Siempre volvemos al rojo…

“Cuando veo una masa de color <rojo> se me ponen tiesas las orejas, sé que el éxito de cualquier fotografía que haga, independientemente del motivo sobre el que esté trabajando, va a depender de cómo utilice ese color en la construcción de la imagen”

Cristobal Hara

(c) Henri Matisse. La habitación roja, 1908

Todo comenzó,  de alguna manera,  con “La habitación roja” (1908) de Henri Matisse. Un cuadro completamente novedoso para la pintura moderna y que marcó un punto de inflexión en la concepción artística del siglo XX. En esta creación pictórica, el color subordina el tema y las formas. Y en donde los planos compositivos y la profundidad de campo están superditados por el color y en especial al rango cromático del rojo, un color especialmente perseguido por el pintor y  por todos los que nos gusta la fotografía a color.

(c) Lászlo Moholy - Nagy. Chicago, 1939. Publicada en Color in Transparency (Steidl, 2006)

El rojo también fue un actor protagonista en el Instituto de Diseño de Chicago (la New Bauhaus americana) liderada por László Moholy-Nagy quien introdujo en sus programas: “Luz y Color” (Light and color) como materia de estudio, independiente del resto.

László Moholy-Nagy, Do Not Disturb, 1945, color film with sound, 19 min (excerpt) from The Moholy-Nagy Foundation on Vimeo.

De aquellos experimentos visuales, salieron grandes alumnos entre los cuales destacarían en un futuro próximo: Aaron Siskind, Harry Callahan, Ray Metzker, Yasuhiro Ishimoto o Marvin Newman por citar los más conocidos.

(c) Marvin Newman. Broadway, NY, 1954

También el rojo cobró una vida superlativa a través de los films de Stanley Kubrick.

“Los muchos significados del rojo incluyen: muerte, sangre, peligro, ira, energía, guerra, fuerza, poder, determinación…pero también pasión, deseo, amor y sexo. Todos los temas prominentes en el trabajo de Kubrick. Pero lo más importante es que la naturaleza dualística del rojo juega en toda la obra del cineasta: sexo – violencia, nacimiento – muerte, guerra – paz, miedo y deseo “ señala el joven cineasta Rishi Kaneria, creador del audiovisual que a continuación comparto con todos vosotros.


Red: A Kubrick Supercut from Rishi Kaneria on Vimeo.

Hasta pronto!

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El caos y el orden en Pinkhassov

Hace poco me llegó a casa un pequeño libro: Une promenade à la Défense con fotografías de Gueorgui Pinkhassov. Un libro dificil de conseguir y bastante desconocido de su trabajo (creo que realizado por encargo editorial). Y que me parece bastante ilustrativo para hablar un poco,  en este post,  del fenómeno del caos  en las grandes ciudades contemporáneas visto por un fotógrafo.

(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992

Si Lee Friedlander me pareció el fotógrafo más modernista de su generación; Pinkhassov sería su alumno más aventajado. Su forma de observar, como es el caso de este trabajo realizado en la Défense de Paris, me parece un punto de inflexión en la forma de observar las ciudades e inauguró una gran tendencia en la fotografía de calle contemporánea.

(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992

Ya lo habían adelantado a principios de siglo Theo van Doesburg con su modelo de la contracomposición (las diagonales dominan el espectro de las ciudades) y luego la escuela de la New Bauhaus (con Harry Callahan, Aaron Siskind y Ray Metzker a la cabeza).

Sin embargo, Pinkhassov va un poco más allá ya que sus imágenes describen el desorden y la incertidumbre de una manera, digamos, más acorde a los tiempos que corren y, a su vez, cotidiana.

(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992

Las fotografías de este trabajo me transmiten la sensación que las formas del caos se corresponden al desorden, imprevisión, individualidad; pero también transitoriedad y fluidez de la vida cotidiana en un contexto de perfección, orden y control de la espera pública como es el caso de este barrio emblemático del Paris contemporáneo.

(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992

Un trabajo muy recomendable , con una composición invadida por diagonales y asimetrías, que explora otras lógicas de aproximación al fenómeno del caos de la arquitectura contemporánea.

Hasta pronto!

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Perdidos en sus pensamientos

 “Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es porque no te has acercado lo suficiente” Robert Capa

La famosa frase atribuida a Capa recuerda, en mi opinión, cuál es el posicionamiento más adecuado que debes utilizar para recrear una imagen con tu cámara y así transmitir lo que deseas. Y allí, ya tenemos un problema. Ya que debemos resolver esa entelequia visual preguntándonos: ¿cómo deseamos representar una fotografía a través del rectángulo de la cámara?

Eso mismo se preguntó Harry Callahan a mediados de los ’60 del siglo pasado. Este maestro de la fotografía, educado en el corazón de la New Bauhaus de Chicago, necesitaba una renovación compositiva en sus fotografías de calle. De alguna manera, ese estímulo lo encontró, fascinado por la energía aleatoria que desprendían las fotografías urbanas de Garry Winogrand.

Sin embargo, Callahan se renovó totalmente cuando se encontró con el trabajo de Balthus, principalmente por la sensación de casualidad y aleatoriedad que transmitiía un cuadro en especial: The Street.

(c) Balthus. The Street, 1933

Le gustaba ese cuadro a Callahan porque no tenía interés en enfrentar “de cerca” a la gente en la calle.  Bastaba sentir en ellos una sensación de soledad parecida a la suya. Su interés por las personas "perdidas en sus pensamientos" provino de la apreciación de Callahan de la ciudad como un lugar de privacidad y ensueño. Y en eso estaba cuando se encontró con ese cuadro de Balthus que dio con la tecla.

(c) Harry Callahan. Providence, 1968

Los peatones de Balthus comparten con la proximidad física, la distancia emocional y la auto absorción individual de Callahan. El orden clásico subyacente de la pintura de Balthus también es paralelo a la búsqueda de Callahan de la estructura geométrica en el flujo de la aleatoriedad y el desorden.

(c) Harry Callahan. Portugal, 1982

La desconfianza de Callahan hacia el sentimiento y la anécdota significaba que sus imágenes serían historias frescas y no dramáticas del devenir constante de la ciudad. Técnicamente comenzó a usar, con más asiduidad,  gran angulares con distancias focales más cortas (de 28 a 24 mm.) y ello le ayudó a “dar un paso atrás” para lograr esa atmósfera urbana como suspendida en el tiempo.

(c) Harry Callahan. Egypto, 1978

  

Lo de Callahan es ejemplificador porque hay que intentar renovarse constantemente en la composición, hay que tener la mente siempre abierta a otras disciplinas artísticas y, principalmente hay que saber elegir la distancia idónea de proximidad a la escena y así reflejar lo que cada uno tiene adentro. Y no hablo sólo de fotografías, hablo de narraciones visuales encaminadas al proyecto.

En ese sentido, la frase de Capa cobra sentido.

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Cortar o no cortar, esa es la cuestión

Aunque, hoy en día, es normal diseccionar formas familiares en los bordes de las imágenes, muchos entusiastas de la fotografía urbana  aún se preguntan en mis talleres si está bien o no cortar brazos, cabezas o pies.

(c) David Alan Harvey. La Habana, años '90 del siglo pasado

Y yo les respondo que sí, que experimenten ya que, según como se manejen las formas en los bordes de una imagen,  definen un contenido más sugerente.  Y así se crean fragmentos o formas desconocidas que nos cuesta reconocer al instante.  Y nos detenemos a observar e  imaginar que hay más allá de la propia fotografía.

(c) Harry Callahan Chicago 1950

Cortar formas familiares añade un plus de potencia visual a la escena y de ello sabían fotógrafos de la New Bauhaus como Harry Callahan o Yasuhiro Ishimoto que se atrevían, en los años ’50 del siglo pasado, con ese tipo de composición.

(c) Yasuhiro Ishimoto. Chicago 1959

Robert Frank también intentaba atreverse a buscar cortes,  en sus trabajos previos que fueron preparando su obra más determinante: The Americans.

(c) Robert Frank. Valencia 1952

Otro gran fotógrafo urbano como William Klein también mostró este camino en las calles de Nueva York.

(c) William Klein. Nueva York 1954

 Y Gonzalo Juanes, aquí en España,  hizo eco de esta influencia cuando se atrevió a realizar este tipo de composición en su famosa serie de Serrano en la Madrid de los años ’60.

(c) Gonzalo Juanes. Madrid 1965

Y posteriormente Cristobal Hara exploró este tema aún más, llevando a límites insospechados y surreales a las escenas callejeras.

(c) Cristobal Hara. De su libro Vanitas, 1999

Además, esos cortes anuncian dinamismo, una característica tan propia de las atmósferas de un espacio público. “Cortar” es algo que siempre debemos tener en cuenta como una variante rica y útil a la hora de salir a la calle.  Reflexionar sobre ello,  en la previa, nos dará mucha imaginación.

(c) Marcelo Caballero. La Habana, 2016

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Bonnard y sus amigos fotógrafos

Así como el Quattrocento abrió el camino de la simetría y la profundidad de campo; y la contracomposición de Theo Van Doesburg reflexiona sobre el uso de diagonales para dinamizar espacios y colores; la aportación de Pierre Bonnard resultó un campo fértil para fotógrafos preocupados por ciertos aspectos formales de la composición.

© Pierre Bonnard

La pintura de Bonnard fue una fuente de inspiración para Harry Gruyaert. 

© Pierre Bonnard

© Pierre Bonnard

Le sorprendió como cortaba a sus personajes. Y como ordenaba los espacios a través del color.

© Harry Gruyaert

© Pierre Bonnard

Bonnard utilizaba tonos cálidos para los fondos y fríos para los elementos en primer plano, de esa manera alteraba la percepción de las distancias, le ofrecía profundidad de campo.

© Pierre Bonnard

 A Gruyaert también le gustó cómo el pintor francés aislaba a los personajes que no miran al espectador y dan la sensación de estar en varias realidades al mismo tiempo.

© Harry Gruyaert

A Harry Callahan también le fascinó ese aspecto de incomunicación, aislamiento e irrealidad que transmitían algunos cuadros de Bonnard y esa característica formal la utilizó mucho al fotografíar a su querida esposa durante 15 años.

© Harry Callahan

Al fotógrafo americano también le interesó como se mueve en el mundo cotidiano o en su vida familiar, temas con los que expresa ternura, erotismo y también incomunicación.

© Pierre Bonnard

En otro orden de cosas, Callahan  siempre se sintió atraído por la naturalidad que transmiten sus cuadros. 

© Pierre Bonnard

Marruecos 1981 © Harry Callahan

“ Bonnard parece acercarse a los objetos casi con timidez – señala Callahan en el prefacio del libro New Color (1988) – La composición da la impresión de total libertad y naturalidad exquisita”.

El año pasado, Steidl publicó un libro catálogo que explora las afinidades estéticas ligadas al mundo natural de Lee Friedlander y Bonnard.

página del libro de Friedlander y Bonnard

A los dos les une su “estilo poco convencional y auténtico que genera paisajes sin adornos, dejando al espectador la impresión de que han visto estas cosas con sus propios ojos" señala Steidl.

página del libro de Friedlander y Bonnard

 Hasta pronto!

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Fondos etéreos

El fondo no es la parte más importante de la escena pero la condiciona, solía decir Cristobal Hara. Y la ausencia de ella, también. 

Esta forma creativa de composición constituye toda una escuela en la fotografía urbana contemporánea.

De alguna manera, este recurso compositivo  comenzó a tomar forma a través de los trabajos de varios fotógrafos - alumnos del ITT Institute of Design (popularmente conocida como la New Bauhaus o Escuela de Chicago) que bajo la tutela de Aaron Siskind y Harry Callahan, revolucionaron el mundo de la fotografía americana,  a principios de los ’50 del siglo pasado.

 La utilización de grandes masas negras  que dejan como suspendidos ciertos  espacios de luz y sujetos fueron recursos compositivos utilizados  por fotógrafos como Marvin Newman.

1953 © Marvin Newman

1953 © Marvin Newman

1956 © Marvin Newman

O Ray Metzer, unos años más tarde.

1959 © Ray Metzker

1961 © Ray Metzker

O Thomas Porett, ya en la década del ’60.

de su libro Circus '66.. Chicago 1966 © Thomas Porett

Los fondos etéreos ayudan a privilegiar un protagonismo exagerado de los sujetos y también crean ciertas atmósferas surrealistas que tanto gustan a los fotógrafos urbanos de la actualidad principalmente a los que viven en países mediterráneos caracterizada por una luz intensa, de fuertes contrastes. Algo que gente como Caravaggio o Velázquez reflejaron muy bien en sus pinturas renacentistas y le pusieron nombre y apellido a este tipo tan peculiar de luz y a una región de Europa,  tan especial.

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Otra realidad fotográfica

Sin dudas, Aaron Siskind es uno de los padres de la introducción del expresionismo abstracto en la fotografía documental. E influyó,  en forma decisiva,  en la evolución de algunos caminos de la fotografía contemporánea  y en la necesidad de comprender, a partir de la abstracción, el simbolismo del entorno urbano. 

Con ese argumento, la Universidad de Texas publicó a fines del año pasado un importante trabajo retrospectivo de Siskind que bien vale la pena curiosear no sólo por el valor histórico; sino también por el caudal fotográfico, en muchos casos, con  imágenes poco conocidas realizadas por el autor.

Aaron Siskind: Another Photographic Reality es un libro que incluye 150 fotografías y se divide en 4 grandes secciones. La primera, alude a su paso por el colectivo New York  Photo League. Luego, al grupo responsable del Documento de Harlem, un proyecto de colaboración entre varios fotógrafos que trataban de documentar la realidad social de este emblemático barrio neoyorquino.

Y las dos últimas secciones se remite al trabajo más abstracto,  a partir de los '50 del siglo pasado,  en donde se alejó de la práctica documental social tradicional. 

© Aaron Siskind

Siskind comenzó a explorar la forma en como poder transformar las marcas de las paredes en poesía de luz. Transformar lo real en algo extraordinario.

© Aaron Siskind

Trabajaba desde lo particular para mostrar lo general. 

© Aaron Siskind

© Aaron Siskind

Paralelo a ello, Siskind transmitia estos nuevos caminos de la fotografía documental como profesor del Instituto de Diseño de Chicago y junto con Harry Callahan marcó una época, durante esos años. De sus aulas salieron fotógrafos del nivel de Ray Metzker, Barbara Crane o Kenneth Josephson.

Los dejo con un video de 1981 en donde Siskind habla brevemente de su obra.

Hasta el viernes!

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Sueños en la fotografía

© Ray Metzker

No muchos saben, hoy en día,  que Ray Metzker fue uno de los fotógrafos más originales de mediados del siglo XX en el firmamento de la fotografía americana. Y tampoco, mucha gente sabe que fue una gran influencia en fotógrafos como Alex Webb.

Lo cierto es que Metzker fue un digno sucesor de la Escuela de Chicago  conocida como la Nueva Bauhaus que tenía como profesores a notables fotógrafos como Aaron Siskind o Harry Callahan, entre otros.

Entre sus tantos proyectos, realizó una serie fantástica entre finales de los ’70 y principios de los ’80 titulada: “Pictus Interruptus”.

© Ray Metzker

© Ray Metzker

La idea de esta serie era según sus palabras “realizar poemas visuales de la vida lo suficientemente creíbles como parecer real, pero lo suficientemente imaginaria como si fueran sueños”.

© Ray Metzker

© Ray Metzker

Para ello, trabajó con imágenes urbanas y la inserción de objetos en la visión de la cámara. Por ejemplo, utilizaba papeles en blanco, revistas o cartones plegados que como elementos desenfocados frente al objetivo,  ocultaban la mayor parte del encuadre;  sugiriendo sólo ciertos aspectos reconocibles de los espacios públicos,  ubicados siempre en la periferia del encuadre.

© Ray Metzker

De esa manera, logró un trabajo innovador y muy personal que puede servir como un buen ejemplo de estímulo para recrear otras realidades en la fotografía de calle contemporánea.

Por último los dejo con un video con varias de sus grandes fotografías callejeras con musica de otro callejero: Tom Waits.

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Una ciudad y una fotógrafa cinematográfica

Chicago siempre ha sido una inspiración para street photographers de distintas épocas. Se me viene a la cabeza, Ray Metzker, Harry Callahan o Aaron Siskind quienes le dieron vida, entre otros grandes fotógrafos, al Instituto de Diseño conocido como la Nueva Bauhaus.

Por la ciudad también paseo durante mucho tiempo Vivian Maier junto con su inseparable Rolleiflex y hace muy poco , Alex Webb, atraído por su cosmopolitismo.

En la actualidad, una joven fotógrafa está realizando un gran trabajo street por las calles de esta ciudad que me llama mucho la atención. Se llama Clarissa Bonet.

Chicago © Clarissa Bonet

Sus fotografías parecen escenas cinematográficas. “Creo que hay poder en la vida cotidiana, especialmente en el espacio urbano – señala Bonet en una entrevista realizada por Future Shoot - la calle es como un escenario y hay pequeños dramas que se desarrollan constantemente”.

Chicago © Clarissa Bonet

“Muchos de ellos pasan desapercibidos, pero si te tomas un poco de tiempo, se pueden ver algunas cosas realmente conmovedoras” señala Bonet que en poco tiempo pasó de vivir en el apacible entorno marítimo de Florida a la imponente urbanidad de Chicago debido que ganó una beca para estudiar una maestría en fotografía en el Columbia College Chicago.

Chicago © Clarissa Bonet

Así nació uno de sus grandes proyectos actuales: Space City. 

AChicago © Clarissa Bonet

“ Estoy interesada en el espacio físico de la ciudad y su impacto emocional y psicológico en el cuerpo”.

Chicago © Clarissa Bonet

Para estos trabajos, Bonet ha encontrado inspiración en la obra de Rob Hay.

Óleo. 2010 © Rob Hay

“Estoy realmente fascinada con su trabajo sobre peatones aislados y sacados de su medio ambiente y los lugares” señala la joven fotógrafa.

Chicago © Clarissa Bonet

Un abrazo grande y hasta el viernes.