La belleza de la banalidad

En el post publicado el pasado lunes , hablaba de la inspiración que grandes fotógrafos coloristas de los años ’50 como Ernst Haas, Saúl Leiter y otros, encontraron en el expresionismo abstracto. Y, de alguna manera, los polisémicos cromatismos de sus imágenes transformaron la cotidianeidad en escenas extraordinarias. Allí gestaron “una pequeña revolución” y crearon una tendencia muy fuerte, hasta el día de hoy, en la fotografía de calle contemporánea.

(c) Saúl Leiter

 De la misma manera, la generación de fotógrafos a color de los años ’’70,  liderados por la American New Color y principalmente por Harry Gruyaert,  sintieron una gran curiosidad por la estética que les brindaba el arte pop. De este modo, reaccionaron contra el lenguaje del expresionismo abstracto. “Otra pequeña revolución” con una fuerte tendencia en la actualidad.

(c) William Eggleston. 1971

“Descubrir el arte pop fue muy importante para mi. Era completamente nuevo, y me hizo mirar a la banalidad de una manera diferente, no diciendo <esto es de mal gusto>; pero, que hacer con ello,  aceptarlo y mirarlo con un sentido del humor” señala Gruyaert  en una nota publicada ayer por The Guardian.

(c) Harry Gruyaert

Hay algunas citas de Gruyaert en esta nota que no tienen desperdicios. En una, Gruyaert  “ataca”, por decirlo de alguna manera, a la larga tradición humanista francesa (Cartier Bresson y compañia) donde la gente es más importante que el entorno (también con una fuerte tendencia en la actualidad) para poder crear otro discurso visual con sus fotografías.

(c) Harry Gruyaert

 “La admiré, pero nunca estuve vinculado a ella”- señala el fotógrafo belga. "Yo estaba mucho más interesado en todos los elementos del entorno: la decoración, la luz, los coches. Los detalles son tan importantes como los seres humanos. Esa es una actitud totalmente diferente”.

(c) Harry Gruyaert

Hasta pronto!

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Fondos etéreos

El fondo no es la parte más importante de la escena pero la condiciona, solía decir Cristobal Hara. Y la ausencia de ella, también. 

Esta forma creativa de composición constituye toda una escuela en la fotografía urbana contemporánea.

De alguna manera, este recurso compositivo  comenzó a tomar forma a través de los trabajos de varios fotógrafos - alumnos del ITT Institute of Design (popularmente conocida como la New Bauhaus o Escuela de Chicago) que bajo la tutela de Aaron Siskind y Harry Callahan, revolucionaron el mundo de la fotografía americana,  a principios de los ’50 del siglo pasado.

 La utilización de grandes masas negras  que dejan como suspendidos ciertos  espacios de luz y sujetos fueron recursos compositivos utilizados  por fotógrafos como Marvin Newman.

1953 © Marvin Newman

1953 © Marvin Newman

1956 © Marvin Newman

O Ray Metzer, unos años más tarde.

1959 © Ray Metzker

1961 © Ray Metzker

O Thomas Porett, ya en la década del ’60.

de su libro Circus '66.. Chicago 1966 © Thomas Porett

Los fondos etéreos ayudan a privilegiar un protagonismo exagerado de los sujetos y también crean ciertas atmósferas surrealistas que tanto gustan a los fotógrafos urbanos de la actualidad principalmente a los que viven en países mediterráneos caracterizada por una luz intensa, de fuertes contrastes. Algo que gente como Caravaggio o Velázquez reflejaron muy bien en sus pinturas renacentistas y le pusieron nombre y apellido a este tipo tan peculiar de luz y a una región de Europa,  tan especial.

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Presencias y ausencias

“..la fotografía no tiene que copiar lo que es visible, pero debe hacer visible lo invisible” Franco Fontana

  de su serie Presenzassenza © Franco Fontana

Cuando el fotógrafo italiano, Franco Fontana dió a conocer su serie Presenzassenza en 1982, creó un punto de inflexión en la fotografía a color europea.

de su serie Presenzassenza © Franco Fontana

Todo el manual del expresionismo abstracto americano y de la Escuela de Chicago está en este libro (actualmente inhallable) publicado por Selezione d’Immagine con prólogo de Giulana Scime.

de su serie Presenzassenza © Franco Fontana

En esta serie, Fontana lleva a la figura humana a la forma simbólica de  una presencia o,  una sombra de su realidad.

de su serie Presenzassenza © Franco Fontana

de su serie Presenzassenza © Franco Fontana

de su serie Presenzassenza © Franco Fontana

Para los que aún no conocen la obra de este ecléctico fotógrafo italiano, uno de los grandes de la fotografía contemporánea, se puede ver actualmente en Madrid,  en una expo organizada por Mondo Galería y estará abierta al público hasta el 4 de abril.
Hasta el miércoles!!














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Un fotógrafo japonés en Chicago

Chicago © Yasuhiro Ishimoto

Empiezo la semana, con una nota sobre un fotógrafo japonés que, en la actualidad,  es un ilustre desconocido pero que supo ser en su tiempo,  uno de los fotógrafos más prometedores de la Escuela de Chicago. 

Chicago © Yasuhiro Ishimoto

Me refiero a Yasuhiro Ishimoto, que junto con Ray Metzker, fueron alumnos sobresalientes (en lo que respecta a fotografía de calle como subgénero documental) de la Escuela de Chicago a principios de los ’50 del siglo pasado.

Tapa de la primera edición en 1969

Testimonio de todo ello, Ishimoto publicó en 1969,  Chicago, Chicago (Bijutsu Shuppan-sha) que muestra su trabajo por las calles de su ciudad de adopción entre 1948 – 1962. Este libro ha sido considerado lo mejor de su obra por su audaz y personal tratamiento compositivo, contrastes, perspectivas y un claro dominio del escenario público.

Chicago © Yasuhiro Ishimoto

Chicago © Yasuhiro Ishimoto

Es importante remarcar que hubo una nueva reedición del libro a través de Japan Publications  en 1983  que añade nuevas fotografías realizadas años posteriores en una ciudad que volvía una y otra vez.

Reedición de 1983

Sabedor que los dos grandes amores de Ishimoto fueron Tokyo y por supuesto, Chicago;  la Yale Universtiy Press publicó en 1999 un gran libro en donde se puede visualizar todo el recorrido fotográfico de casi 50 años que el fotógrafo realizó en estas dos grandes ciudades.

A tale of two cities fue editado por el prestigioso comisario de fotografía Colin Westerbeck quien además trabaja en el Art Institute de Chicago en la actualidad.

Tokyo 1953 © Yasuhiro Ishimoto

Hoy en día,  en Japón, Ishimoto ha recibido un renovado reconocimiento cultural y lo consideran un gran pionero de la fotografía de su país.

Hasta el miércoles!

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La escuela expresionista de la fotografía urbana

Varios de los hacemos fotografía de calle o fotografía documental en la actualidad, le debemos y mucho a una de las escuelas más inspiradoras e influyentes de todas las épocas: el Instituto de Diseño (ID) de Chicago.

Su importancia es neurálgica desde mediados del siglo XX y estableció nuevos estándares para la exploración fotográfíca, creó tendencias en nuevas formas visuales, perspectivas y composición.

Conocida como la New Bauhaus, el ID albergó a grandes profesores como los fotógrafos Lászlo Moholy – Nagy, Harry Callahan o Aaron Siskind. 

En lo personal, Siskind   es un punto de inflexión en la evolución de algunos caminos más personales de la fotografía de calle muy ligados al expresionismo abstracto que vislumbró una fotografía  más abstracta de la urbanidad.

De todo ello habla Taken by Design: Photographs from the Institute of Design, 1937 – 1971.

Publicado en el 2012 por la University of Chicago Press, las 272 páginas de este libro no tienen desperdicios. 

Incluye más de 200 fotografías de unos 70 fotógrafos de la escuela y diferentes ensayos muy interesantes que hablan su evolución hasta que Siskind dejó la docencia en el instituto.

De todos los alumnos destacados de la escuela quiero destacar a Ray Metzker que, en la actualidad,  no es muy conocido, pero es justo decir que es un grande de la fotografía documental contemporánea.

La editorial Nelson Atkins le hace un homenaje publicando un libro retrospectivo sobre su obra en el 2012: The Photographs of Ray K. Metzker.

De Metzker he hablado repetidas veces a través de Miradas Cómplices al que en un post de febrero del 2012 titulé: El fotógrafo que sabía deconstruir.

Los Angeles, 1981© Ray Metzker

Un abrazo grande y buen fin de semana!

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Sueños en la fotografía

© Ray Metzker

No muchos saben, hoy en día,  que Ray Metzker fue uno de los fotógrafos más originales de mediados del siglo XX en el firmamento de la fotografía americana. Y tampoco, mucha gente sabe que fue una gran influencia en fotógrafos como Alex Webb.

Lo cierto es que Metzker fue un digno sucesor de la Escuela de Chicago  conocida como la Nueva Bauhaus que tenía como profesores a notables fotógrafos como Aaron Siskind o Harry Callahan, entre otros.

Entre sus tantos proyectos, realizó una serie fantástica entre finales de los ’70 y principios de los ’80 titulada: “Pictus Interruptus”.

© Ray Metzker

© Ray Metzker

La idea de esta serie era según sus palabras “realizar poemas visuales de la vida lo suficientemente creíbles como parecer real, pero lo suficientemente imaginaria como si fueran sueños”.

© Ray Metzker

© Ray Metzker

Para ello, trabajó con imágenes urbanas y la inserción de objetos en la visión de la cámara. Por ejemplo, utilizaba papeles en blanco, revistas o cartones plegados que como elementos desenfocados frente al objetivo,  ocultaban la mayor parte del encuadre;  sugiriendo sólo ciertos aspectos reconocibles de los espacios públicos,  ubicados siempre en la periferia del encuadre.

© Ray Metzker

De esa manera, logró un trabajo innovador y muy personal que puede servir como un buen ejemplo de estímulo para recrear otras realidades en la fotografía de calle contemporánea.

Por último los dejo con un video con varias de sus grandes fotografías callejeras con musica de otro callejero: Tom Waits.

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En un principio todo fue blanco y negro

Steidl ya está terminando la maquetación.

Gentileza Steidl

El nuevo libro de Saúl Leiter:Early Black and White, en breve, estará en venta.

Y así podremos visualizar lo mejor de sus primeros trabajos en más de 400 páginas.

1950 © Saúl Leiter

Co publicado junto con The Howard Greenberg Library, el libro es editado por una de las figuras más prominentes de la historia del arte desde la década de los ’60 del siglo pasado en adelante: Max Kozloff.

1950 © Saúl Leiter

Saúl Leiter (1923 - 2013)  era un perfecto desconocido hasta hace unos pocos años, a pesar de haber podido ser toda una celebridad en el mundo de la fotografía desde los años '50. Él mismo comentó en entrevistas recientes que siempre le gustó estar al costado del camino de todo ello.

1948 © Saúl Leiter

Su trabajo comenzó a revalorarizarse en los últimos tiempos y ahora, después de su fallecimiento, comienza a ser objeto de cuidadas ediciones como la que pronto publicará Steidl.

Hasta el miércoles!


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Una ciudad y una fotógrafa cinematográfica

Chicago siempre ha sido una inspiración para street photographers de distintas épocas. Se me viene a la cabeza, Ray Metzker, Harry Callahan o Aaron Siskind quienes le dieron vida, entre otros grandes fotógrafos, al Instituto de Diseño conocido como la Nueva Bauhaus.

Por la ciudad también paseo durante mucho tiempo Vivian Maier junto con su inseparable Rolleiflex y hace muy poco , Alex Webb, atraído por su cosmopolitismo.

En la actualidad, una joven fotógrafa está realizando un gran trabajo street por las calles de esta ciudad que me llama mucho la atención. Se llama Clarissa Bonet.

Chicago © Clarissa Bonet

Sus fotografías parecen escenas cinematográficas. “Creo que hay poder en la vida cotidiana, especialmente en el espacio urbano – señala Bonet en una entrevista realizada por Future Shoot - la calle es como un escenario y hay pequeños dramas que se desarrollan constantemente”.

Chicago © Clarissa Bonet

“Muchos de ellos pasan desapercibidos, pero si te tomas un poco de tiempo, se pueden ver algunas cosas realmente conmovedoras” señala Bonet que en poco tiempo pasó de vivir en el apacible entorno marítimo de Florida a la imponente urbanidad de Chicago debido que ganó una beca para estudiar una maestría en fotografía en el Columbia College Chicago.

Chicago © Clarissa Bonet

Así nació uno de sus grandes proyectos actuales: Space City. 

AChicago © Clarissa Bonet

“ Estoy interesada en el espacio físico de la ciudad y su impacto emocional y psicológico en el cuerpo”.

Chicago © Clarissa Bonet

Para estos trabajos, Bonet ha encontrado inspiración en la obra de Rob Hay.

Óleo. 2010 © Rob Hay

“Estoy realmente fascinada con su trabajo sobre peatones aislados y sacados de su medio ambiente y los lugares” señala la joven fotógrafa.

Chicago © Clarissa Bonet

Un abrazo grande y hasta el viernes.

Sueños de color de Erwin Fieger

El gran fotógrafo alemán Ernst Haas tuvo sus continuadores  en su país de origen a través de las convulsionadas décadas de los ’50 y ’60 del siglo pasado. 

Algunos, injustamente olvidados como es el caso de Peter Cornelius  (de quien hablé en el post anterior) o, en menor medida, de Erwin Fieger de quien hablaré hoy.

Erwin Fieger  comenzó a investigar el mundo de la fotografía a color a mediados de los ’50 con el uso de las películas negativas Agfa CN17 40 ASA y posteriormente con las Kodachrome 64 y  le fue dando a su trabajo un toque muy personal, llevando hasta el límite todas las bondades del cromatismo que le otorgaban dichas películas de 35 mm.

Con la publicación de Londres, ciudad de algún sueño (1965),  Fieger se consolidó como uno de los mayores exponentes de la corriente expresionista  muy ligada a la escuela deChicago (llamada también New Bauhaus en los cincuenta) con Aaron Siskind,  Harry Callahan o Ray Metzker a la cabeza, seguido por Haas y también por Saul Leiter.

London 1955  © Erwin Fieger

En este inicial trabajo se puede ya apreciar hasta que límites llevó el uso del color en las fotografías de calle londinenses.

London 1955  © Erwin Fieger

Desde la distancia temporal, se puede apreciar el valor de las 96 páginas de este libro. Captar Londres a color fue todo un acierto, en una  época que la ciudad comenzaba a estar de moda, en vísperas de la Copa del mundo y con toda la efervescencia pop y beatlemaníaca de sus calles y su gente.

London © Erwin Fieger

London © Erwin Fieger

Luego siguieron otros grandes trabajos como 13 Photo Ensayos (1969).

A través de sus 235 páginas, Fieger muestra en capítulos - ensayos, un recopilatorio de instantáneas a color de diferentes ciudades del mundo como Nueva York , Rio de Janeiro, Tokyo o París con su personal mirada.

Turquía © Erwin Fieger

La Toscana, Italia © Erwin Fieger

Nueva York  © Erwin Fieger

En 1973, publicó México.

México © Erwin Fieger

México © Erwin Fieger

Y en 1974 recibió la más importante distinción fotográfica que le puede otorgar su país: Premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.

Ganges (1990) podría decirse que es uno de los últimos trabajos importantes que publicó Fieger.

Benares, India © Erwin Fieger

 Buen fin de semana!!