Rincones, diagonales y asimetrías. Algunos apuntes

“Hay reglas sobre la percepción pero no sobre la fotografía” solía decir en sus talleres, el fotógrafo americano Jay Maisel. En ese sentido,  las siguientes opiniones personales vertidas en este post van en esa dirección. En otras palabras. las reglas sobre la percepción tienen que ver con resolver un problema visual.

(c) Nina Berman. Time Square, Nueva York

En ese contexto, hacer una foto en la calle (como la de Nina Berman) no es sólo intentar resolver un problema visual en poco tiempo; también requiere de mucha disciplina visual y sobretodo tener bien claro que cada uno de los rincones de la escena enmarcada en el rectángulo merecen especial interés y atención.

(c) Harry Gruyaert

Desde mi punto de vista, prestar interés a los rincones, ayuda a organizar diagonales de líneas o formas hacia varios puntos asimétricos de interés (rojos, globos y paraguas) como en esta fotografía de Harry Gruyaert que le otorgan una delicada fluidez y dinamismo a la escena como también naturalidad y aleatoriedad. A la vez que profundidad de campo.

(c) Jason Eskenazi

Los rincones, íntimamente ligados a los bordes o marcos del rectángulo, siempre sugieren “algo que está afuera” y esa sensación de exclusión voluntaria tiene su importancia; especialmente en no intentar dar todas las respuestas en la imagen. Todo lo contrario: hay que dejar interrogantes. Y ello tiene especial interés para mi.

(c) Burk Uzzle

“No es frecuente que se pueda recortar un tercio derecho o un tercio izquierdo de la imagen o incluso un 10 por ciento y no perder algo que es importante” señala otro gran fotógrafo americano como Burk Uzzle. Y francamente estoy de acuerdo: los rincones ayudan también a no recortar.

Hasta pronto!

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El color no es sólo una cuestión estética

En una oportunidad, cuando aún era un chaval, me encontré con la portada de un disco de Steely Dan que me llamó mucho la atención por lo surrealista que era y, por supuesto, por esos trazos de color rojo que me transmitían transgresión, ruptura. Algo de todo ello era, este fabuloso dúo de músicos de jazz rock,  a finales de los años ´70 del siglo pasado.

Disco que apareció por primera vez en 1978

El autor de esa obra casi pictórica no era otro que el fotógrafo Pete Turner, otro gran pionero del uso del color en la fotografía que, además de realizar “arte” en las tapas de los vinilos, publicaba sus imágenes, por ejemplo, en National Geographic.

Los ’70 fueron un punto de inflexión  para la irrupción del color en galerías, museos y edición de libros. En Europa, Harry Gruyaert, revolucionaba el purista mundo de la fotografía documental con su TV Shots. En USA, aparecía con fuerza, un grupo de fotógrafos (Joel Sternfeld, Sthepen Shore, Joel Meyerowitz, William Eggleston, Robert Walker, entre otros) agrupados bajo la denominación de New American Color Photography. Y Pete Turner se alió con Ernst Haas y Jay Maisel para crear The Space Gallery, en pleno corazón de Nueva York, y así promover la fotografía en color como una forma de arte.

(c) Pete Turner. Time Square, Nueva York, 1958

Al igual que Haas y Maisel, Turner exploró el uso del color hasta límites insospechados. En las décadas precedentes a los ’70, ideó maneras de manipular la tonalidad y saturación (a través de usos de filtros in situ) para crear una nueva dirección no sólo estética en el uso de colores primarios.

(c) Pete Turner. Texas 1974

“Nadie estaba usando fotos de color primario – señaló a la prestigiosa revista de fotografía PDN –Y la jirafa (realizada en 1964) es una combinación de magenta y rojo, una imagen muy poderosa que manipulaba el color mucho más allá de lo que pensaban los fotógrafos de color de esos momentos”. El Metropolitan Museum of Art adquirió esta fotografía en 1967. 

(c) Pete Turner. La Jirafa, 1964

Desde un principio, Turner tenía claro que el color no iba a ser usado sólo como algo únicamente estético. “Tiene que haber algo más  que color – señalaba a Nikon – tiene que haber contenido, pero el contenido es a menudo difícil de encontrar cuando se trabaja con colores altamente gráficos y diseño audaz”

“El color puede conducirte por un montón de caminos difíciles y puede estropear las composiciones porque tu ojo se desdibujará en el área de color como un imán, y eso no es bueno para la composición”.

(c) Pete Turner. Orange Wall and Wave, 2001 de su serie Walls of life

Hasta pronto!

Nota: Esta nota es mi pequeño homenaje a Turner que, hace unos días, con 83 años nos dejó un poco más solos en este mundo. 

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Algunas opiniones (en voz baja) del color. Parte 3

El color de por sí, siempre reivindica una atención visual especial. Y la acertada combinación de colores,  ofrece una variante inagotable de recursos visuales a la composición.

@Georgui Pinkhassov. Casablanca

En ese contexto, saber incluir (o encontrar en los espacios públicos) combinaciones desacostumbradas de dos colores, producen fragmentaciones visuales punzantes entre el fondo y las figuras.

@Harry Gruyaert. Egipto

Sería algo así como deconstruir, a través de una imagen, “un reclamo al ojo” y en ese sentido, esa unión desacostumbrada, produce una música especial para “el oído” de la imagen.

@Carlos Prieto. Girona 2014

Un muro musical de colores expansivos que se friccionan entre sí y transmiten dinamismo y desasosiego y el resto fluye de manera natural.

@ Marcelo Caballero. Marrakech 2016

Josef Albers hablaba de “límites vibrantes” (Interacción del Color, Ed Alianza),  cuando se disponen de 2 colores contrastantes para producir un cierto efecto visual de vibraciones cromáticas.

@Franco Fontana

Hasta pronto!

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Bonnard y sus amigos fotógrafos

Así como el Quattrocento abrió el camino de la simetría y la profundidad de campo; y la contracomposición de Theo Van Doesburg reflexiona sobre el uso de diagonales para dinamizar espacios y colores; la aportación de Pierre Bonnard resultó un campo fértil para fotógrafos preocupados por ciertos aspectos formales de la composición.

© Pierre Bonnard

La pintura de Bonnard fue una fuente de inspiración para Harry Gruyaert. 

© Pierre Bonnard

© Pierre Bonnard

Le sorprendió como cortaba a sus personajes. Y como ordenaba los espacios a través del color.

© Harry Gruyaert

© Pierre Bonnard

Bonnard utilizaba tonos cálidos para los fondos y fríos para los elementos en primer plano, de esa manera alteraba la percepción de las distancias, le ofrecía profundidad de campo.

© Pierre Bonnard

 A Gruyaert también le gustó cómo el pintor francés aislaba a los personajes que no miran al espectador y dan la sensación de estar en varias realidades al mismo tiempo.

© Harry Gruyaert

A Harry Callahan también le fascinó ese aspecto de incomunicación, aislamiento e irrealidad que transmitían algunos cuadros de Bonnard y esa característica formal la utilizó mucho al fotografíar a su querida esposa durante 15 años.

© Harry Callahan

Al fotógrafo americano también le interesó como se mueve en el mundo cotidiano o en su vida familiar, temas con los que expresa ternura, erotismo y también incomunicación.

© Pierre Bonnard

En otro orden de cosas, Callahan  siempre se sintió atraído por la naturalidad que transmiten sus cuadros. 

© Pierre Bonnard

Marruecos 1981 © Harry Callahan

“ Bonnard parece acercarse a los objetos casi con timidez – señala Callahan en el prefacio del libro New Color (1988) – La composición da la impresión de total libertad y naturalidad exquisita”.

El año pasado, Steidl publicó un libro catálogo que explora las afinidades estéticas ligadas al mundo natural de Lee Friedlander y Bonnard.

página del libro de Friedlander y Bonnard

A los dos les une su “estilo poco convencional y auténtico que genera paisajes sin adornos, dejando al espectador la impresión de que han visto estas cosas con sus propios ojos" señala Steidl.

página del libro de Friedlander y Bonnard

 Hasta pronto!

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