Lo obvio desde otra perspectiva

Cuando el fotógrafo Luigi Ghirri impartía clases de fotografía en 1989 en la Universidad de Reggio Emilia, no lo hacía como un teórico erudito para un público elitista ansioso de intelectualidad y postfotografía; Guirri sólo intentaba transmitir a los estudiantes la sencillez y la frescura del hacer fotografías. Y eso no es poca cosa.

(c) Luigi Ghirri. Módena, 1972

De todo ello se desprende en un libro titulado: Lezioni de Fotografía (2009) que recopila lo que el fotógrafo italiano habló durante esas clases. Y no se remiten sólo a técnicas. Apunta a algo más valioso: de la disposición psicológica de quien mira a través del encuadre, de su sensibilidad para descubrir del entorno cotidiano. “Mi deseo siempre ha sido trabajar con la fotografía como una amplificación de posibilidades perceptivas y narrativas. Creo que aprendí del arte conceptual la posibilidad de partir de las cosas más simples, de lo obvio, para verlas de nuevo desde otra perspectiva” señala Guirri.

(c) Luigi Ghirri. Scandiano, 1971

"Hemos olvidado el enorme poder de revelación que cada uno de nuestros ojos pueden contener. Fotografiar es como mirar el mundo en un estado adolescente, renueva continuamente la maravilla de observar”.

(c) Luigi Ghirri. Lido di Spina 973

“Si el viaje es sinónimo de aventura, grande o pequeña, puedes enfrentar esta aventura dejando de lado las calles conocidas, los lugares comunes y buscando nuevos caminos visuales y nuevas estrategias de representación”.

(c) Luigi Ghirri. Capri 1981

Me gustaría recordales que entre el 25 de septiembre 2918 al el 7 de enero 2019 tendrá lugar,  en el Museo Reina Sofía en Madrid, una gran exposición de Ghirri titulada "El mapa y el territorio”. Y viene con catálogo.

Hasta pronto!

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Imágenes que detienen el tiempo

Siempre que hablamos de pioneros de la fotografía documental a color, nos referimos al American New Color (Eggleston, Meyerowitz, Walker, Shore y otros). Y eso es faltar a toda la verdad. En ese sentido me gustaría hacer una honorable mención: Luigi Ghirri.

Poco conocido fuera de Italia y contemporáneo a estos ilustres fotógrafos americanos, Ghirri publicó en 1978: Kodachrome, un libro de referencia en la fotografía contemporánea.

(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

"Ghirri produjo fotografías en color en un momento en que las imágenes a color se asociaban en gran medida con los medios de comunicación: anuncios publicitarios, valles publicitarias, revistas y periódicos. Sus yuxtaposiciones a lo largo de Kodachrome provocan preguntas sobre cómo consumimos imágenes" señala Allie Haeusslein, directora de la prestigiosa galería Pier 24 Photography de San Francisco.

(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

Uno de los puntos que más me atrae a simple vista del libro es su estética de colores suaves, pasteles; alejada de los colores fuertes y saturados de sus contemporáneos americanos.

Luego, en una mirada más atenta, descubro gratamente que las fotografías de este trabajo están unidas sólo por cuestiones estrictamente visuales. El autor busca "rimas" de cada "verso / imagen" que unido a la estética, lo hacen claramente poético.

(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

Kodachrome te invita a verlo, una y otra vez, con tranquilidad y en donde siempre descubrís algo nuevo, una sugerencia nueva. En otras palabras, no cansa, no se agota en una sola ojeada.

Este trabajo tiene para mi, una cierta carga atemporal y hasta metafísica de los entornos cotidianos. Ghirri reconoció tener una gran influencia en pintores metafísicos como De Chirico y Morandi.

(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

"Las imágenes de Ghirri son tranquilas y misteriosas, un poco fuera de su alcance, como sus libros. Su constelación de temas favoritos es distinta: mapas, paisajes, ventanas, naturaleza muerta, interiores, niebla, el mar, los objetos en los estudios de los artistas, gente oscurecida de alguna manera. Y muchas imágenes que ponen a prueba la división entre el mundo y una imagen del mundo (murales, miniaturas, postales), a menudo con un brillo irónico. Sientes que en cada imagen hay más de lo que parece, pero la sensación permanece sin resolver" señala el critico de Lens,  Teju Cole.

hasta pronto!

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Luces dramáticas

En fotografía, las luces dramáticas no tienen que explicarse como una tragedia o como una situación al filo de la muerte. El dramatismo en fotografía se traduce en un especial impacto visual donde la luz incide de una forma particular en el color y en la materia transmitiendo emociones encontradas.

Harry Gruyaert las llamaba “luces blancas” y "viven" principalmente en el Meditterráneo tanto europeo como africano. Esas luces dramáticas inciden en la vida cotidiana de su gente y en su geografía. Las luces dramáticas le brindan un pulso vital y peculiar a la región.

Sin embargo, no son fáciles de captar en su verdadera personalidad, tanto en fotografía como en la pintura. Algunos pintores como Caravaggio si lo lograron y consiguieron,  con gran destreza,  plasmar  esas “luces dramáticas” en sus lienzos para la posteridad.

La Vocación de San Mateo (1599 - 1600) Caravaggio.  

Cena de Emaús. 1601. Caravaggio

También Eugène Delacroix encontró esas luces en sus viajes por Marruecos y el sur de España en 1832, maravillándose con sus atmósferas lumínicas y con su color.

Boda judía en Marruecos. 1839. Delacroix

 “Cuando pinto un cuadro, no escribo un pensamiento” señaló el pintor después de su experiencia mediterránea .

Marruecos. Delacroix

Según él, lo que le provoca emoción en un lienzo era poder plasmar esos valores plásticos diferenciales: materia, luz, color.

Las luces dramáticas también las encuentro en muchas fotos de Bruno Barbey, en su querido país natal.

Marruecos © Bruno Barbey

Marruecos © Bruno Barbey

Marruecos © Bruno Barbey

Tánger © Bruno Barbey

O de Navia tras los pasos de Miguel de Cervantes por varios rincones del Meditterráneo.

Villar de Cantos. San Clemente, Cuenca © Navia

Barcelona © Navia

Las luces dramáticas expresan la identidad del Mediterráneo y su entorno. Y como señala el poeta catalán Joan Manuel Serrat en su emblemática canción Nací en el Mediterráneo: “ …yo, que en la piel tengo  el sabor /  amargo del llanto eterno / que han vertido en ti cien pueblos /  de Algeciras a Estambul / para que pintes de azul / sus largas noches de invierno. /  A fuerza de desventuras / tu alma es profunda y oscura. / A tus atardeceres rojos / se acostumbraron mis ojos / como el recodo al camino”.

Hasta pronto!

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Algunos apuntes de composición y triángulos

Todo esto de la composición en términos contemporáneos, de alguna manera, comenzó en el Renacimiento en un período muy creativo denominado: el Quatrocento.  Se sitúa a esta etapa generalmente en el siglo XV en Italia y los pintores de esa época hicieron una importante ruptura con respecto a la composición del Medioevo (plana y sin perspectiva) apoyándose en simetrías, puntos de fugas y figuras geométricas como el triángulo.

De alguna manera, este ordenamiento de geometrías triangulares constituye un acierto, ya que es una manera práctica de ordenar elementos, de ofrecer  profundidad de campo a las imágenes y crear un aparente dinamismo a las imágenes fijas. Pintores como Pietro Perugino, Masaccio, Raphael o Leonardo da Vinci hicieron escuela con ello. 

En otras palabras, esta forma de componer es la dominante hasta el día de hoy en la fotografía.

Veamos algunos ejemplos clásicos de cómo el ordenamiento triangular de objetos y figura le otorga un gran dinamismo y profundidad a la fotografía.

© Gueorgui Pinkhassov

© Gueorgui Pinkhassov

© Tony Ray Jones

© Tony Ray Jones

© Joel Meyerowitz

© Joel Meyerowitz

© Nikos Economopoulos

© Yasuhiro Ishimoto

© Yasuhiro Ishimoto

Hasta pronto!

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Presencias y ausencias

“..la fotografía no tiene que copiar lo que es visible, pero debe hacer visible lo invisible” Franco Fontana

  de su serie Presenzassenza © Franco Fontana

Cuando el fotógrafo italiano, Franco Fontana dió a conocer su serie Presenzassenza en 1982, creó un punto de inflexión en la fotografía a color europea.

de su serie Presenzassenza © Franco Fontana

Todo el manual del expresionismo abstracto americano y de la Escuela de Chicago está en este libro (actualmente inhallable) publicado por Selezione d’Immagine con prólogo de Giulana Scime.

de su serie Presenzassenza © Franco Fontana

En esta serie, Fontana lleva a la figura humana a la forma simbólica de  una presencia o,  una sombra de su realidad.

de su serie Presenzassenza © Franco Fontana

de su serie Presenzassenza © Franco Fontana

de su serie Presenzassenza © Franco Fontana

Para los que aún no conocen la obra de este ecléctico fotógrafo italiano, uno de los grandes de la fotografía contemporánea, se puede ver actualmente en Madrid,  en una expo organizada por Mondo Galería y estará abierta al público hasta el 4 de abril.
Hasta el miércoles!!














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El fotógrafo moderno: Paul Strand

Paul Strand se dio a conocer en 1916 en la mítica revista Camera Work dirigida por Alfred Stieglitz y su forma de hacer fotografía creó escuela en la fotografía documental americana y un punto de inflexión en la fotografía en general.

1917 © Paul Strand

Strand desempeñó un papel crucial en el establecimiento de la fotografía documental en su concepción moderna, tal como está establecida hoy en día.

En ese sentido, el Museo de Arte de Philadelphia inauguró el 21 de octubre pasado una gran retrospectiva sobre su obra titulada: Paul Strand– El maestro de la fotografía moderna.

También está en venta el catálogo de la expo y para ello les dejo el siguiente enlace.

Esta exposición incluye 250 de sus mejores fotografías y proyecciones de varios de sus films documentales.

Cabe recordar que sus convicciones personales lo llevaron al cine a principios de los ’20 del siglo pasado. Dirigió la cinta vanguardista Manhattan y fue nombrado director del Departamento de Fotografía y Cinematografía del Ministerio de Educación en México.

Entre otros datos,  residió en Moscú donde conoció a Serguei Eisenstein. 

También puso su técnica rigurosa al servicio de la fotografía directa (Straight photography: así se llamaba en esos tiempos a la fotografía de calle). Y huyendo de la <caza de brujas> promovida por el senador MacCarthy, se trasladó a Europa en 1950 donde realizó varios libros de fotografía sobre Italia y el sur de Francia.

La Familia. Luzzara, Italia 1953 © Paul Strand

Los dejo con un video en donde el fotoperiodista David Maialetti habla sobre las fotografías realizadas por Strand en Italia en 1953.





Hasta el miércoles!!

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The Pigs

El 20 de septiembre pasado, el fotógrafo de Magnum, Alec Soth dio a conocer en la Fundación Aperture de Nueva York,  los 10 libros seleccionados al premio al mejor libro de fotos del año que será anunciado durante el festival París Photo 2013 entre el 14 y 17 de noviembre en el Gran Palaiis en París.

Entre ellos, se encuentra The Pigs, del fotógrafo Carlos Spottorno. 

Portugal 2011 © Carlos Spottorno

España 2007 © Carlos Spottorno

Publicado por RM Verlag & Phree en julio del 2013 e impreso en Madrid; The Pigs, según palabras de Soth,” es un retrato devastador de la cultura meditterránea en su encrucijada”.

© Carlos Spottorno

En su web, Spottorno  cuenta que “Pigs es un término acuñado por la prensa económica y financiera como una manera de referirse a Portugal, Italia, Grecia y España durante su difícil situación financiera actual”. Luego esa etiqueta peyorativa fue utilizada por los medios de comunicación en general.

España 2012 © Carlos Spottorno

“He tratado de ilustrar los estereotipos . En otras palabras, lo que veríamos si fuéramos a traducir en imágenes los artículos que leemos en la prensa financiera. Así es como me imagino que los economistas nos ven” señala este fotógrafo ganador del Wordl Press Photo en el 2003.

Gracias 2012 © Carlos Spottorno

“El resultado es una colección de chichés, tanto verdaderas e incompletas. De la misma manera, una guía de viajes evita cuidadosamente cualquier cosa aparentemente poco atractivo, este libro muestra gran parte de lo que nosotros encontramos vergonzoso.”

Hasta el miércoles!!

Los italianos de Bruno Barbey

Existen libros de fotografías que por la fuerza vital que transmiten, enseñan lo más apreciado del acto fotográfico, lo más difícil de lograr con imágenes: emocionar. 

Pueden ser irregulares, pueden no ser compositivamente perfectas. Pero  si  transmiten emoción visual, ese libro tiene un plus cualitativo.

Algo de todo ello, posee Los Italianos de Bruno Barbey.

Realizado a mediados de los ’60 luego de un intenso viaje por Italia donde  Barbey se movió sin planes previos por ese país mediterráneo a la manera que lo hizo Robert Frank en Estados Unidos unos años antes, o como René Burri por las Alemanias aún divididas durante la guerra fría.

1964 © Bruno Barbey

Caltanisetta 1966 © Bruno Barbey 

Este libro de 122 páginas tardó en hacerse conocer debido a que Barbey pronto dejó el blanco y negro para centrar todo su trabajo en color y recién vió la luz en el 2002 gracias a la editorial francesa La Martinière.

© Bruno Barbey

Como comenté unos párrafos más arriba, el joven Barbey realizó ese  viaje sin planificación por la península itálica. Aún estaba en la búsqueda de su camino fotográfico y las fotografías del libro resultan frescas, muy personales y naturales. 

© Bruno Barbey

Por ese motivo,  resulta tan emocionante y es un verdadero ejemplo de cómo hacer buen street photography.

Milán 1966 © Bruno Barbey

Me da la sensación que Barbey viajó por Italia como si  se paseara por un gran teatro  del neorrealismo donde las personas eran actores y las obras de Rossellini, Fellini o Visconti,  sus musas inspiradoras. Así pudo captar el espíritu de una época de ese país.

“Fotografié por Italia por pura intuición, no estaba seguro y por ello fue un trabajo muy personal” admitió Barbey en una entrevista reciente.

Nápoles 1966 © Bruno Barbey

Además,  este proyecto sobre los Italianos fue la carta de presentación de Barbey para su posterior incorporación a Magnum que cristalizó con su maravilloso proyecto del Mayo francés del ’68.

Abrazo y hasta el viernes!!