Hay que intentar no repetirse

El fin de semana pasado, mientras buscaba infructuosamente por Internet alguna traducción al castellano de “The Complete Essays 1973-1991” de Luigi Ghirri publicado por Mack en inglés en el 2016, me encontré con un blog muy interesante cuyo autor, Antonio Pérez Río,  tradujo algunos textos de estos ensayos. Y realmente me hicieron reflexionar y mucho sobre el mundo de la fotografía contemporánea . Y hago especial hincapié sobre “la creatividad estereotipada” como bien señala este gran artista italiano.

A continuación, comparto algunos extractos sobre este tema que me parecen muy vigentes y que debemos repensar.

“Nunca he estado de acuerdo con la mayoría del mundo de la fotografía. Demasiado a menudo este mundo niega su propio potencial, tomando refugio en la originalidad del color, en la repetición obsesiva, en la repetición y clonación de estilos, en la categorización, en provocaciones formales.

Ciertos aspectos maníacos me parecen peligrosos: la fotografía como afasia de la visión, la antecámara de la desestetización de la mirada. La necesidad de ser original y creativo a toda costa, la búsqueda desesperada de lo nuevo y de una marca personal, en la creencia de que un artista puede ser reconocido por la edición visual que realiza el mundo externo. En lugar de intentar crear nuevos tempos y modalidades, la fotografía ha entrado en el rígido espacio de reproducción de la misma".

(c) Luigi Ghirri. Doble página del libro It’s beautiful Here,Isn’t It… (Mack, 2016)

"Desgraciadamente, en los últimos años he sido testigo de la colonización del concepto de creatividad en fotografía. Una creatividad estereotipada nos ha hecho olvidar los problemas fundamentales del trabajo del fotógrafo. Una especie de cortocircuito ha interrumpido el diálogo con la realidad, a favor de un monólogo entre espejos.”.

(c) Luigi Ghirri

Por otro lado, Guirri reflexiona sobre sus intereses fotográficos:

“Así que no estoy interesado en las imágenes y los “momentos decisivos”, el análisis del lenguaje en sí mismo, la estética, la idea o concepto que todo lo consume, la emoción del poeta, la cita sacrificada, la búsqueda de un nuevo credo estético, el uso de un estilo”.

“Mi deber es ver con claridad, y por eso estoy interesado en todas las funciones posibles, sin separación alguna de ellas, tomándolas en su conjunto, con el fin de poder, de vez en cuando, ver los jerogríficos que he encontrado y hacerlos reconocibles”.

Nota: textos extraídos del blog: Otra forma de mirar de Antonio Pérez Río

Hasta pronto!


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Imágenes que detienen el tiempo

Siempre que hablamos de pioneros de la fotografía documental a color, nos referimos al American New Color (Eggleston, Meyerowitz, Walker, Shore y otros). Y eso es faltar a toda la verdad. En ese sentido me gustaría hacer una honorable mención: Luigi Ghirri.

Poco conocido fuera de Italia y contemporáneo a estos ilustres fotógrafos americanos, Ghirri publicó en 1978: Kodachrome, un libro de referencia en la fotografía contemporánea.

(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

"Ghirri produjo fotografías en color en un momento en que las imágenes a color se asociaban en gran medida con los medios de comunicación: anuncios publicitarios, valles publicitarias, revistas y periódicos. Sus yuxtaposiciones a lo largo de Kodachrome provocan preguntas sobre cómo consumimos imágenes" señala Allie Haeusslein, directora de la prestigiosa galería Pier 24 Photography de San Francisco.

(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

Uno de los puntos que más me atrae a simple vista del libro es su estética de colores suaves, pasteles; alejada de los colores fuertes y saturados de sus contemporáneos americanos.

Luego, en una mirada más atenta, descubro gratamente que las fotografías de este trabajo están unidas sólo por cuestiones estrictamente visuales. El autor busca "rimas" de cada "verso / imagen" que unido a la estética, lo hacen claramente poético.

(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

Kodachrome te invita a verlo, una y otra vez, con tranquilidad y en donde siempre descubrís algo nuevo, una sugerencia nueva. En otras palabras, no cansa, no se agota en una sola ojeada.

Este trabajo tiene para mi, una cierta carga atemporal y hasta metafísica de los entornos cotidianos. Ghirri reconoció tener una gran influencia en pintores metafísicos como De Chirico y Morandi.

(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

"Las imágenes de Ghirri son tranquilas y misteriosas, un poco fuera de su alcance, como sus libros. Su constelación de temas favoritos es distinta: mapas, paisajes, ventanas, naturaleza muerta, interiores, niebla, el mar, los objetos en los estudios de los artistas, gente oscurecida de alguna manera. Y muchas imágenes que ponen a prueba la división entre el mundo y una imagen del mundo (murales, miniaturas, postales), a menudo con un brillo irónico. Sientes que en cada imagen hay más de lo que parece, pero la sensación permanece sin resolver" señala el critico de Lens,  Teju Cole.

hasta pronto!

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El caos y el orden en Pinkhassov

Hace poco me llegó a casa un pequeño libro: Une promenade à la Défense con fotografías de Gueorgui Pinkhassov. Un libro dificil de conseguir y bastante desconocido de su trabajo (creo que realizado por encargo editorial). Y que me parece bastante ilustrativo para hablar un poco,  en este post,  del fenómeno del caos  en las grandes ciudades contemporáneas visto por un fotógrafo.

(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992

Si Lee Friedlander me pareció el fotógrafo más modernista de su generación; Pinkhassov sería su alumno más aventajado. Su forma de observar, como es el caso de este trabajo realizado en la Défense de Paris, me parece un punto de inflexión en la forma de observar las ciudades e inauguró una gran tendencia en la fotografía de calle contemporánea.

(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992

Ya lo habían adelantado a principios de siglo Theo van Doesburg con su modelo de la contracomposición (las diagonales dominan el espectro de las ciudades) y luego la escuela de la New Bauhaus (con Harry Callahan, Aaron Siskind y Ray Metzker a la cabeza).

Sin embargo, Pinkhassov va un poco más allá ya que sus imágenes describen el desorden y la incertidumbre de una manera, digamos, más acorde a los tiempos que corren y, a su vez, cotidiana.

(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992

Las fotografías de este trabajo me transmiten la sensación que las formas del caos se corresponden al desorden, imprevisión, individualidad; pero también transitoriedad y fluidez de la vida cotidiana en un contexto de perfección, orden y control de la espera pública como es el caso de este barrio emblemático del Paris contemporáneo.

(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992

Un trabajo muy recomendable , con una composición invadida por diagonales y asimetrías, que explora otras lógicas de aproximación al fenómeno del caos de la arquitectura contemporánea.

Hasta pronto!

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Ser fotógrafo

 “Para ser fotógrafo hay que moverse. Las líneas maestras de nuestro recorrido son el cambio del punto de observación, trasladándose de un lugar a otro, la elección de un nuevo tema y el mantenimiento de nuestra propia arrogancia, que nos impulsa a creer que podemos observar de un modo diferente a los demás” señala Dennis Stock.

(c) Dennis Stock. Provence, France 1980

“Ser fotógrafo implica el placer de la mirada. - sugiere Marc Riboud -  Ver no es fácil; exige preparación e incluso cierto valor que no siempre se tiene. No obstante, hay momentos de gracia en los que la mirada, cuando se encuentra en las mejores condiciones, tiene el verdadero poder de <ver>”

(c) Marc Riboud. Beijing 1965

Por otro lado, para Alex Majoli “el fotógrafo es como un samurái que lleva a cabo gestos y movimientos rituales para desarrollar su técnica y su instinto. Caminar, esperar, escuchar…Caminar, como ejercicio de la mirada. Esperar, aunque se dude del resultado. Esperar, porque la espera forma parte de la determinación. La determinación, aplicada a la fotografía, hace crecer nuestro conocimiento de los sujetos observados y también de nosotros mismos” 

(c) Alex Majoli. Albania, 1997

“El papel del fotógrafo consiste en invadir la existencia de los otros, en utilizar a la gente. - comenta Richard Kalvar-  Un fotógrafo es un voyeur, y el voyeurismo ejercido sin el consentimiento ajeno es probablemente una forma de violencia. Para hacer bien su trabajo, un fotógrafo debe olvidar esta constante a fin de que la violencia de su gesto pierda importancia” .

(c) Richard Kalvar.

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Territorio e identidad nocturna

(c) Vincent Van Gogh. Arlés 1888

Vincent Van Gogh siempre se sintió atraído por las luces nocturnas. Intentó plasmar, de una manera magistral, con singular impresionismo las distintas temperaturas de color que ofrecía la noche. La agitación nocturna le ofrecía una caleidoscópica visión, muy propia de la creatividad del holandés; y nos descubrió una impresión como soñada de un espacio público rodeado de siluetas extrañas, reflejos bucólicos y lo más importante: profundidad de campo a través del juego vertiginoso de colores cálidos y fríos.

Esa esencia impresionista de Van Gogh no sólo resultó atractiva para muchos fotógrafos que encontraron la noche y el color a dos aliados contundentes de potencia visual. También estimuló a reflexionar sobre las historias que pasan en los espacios públicos que sólo ocurren cuando llega la noche y ese doble juego resultó muy tentador.

“Las luces cambian, caliente o fría, chocando bellamente en una combinación de temperaturas de color” sugiere Patrick Sachmann con respecto a su proyecto Un Jour, La Nuit. 

(c) Patrick Sachmann. Paris, 2005

“Esta serie también está influenciada por ideas de territorio e identidad: una identidad nocturna que se sitúa en la fugacidad, en la calidad fugaz del momento”.

Por otro lado, esa búsqueda de impresionismo nocturno le viene al dedillo a Gueorgui Pinkhassov para explorar la dramática historia de los indocumentados y refugiados ilegales que sobreviven en las afueras de Paris.

(c) Gueorgui Pinkhassov. Paris, 2016

Desde atrás de las ventanas de los autobuses, y con la noche como protagonista,  Carlos Prieto descubrió, a través de este proyecto,  una Barcelona muy diferente a la ciudad que todos estamos acostumbrados a ver, lejos de los estereotipos,  entre juegos de neones, peatones y colores.

(c) Carlos Prieto. Barcelona, 2017

Hasta pronto!

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El fotógrafo y su identidad fotográfica

“Yo no decido la lectura que hay que hacer de mis fotografías. Cuanto más ambigua es la foto, mejor es. De otro modo, sería propaganda” señala Leonard Freed.

(c) Leonard Freed. Amsterdam, 1964

“Me gusta evocar la idea de hilo conductor de estos lugares invisibles relacionando a los personajes entre sí y con su ambiente: gestos interrumpidos, roces, contactos….Todo eso me fascina. La realidad es mi partitura, y a partir de ella mi mirada improvisa” comenta Guy Le Querrec.

(c) Guy Le Querrec. Francia 1973

“En la relación que mantengo con la escritura – señala Patrick Zachmann – así como en la utilización que hago de los diferentes formatos fotográficos, existe un reconocimiento y una aceptación de los límites de la fotografía. Algunos fotógrafos se contentan con la propia fuerza de la fotografía. A mi esto no me basta. Deseo expresar cosas con las imágenes, pero también introducir lo que está fuera del campo focal, es decir, lo que no he sabido o no he podido fotografiar. La fotografía no lo dice todo”.

 (c) Patrick Sachmann. Budapest, 2004

“Un joven fotógrafo – dice Raymond Depardon – debe tener consciencia y valor para fotografiar su vida. Es una obligación muy dura porque lo acusarán de ocuparse sólo de si mismo, pero creo que, cuando de habla de uno, se habla también de nosotros”.

(c) Raymond Depardon. Glasgow, 1980

En este sentido, Paolo Pelegrini apunta que “hacer fotos consiste no sólo en ser testigo de una serie de hechos, sino también en filtrarlos a través de la experiencia personal. Suele interesarme más la fotografía <inacabada>: una imagen alusiva, capaz de provocar diálogos y conversaciones. Existen fotografías cerradas, acabadas, que nos prohíben hacer nuevos viajes”.

(c) Paolo Pelegrin. Ciudad Juarez 2011

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