriyama tiene un precio bastante alto. Y es por ese motivo que al salir la primera reedición, Kodansha publicó un libro  más portátil, más de bolsillo,  de tapa blanda y obviamente más barato.

© Daido Moriyama

© Daido Moriyama

© Daido Moriyama

Edición de bolsillo del 2009

Por último, los dejo con un video que muestra la edición de bolsillo que fue reeditada en el 2011.

Video

Hasta el miércoles!!

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