El señor del color

Breve pero intensa exploración del color tuvo el pintor expresionista alemán August Macke conocido como “el señor del color”, una vida creativa truncada a los 27 años por los estertores de la primera guerra mundial.

(c) August Macke. Circo, 1913

Macke supo integrar en su pintura los aspectos que más le interesaron de las vanguardias  pictóricas del momento privilegiado que vivió (impresionismo, expresionismo, cubismo, fauvismo) y ese esfuerzo fructificó en un alto e intenso nivel creativo en pos del uso del color y la luz. 

(c) August Macke. 1913

Y creó un estilo propio constituido especialmente por inusuales figuras geométricas, entre una yuxtaposición coherente de colores primarios y secundarios en escenas extraídas de la vida cotidiana, en su mayoría,  en espacios públicos.

Macke intentó crear un gran impacto visual a través de la búsqueda intensa de las posibilidades emocionales que brinda el color y especialmente de los rojos y de su ubicuidad en la pintura.

(c) August Macke. 1914

Su lectura cromática, y su tendencia hacia lo abstracto fueron de gran influencia para la posteridad a pesar del poco tiempo que vivió. Un caso similar fue el pintor vibracionista uruguayo Rafael Barradas que también falleció muy joven y estaba imbuido de todas las vanguardias de ese momento para crear un estilo propio. Barradas fue una inicial influencia para Salvador Dali que lo conocía de sus visitas por la Barcelona de aquella época.

(c) August Macke. Túnez, 1914

Macke visitó Túnez en 1914 junto con sus amigos pintores Paul Klee y Louis Moillet en búsqueda de “un encuentro de lo latino con el mundo de Anibal y los Sarracenos”. Entre los tres, dejaron un legado artístico tan rico de su paso por allí que, según muchos historiadores del arte lo señalan, tuvo unas consecuencias extraordinarias para el desarrollo ulterior del color en la pintura y también de la fotografía…

(c) August Macke. Túnez, 1914

La historia es conocida: muerto Macke en 1914, siete años después (en 1921), uno de sus amigos de aventura tunecina, Klee fue invitado por Walter Gropius a ingresar a la Bauhaus y es bien sabido que desde entonces, el estudio del color comienza a ser una asignatura autónoma en el estudio del lenguaje visual dentro de la mítica escuela. Y también en la New Bauhaus precursora del uso del color en la fotografía en los años ’50 del siglo pasado. 

Nada es casual, todo es causal.

hasta pronto!!

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Siempre volvemos al rojo…

“Cuando veo una masa de color <rojo> se me ponen tiesas las orejas, sé que el éxito de cualquier fotografía que haga, independientemente del motivo sobre el que esté trabajando, va a depender de cómo utilice ese color en la construcción de la imagen”

Cristobal Hara

(c) Henri Matisse. La habitación roja, 1908

Todo comenzó,  de alguna manera,  con “La habitación roja” (1908) de Henri Matisse. Un cuadro completamente novedoso para la pintura moderna y que marcó un punto de inflexión en la concepción artística del siglo XX. En esta creación pictórica, el color subordina el tema y las formas. Y en donde los planos compositivos y la profundidad de campo están superditados por el color y en especial al rango cromático del rojo, un color especialmente perseguido por el pintor y  por todos los que nos gusta la fotografía a color.

(c) Lászlo Moholy - Nagy. Chicago, 1939. Publicada en Color in Transparency (Steidl, 2006)

El rojo también fue un actor protagonista en el Instituto de Diseño de Chicago (la New Bauhaus americana) liderada por László Moholy-Nagy quien introdujo en sus programas: “Luz y Color” (Light and color) como materia de estudio, independiente del resto.

László Moholy-Nagy, Do Not Disturb, 1945, color film with sound, 19 min (excerpt) from The Moholy-Nagy Foundation on Vimeo.

De aquellos experimentos visuales, salieron grandes alumnos entre los cuales destacarían en un futuro próximo: Aaron Siskind, Harry Callahan, Ray Metzker, Yasuhiro Ishimoto o Marvin Newman por citar los más conocidos.

(c) Marvin Newman. Broadway, NY, 1954

También el rojo cobró una vida superlativa a través de los films de Stanley Kubrick.

“Los muchos significados del rojo incluyen: muerte, sangre, peligro, ira, energía, guerra, fuerza, poder, determinación…pero también pasión, deseo, amor y sexo. Todos los temas prominentes en el trabajo de Kubrick. Pero lo más importante es que la naturaleza dualística del rojo juega en toda la obra del cineasta: sexo – violencia, nacimiento – muerte, guerra – paz, miedo y deseo “ señala el joven cineasta Rishi Kaneria, creador del audiovisual que a continuación comparto con todos vosotros.


Red: A Kubrick Supercut from Rishi Kaneria on Vimeo.

Hasta pronto!

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El caos y el orden en Pinkhassov

Hace poco me llegó a casa un pequeño libro: Une promenade à la Défense con fotografías de Gueorgui Pinkhassov. Un libro dificil de conseguir y bastante desconocido de su trabajo (creo que realizado por encargo editorial). Y que me parece bastante ilustrativo para hablar un poco,  en este post,  del fenómeno del caos  en las grandes ciudades contemporáneas visto por un fotógrafo.

(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992

Si Lee Friedlander me pareció el fotógrafo más modernista de su generación; Pinkhassov sería su alumno más aventajado. Su forma de observar, como es el caso de este trabajo realizado en la Défense de Paris, me parece un punto de inflexión en la forma de observar las ciudades e inauguró una gran tendencia en la fotografía de calle contemporánea.

(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992

Ya lo habían adelantado a principios de siglo Theo van Doesburg con su modelo de la contracomposición (las diagonales dominan el espectro de las ciudades) y luego la escuela de la New Bauhaus (con Harry Callahan, Aaron Siskind y Ray Metzker a la cabeza).

Sin embargo, Pinkhassov va un poco más allá ya que sus imágenes describen el desorden y la incertidumbre de una manera, digamos, más acorde a los tiempos que corren y, a su vez, cotidiana.

(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992

Las fotografías de este trabajo me transmiten la sensación que las formas del caos se corresponden al desorden, imprevisión, individualidad; pero también transitoriedad y fluidez de la vida cotidiana en un contexto de perfección, orden y control de la espera pública como es el caso de este barrio emblemático del Paris contemporáneo.

(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992

Un trabajo muy recomendable , con una composición invadida por diagonales y asimetrías, que explora otras lógicas de aproximación al fenómeno del caos de la arquitectura contemporánea.

Hasta pronto!

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Metzker y sus amigos

Aunque muchos fotógrafos de calle actuales desconozcan su trabajo; involuntariamente deben mucho a la huella compositiva de Ray Metzker.

La New Bauhaus (asentada en Chicago desde mediados del siglo pasado) se consolidó como un importante e influyente tanque de pensamiento fotográfico y los cimbronazos de sus alumnos más aventajados como Metzker crearon tendencias hasta el día de hoy.

de su libro Automagic 2009 (c) Ray Metzker

Observando su trabajo desde la perspectiva del tiempo, sus fotografías no pierden vigencia, siempre llaman la atención debido a su atrevimiento de ir siempre un paso adelante en la forma de componer:

planos inesperados; 

Franffurt 1961 (c) Ray Metzker

atomización de siluetas en los claroscuros de los espacios públicos; 

Chicago 1982  (c) Ray Metzker

múltiple uso de diagonales que otorgan un vital dinamismo a las composiciones;

Atlantic City 1966 (c) Ray Metzker

fuerte abstracción en el juego formal de una imagen; 

Philadelphia 1963 (c) Ray Metzker

“Con luces y sombres llevadas a sus extremos y una combinación innovadora de elementos, sus fotografías crean una elegante coreografía de la interacción humana con los entornos urbanos” señala Virgina Heckert, especialista del Museo Paul Getty de los Angeles en fotografía estadounidense del siglo XX.

(c) Ray Metzker

Su influencia es recurrente en el panorama fotográfico actual. Podría nombrar muchísimos autores entre los que me incluyo. Y esto lo digo como algo positivo, constructivo porque su influencia deja como legado: el estímulo por buscar algo más, no quedarse en la mera repetición en el componer. Allí surge “la identidad de Metzker”:  la exploración de la fotografía en sí misma, algo tan importante como la narración visual a través del contar una historia.

de su proyecto Metaphysics of the Urban Landscape (c) Gabriele Croppi

Un relevante heredero actual de Metzker es el fotógrafo italiano Gabriele Croppi.

Por eso me gustaría compartir con ustedes un video (que me hizo conocer hace un tiempo la fotógrafa Leire Etxazarra) en el cual innova la “identidad de Metzker” a través de la fotografía en movimiento.

Gabriele Croppi, NEW YORK, Metaphysics of the Urban Landscape from Gabriele Croppi on Vimeo.

También me gustaría señalar a  Clarissa Bonet a través de su proyecto City Space.
El trabajo de esta joven fotógrafa me parece interesante de mencionar porque le agrega uso de colores mínimos con una fuerte tendencia hacia el blanco y negro como en la siguiente foto.

Chicago (c) Clarissa Bonet

Hasta pronto!


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Susurros de color en Moholy-Nagy

A mediados del 2002, en el Art Institute of Chicago, acontecieron algunos hechos muy significantes para el mundo de la fotografía.

Los que tuvieron la suerte de visitar la exposición que se hacía allí  sobre el mítico Institute of Design;  pudieron apreciar, varias fotografías de Lászlo Moholy-Nagy de un trabajo,  hasta ese momento inédito,  del gran maestro de la Bauhaus alemana ( y fundador de la Escuela de Chicago en 1937).

Se trataba de algo nuevo e importante,  desconocido para el gran público: sus fotografías a color.

En sintonía con este gran descubrimento, Steidl publicó un catálogo: László Moholy-Nagy. Color in Transparency. Photographic Experiments in Color, 1934 –1946.

Y debo confesar que el libro es una auténtica maravilla por varias razones.

© László Moholy-Nagy 

Por un lado, demuestra fue uno de los primeros en usar las diapositivas 35 mm de Kodachrome antes que todos, incluyendo  los fotógrafos americanos de la Farm Security Administration que operaron con la mítica película a partir de 1936.

© László Moholy-Nagy 

 Y por otro lado,  exploró hasta el límite, junto a su Leica,  las cualidades tecnológicas de la película en función del color y en su relación con la luz. Y en las composiciones  le incorporó la dualidad del espacio y el tiempo.

© László Moholy-Nagy 

Esta dualidad se puede observar claramente en sus estudios de luces abstractas creadas a partir de largas exposiciones de luces de tráfico.

© László Moholy-Nagy 

La razón fundamental por la cual no conocíamos sus fotos, era que Moholy-Nagy consideraba que con el método de impresión de esa época (Dye Transfer Method) no podía plasmar en un papel todo el potencial que deseaba mostrar con sus audaces fotografías. 

© László Moholy-Nagy 

Llama la atención que, a pesar que esas imágenes nunca fueron vistas;  conceptualmente  preceden a gran parte de la fotografía contemporánea.  

© László Moholy-Nagy 

Hasta el viernes!!

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La escuela expresionista de la fotografía urbana

Varios de los hacemos fotografía de calle o fotografía documental en la actualidad, le debemos y mucho a una de las escuelas más inspiradoras e influyentes de todas las épocas: el Instituto de Diseño (ID) de Chicago.

Su importancia es neurálgica desde mediados del siglo XX y estableció nuevos estándares para la exploración fotográfíca, creó tendencias en nuevas formas visuales, perspectivas y composición.

Conocida como la New Bauhaus, el ID albergó a grandes profesores como los fotógrafos Lászlo Moholy – Nagy, Harry Callahan o Aaron Siskind. 

En lo personal, Siskind   es un punto de inflexión en la evolución de algunos caminos más personales de la fotografía de calle muy ligados al expresionismo abstracto que vislumbró una fotografía  más abstracta de la urbanidad.

De todo ello habla Taken by Design: Photographs from the Institute of Design, 1937 – 1971.

Publicado en el 2012 por la University of Chicago Press, las 272 páginas de este libro no tienen desperdicios. 

Incluye más de 200 fotografías de unos 70 fotógrafos de la escuela y diferentes ensayos muy interesantes que hablan su evolución hasta que Siskind dejó la docencia en el instituto.

De todos los alumnos destacados de la escuela quiero destacar a Ray Metzker que, en la actualidad,  no es muy conocido, pero es justo decir que es un grande de la fotografía documental contemporánea.

La editorial Nelson Atkins le hace un homenaje publicando un libro retrospectivo sobre su obra en el 2012: The Photographs of Ray K. Metzker.

De Metzker he hablado repetidas veces a través de Miradas Cómplices al que en un post de febrero del 2012 titulé: El fotógrafo que sabía deconstruir.

Los Angeles, 1981© Ray Metzker

Un abrazo grande y buen fin de semana!

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Una ciudad y una fotógrafa cinematográfica

Chicago siempre ha sido una inspiración para street photographers de distintas épocas. Se me viene a la cabeza, Ray Metzker, Harry Callahan o Aaron Siskind quienes le dieron vida, entre otros grandes fotógrafos, al Instituto de Diseño conocido como la Nueva Bauhaus.

Por la ciudad también paseo durante mucho tiempo Vivian Maier junto con su inseparable Rolleiflex y hace muy poco , Alex Webb, atraído por su cosmopolitismo.

En la actualidad, una joven fotógrafa está realizando un gran trabajo street por las calles de esta ciudad que me llama mucho la atención. Se llama Clarissa Bonet.

Chicago © Clarissa Bonet

Sus fotografías parecen escenas cinematográficas. “Creo que hay poder en la vida cotidiana, especialmente en el espacio urbano – señala Bonet en una entrevista realizada por Future Shoot - la calle es como un escenario y hay pequeños dramas que se desarrollan constantemente”.

Chicago © Clarissa Bonet

“Muchos de ellos pasan desapercibidos, pero si te tomas un poco de tiempo, se pueden ver algunas cosas realmente conmovedoras” señala Bonet que en poco tiempo pasó de vivir en el apacible entorno marítimo de Florida a la imponente urbanidad de Chicago debido que ganó una beca para estudiar una maestría en fotografía en el Columbia College Chicago.

Chicago © Clarissa Bonet

Así nació uno de sus grandes proyectos actuales: Space City. 

AChicago © Clarissa Bonet

“ Estoy interesada en el espacio físico de la ciudad y su impacto emocional y psicológico en el cuerpo”.

Chicago © Clarissa Bonet

Para estos trabajos, Bonet ha encontrado inspiración en la obra de Rob Hay.

Óleo. 2010 © Rob Hay

“Estoy realmente fascinada con su trabajo sobre peatones aislados y sacados de su medio ambiente y los lugares” señala la joven fotógrafa.

Chicago © Clarissa Bonet

Un abrazo grande y hasta el viernes.