Expresión del tiempo

En la larga andadura por los caminos de la fotografía, me fui encontrando con muchas “voces autorizadas” que pretenden imponer ciertos purismos y siempre los escucho hablar sobre que es lo correcto y que es lo incorrecto. Como si se tratara de matemáticas. Cuando para mi, todo ello depende de cómo se lo mire, de la intuición;  y después, en la edición: de cómo se encare un proyecto, del sintagma interno más idóneo para una narración visual. De esa manera, el contexto cambia, se dejan de lado las etiquetas y cobra valor absoluto la libertad de la fotografía y del creador visual en su deseo de expresar una visión particular de su entorno, de su gente, de su propio interior.

(c) Jose Manuel Navia.  Madrid, Calle de Toledo. De su libro Miguel de Cervantes o el deseo de vivir

En todo ello reflexionaba cuando veía algunas fotografías voluntariamente “desenfocadas” o “movidas” de Jose Manuel Navia en su libro Miguel de Cervantes o el deseo de vivir (2015). Lo mismo percibí en Salzillo. La vida en torno (2017).

(c) José Manuel Navia. Murcia, Museo Salzillo. Detalle del paso “Los azotes"

También me pasó lo mismo con las fotografías de Paradiso de Lorenzo Castore. Esas imágenes voluntariamente movidas o desenfocadas de su proyecto realizado en Cuba y en México me señalan una expresión única del tiempo transcurrido.

(c) Lorenzo Castore. de su libro Paradiso (2007)

Ese principio  de temporalidad único también las observo en las fotografías de Michael Ackerman: el instante en que se está produciendo o se producirá un movimiento. Y esa sensación de incertidumbre y también de transformación; le otorga a la escena una cualidad simbólica diferencial, y una estética diferente.

(c) Michael Ackerman

Hace unos días, descubrí Licht und zeit 2012 – 2013 un proyecto del artista catalán, Eduard Resbier. Me gustó muchísimo como utiliza en sus pinturas los desenfocados que nos aproxima a otra manera de captar la realidad. “Aproximándose a la imagen ya sea a partir de las fotografías, videos o de visiones imaginarias, mostrándonos como ha cambiado nuestra manera de contempolar el mundo debido a las tecnologías,  ya que sus obras tienen mucho que ver con la fotografía, la imagen digital y el mundo del cine” señalan los responsables de la Sala Parés de Barcelona donde el artista es colaborador permanente.

(c) Eduard Resbier

A propósito de todo ello, me gustaría compartir un video de Resbier titulado Nit (Noche)

Hasta pronto!



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Un mundo de apariencias extrañamente diferente

Mark Powell, uno de los miembros del colectivo de fotografía de calle In Public tiene motivos  suficientes para sentirse feliz por la acogida que ha tenido su último libro: Open at Noon.

El motivo principal es que este libro de Powell fue el ganador del 4º Concurso Fotolibro Iberoamericano.

Justamente hoy, en México, hacen la presentación del libro que contará con la presencia del autor, de Pablo Ortiz Monasterio y Ramón Reverté.

© Mark Powell

Publicado por la Editorial RM, Open at noon es un libro de 35 fotografías que según reza en la página de la editorial: “ nos invita a adentrarnos en un mundo de apariencias pero, al mismo tiempo, extrañamente diferente”.

© Mark Powell

Las fotografías, en su totalidad, fueron realizadas en América Latina. “No está claro, si la fotografía de Powell es resultado de posibilidades objetivas, fotografías de calle documentadas, colaboración provocativa o una conbinación de estas dos últimas” señala la editorial RM quienes,  entre otras cosas, son los editores autorizados de la obra de Juan Rulfo.

© Mark Powell

Y se dejan dos preguntas latentes a través del caracter dual del libro: “El acto de observar acaso cambia el origen y el significado de lo que observamos? O ¿acabo las escenas hubieran ocurrido de esta manera, si Powell no hubiera estado ahí?

© Mark Powell

Hasta el viernes!!


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Vámonos!

Emulando el road movie de Jack Kerouac, el fotógrafo francés Bernard Plossu realizó un extensa aventura bohemia y romántica con su cámara por todos los rincones de México en 4 viajes entre 1965 y 1981.

Más de 300 fotografías de esos vagabundeos por tierras mexicanas se podrán ver en un gran libro recopilatorio: ¡Vámonos! Bernard Plossu in México que Aperture junto con la Fundación Televisa publicarán en los próximos días.

Recordemos que la salida del libro coincide con la primera exposición individual de Plossu en el Museo de Arte Moderno de México que estará abierta al público hasta principios del 2015.

Los dejo con dos entrevistas: una, realizada Paula Kupfer, editora de Aperture Magazine y otra, confeccionada por la gente de hoyearte en el siguiente  video. 

Hasta el miércoles!!


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Viaje poético de la mano de Graciela Iturbide

Siempre es bueno escuchar a los grandes fotógrafos, lo que piensan de su trabajo, de la fotografía en general. Y en el caso de Graciela Iturbide, el disfrute está asegurado tanto como de sus fotografías.

© Graciela Iturbide

De la mano del director Alejandro Gómez de Tuddo, la gran fotógrafa mexicana desmenuza en un documental,  su fotografía, sus proyectos, su visión artística y de vida. "Hay tiempo" se llama este trabajo realizado por Gómez Tuddo en el 2007 y los invito a que lo vean pero principalmente que lo escuchen con atención. No tiene desperdicios.

Buen fin de semana!

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México en la retina de dos grandes fotógrafos

La historia cuenta que dos grandes fotógrafos documentales coincidieron en un lugar y durante los mismos años. Uno,  estaba fascinado por la cultura y el otro experimentó amor a primera vista. Me estoy refiriendo a Paul Strand y Henri Cartier Bresson que coincidieron en México a principios de los años ’30 del siglo pasado.

Justamente ayer tuve en mis manos  el libro - catálogo que publicó Steidl que coincidió con la expo de hace dos años en  París. Me refiero a México 1932 – 1934.

El libro no tiene desperdicios. Sus 172 páginas recorren a través de ensayos y fotografías el itinerario que cada uno de los fotógrafos llevó por aquel país.

Paul Strand fue a México invitado por el gobierno y Cartier Bresson llegó con un equipo etnográfico de trabajo. 

Ahora los dejo con un video donde podrán apreciar parte de esa antológica exposición en las salas de la Fundación Henri Cartier Bresson en el 2012.





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El ser y la nada

Hace unos días, mientras hacía mi habitual paseo por la librería Altair de Barcelona, me encontré con un pequeño libro que me gustó por la calidad de sus fotografías y por la forma que el fotógrafo diagramó el proyecto.

Se trata de El ser y la nada del fotógrafo Pedro Tzontémoc.

Publicado por Artes de México en el 2006, este libro de sólo 60 páginas y 40 fotografías es un recorrido vital y subjetivo del autor por muchos lugares y países durante más de una década (1990 – 2001).

Lisboa, Portugal 2001 © Pedro Tzontémoc

Mérida, España 20'01 © Pedro Tzontémoc

“La realidad nos ofrece más de lo que la imaginación puede elaborar” señala el fotógrafo mexicano quien con este proyecto trató de hilvanar un juego visual entre nosotros y un contexto que lo  abarca que también lo arraiga, lo sustenta y también lo empequeñece.

Guatemala 1990 © Pedro Tzontémoc

Vale la pena adentrarse en los frágiles equilibrios visuales que propone este autor en este pequeño libro. 

Venecia, Italia 2001 © Pedro Tzontémoc

Con el aporte del poeta mexicano David Huerta quien, a través del prólogo, realiza algunas reflexiones sobre la filosofía existencial, quizás el ideal acompañante para los interrogantes que plantean las fotografías.

Marsella, Francia 2001 © Pedro Tzontémoc

Un abrazo grande y buena semana santa!!

Sueños de color de Erwin Fieger

El gran fotógrafo alemán Ernst Haas tuvo sus continuadores  en su país de origen a través de las convulsionadas décadas de los ’50 y ’60 del siglo pasado. 

Algunos, injustamente olvidados como es el caso de Peter Cornelius  (de quien hablé en el post anterior) o, en menor medida, de Erwin Fieger de quien hablaré hoy.

Erwin Fieger  comenzó a investigar el mundo de la fotografía a color a mediados de los ’50 con el uso de las películas negativas Agfa CN17 40 ASA y posteriormente con las Kodachrome 64 y  le fue dando a su trabajo un toque muy personal, llevando hasta el límite todas las bondades del cromatismo que le otorgaban dichas películas de 35 mm.

Con la publicación de Londres, ciudad de algún sueño (1965),  Fieger se consolidó como uno de los mayores exponentes de la corriente expresionista  muy ligada a la escuela deChicago (llamada también New Bauhaus en los cincuenta) con Aaron Siskind,  Harry Callahan o Ray Metzker a la cabeza, seguido por Haas y también por Saul Leiter.

London 1955  © Erwin Fieger

En este inicial trabajo se puede ya apreciar hasta que límites llevó el uso del color en las fotografías de calle londinenses.

London 1955  © Erwin Fieger

Desde la distancia temporal, se puede apreciar el valor de las 96 páginas de este libro. Captar Londres a color fue todo un acierto, en una  época que la ciudad comenzaba a estar de moda, en vísperas de la Copa del mundo y con toda la efervescencia pop y beatlemaníaca de sus calles y su gente.

London © Erwin Fieger

London © Erwin Fieger

Luego siguieron otros grandes trabajos como 13 Photo Ensayos (1969).

A través de sus 235 páginas, Fieger muestra en capítulos - ensayos, un recopilatorio de instantáneas a color de diferentes ciudades del mundo como Nueva York , Rio de Janeiro, Tokyo o París con su personal mirada.

Turquía © Erwin Fieger

La Toscana, Italia © Erwin Fieger

Nueva York  © Erwin Fieger

En 1973, publicó México.

México © Erwin Fieger

México © Erwin Fieger

Y en 1974 recibió la más importante distinción fotográfica que le puede otorgar su país: Premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.

Ganges (1990) podría decirse que es uno de los últimos trabajos importantes que publicó Fieger.

Benares, India © Erwin Fieger

 Buen fin de semana!!

Ganador International Street photography Award 2012: Alejandro Cartagena

La serie: Car Pooling de Alejandro Cartagena,  fotógrafo documentalista dominicano que vive y trabaja desde hace tiempo en México, resultó ganador del último International Street Photography Award  organizado por el London  Festival of Photography de este año.

Desde mi punto de vista, Car – pooling es un proyecto significativo para la evolución de este subgénero documental ya que, a  través de sus imágenes, aborda cuestiones de intimidad o privacidad que se expresan en un espacio público.

El fotógrafo abordó esta cuestión dos veces por semana durante un año (2011). Se apostaba en  un puente situado sobre la avenida 85 sur de Monterrey. Y desde allí apuntaba con su cámara hacia abajo en busca de trabajadores de la construcción que se acumulaban en la parte trasera de distintas  camionetas que pasaban por allí.

© Alejandro Cartagena

© Alejandro Cartagena

De esa manera logró armar un verdadero documento antropológico visual de esos trabajadores donde su mirada street se sitúa en un plano fronterizo entre la público y lo privado, dos mundos paralelos que se encuentran allí, en la parte trasera de esos automotores.

© Alejandro Cartagena

© Alejandro Cartagena

“Me interesa hacer visibles las situaciones que se encuentran más allá del discurso oficial de que <todo está bien, estamos progresando>” señala el autor en el último número de Ojo de Pez.

© Alejandro Cartagena

© Alejandro Cartagena

“Estas imágenes – comenta Cartagena -  son una reflexión sobre las condiciones de trabajo de muchos mexicanos y su invisibilidad en una sociedad en crisis”

Cabe recordar que este trabajo resultó finalista en el Premio PHE Premio Ojo de Pez de Valores Humanos 2012 y fue publicado en el último número de Ojo de Pez. 

Buen fin de semana!!

Lo real en lo surreal de una joven street photographer rusa

Rosario, Argentina © Maria Plotnikova

Hace muy poco descubrí el trabajo de una fotógrafa urbana con mayúsculas: María Plotnikova y en seguida me sorprendieron sus fotografías que están en la línea conceptual  y estética que a mí tanto me gusta.

Rosario, Argentina © Maria Plotnikova

A María le interesa transformar cualquier hecho cotidiano en algo extraordinario y siempre cuestiona (en lo que fotografía),  la relación entre la fotografía y las cosas  basadas en la semejanza representativa.

Buenos Aires, Argentina  © Maria Plotnikova  

Esta joven fotógrafa y filóloga rusa nacida en Moscú vive temporalmente en Buenos Aires y desde allí hace regulares escapadas fotográfica a diversas ciudades del continente americano.

Jovellanos, Cuba © Maria Plotnikova 

Todo este deambular callejero le ha traído buenos frutos: este año ha sido preseleccionada en el Festival de Fotografía de Londres y se convirtió en una de las finalistas del Festival de Moscú en fotografía callejera.

Baracoa, Cuba © Maria Plotnikova 

Ayer le realicé una pequeña entrevista vía email y esto es lo que dijo:

“Para mi la buena fotografía de calle no tiene criterios fijos – señala María - A mi me gustan las corrientes totalmente diferentes de dicho género, comenzando por la fotografía clásica en B&W y terminando por el minimalismo europeo sin la presencia de personas en el cuadro”.

Buenos Aires, Argentina © Maria Plotnikova 

“Sin embargo,  como soy fotógrafa de colores, las fotos donde se unen los componentes principales como el momento definitivo, la composición y el juego de colores (inclusive la luz) me emocionan muchísimo”.

Ante mi pregunta sobre la actualidad de la street, la fotógrafa moscovita comentó que “ está floreciendo mucho. En Flickr veo una multitud de autores con talento. Son totalmente desconocidos, pero sacan unas fotos increíbles.

 Creo que la street photography aún no es tenida muy en cuenta por las instituciones tradicionales del arte (festivales de fotografía, exposiciones, galerías, etc). Ni me imagino cómo se puede ganar dinero trabajando únicamente de la fotografía de calle.

Tepotzotlán, México © Maria Plotnikova 

Y  recomienda que “ no vale la pena preocuparse mucho sobre ello. Creo que con el desarrollo tan intenso de las tecnologías de las cámaras compactas, la street va a ser pasión de masas”.

Mar del Plata, Argentina © Maria Plotnikova  

Luego viene la pregunta de rigor: ¿ante esa perspectiva no se corre el riesgo de trivializar este subgénero documental de contenido y composición?

“Para mi – dice Plotnikova -  no hay ningún riesgo de perder de identidad con la llegada de los fotógrafos amateurs. Me parece que pueden surgir nuevas ideas, nuevos sujetos o técnicas de fotografía de calle. ¡es tan interesante!..pienso que habrá una transformación de la cantidad a la calidad y no lo contrario”.

Buenos Aires, Argentina © Maria Plotnikova  

 Buen fin de semana a todos!!

Resurreción de un eslabón perdido del color

Airport Lounge - México 1950 © Paul Outerbridge

En esta suerte de reivindicación de la fotografía documental a color que desde hace un buen tiempo realizo en Miradas Cómplices; me es muy grato presentar hoy,  un trabajo que fue descubierto hace muy poco y publicado en el 2009.

Se trata de New Color Photographs from California and México 1948 - 1952 realizado por Paul Outerbridge.

En primer lugar me parece increíble que este trabajo salga a la luz, cuarenta y un años después de la muerte del fotógrafo.

Balboa Beach, California 1950 © Paul Outerbridge   

 En segundo lugar,  me resulta aún más sorprendente saber que este trabajo documental realizado íntegramente con diapositiva Kodachrome anticipó las direcciones radicales que seguiría la fotografía en color en los siguientes veinte años. Especialmente se anticipó a la obra de William Eggleston, Sthepen Shore, Joel Sternfeld y otros,  pertenecientes al movimiento conocido como “New Color” en la década de los ’70 en Estados Unidos.

Airport Lounge - México 1950 © Paul Outerbridge 

Laguna Beach, California 1950  © Paul Outerbridge  

Sin embargo, toda esta sorpresa inicial tiene una posible explicación.

A mediados del siglo pasado, Outerbridge era considerado uno de los mejores fotógrafos e impresores a color en los Estados Unidos con el proceso conocido como Trichrome Carbro. Y como muestra de ello, su pionera publicación de Photographing in color en 1940 (Random House ).  

Portada original

Sin embargo, con la irrupción del uso comercial de las diapositivas, el mundo de la fotografía norteamericana cambió y “lo jubiló”. Entonces Outerbridge se “retiró” a California donde abrió un estudio fotográfico.

Pero el prestigioso fotógrafo no se había jubilado. Todo lo contrario. Comenzó a utilizar cámaras de 35 mm, se compró un montón de películas Kodachrome e comenzó a investigar hasta los límites su uso;  debo aclarar que lo realizó un tiempo antes que Saúl Leiter, Fred Herzog o Ernst Haas, otros grandes pioneros del color.

México © Paul Outerbridge   

Para ello, comenzó a recorrer California y México con sus diapos,  explorando la calle y se encontró con la galopante urbanización de la región y sus escenas cotidianas llenas de color  que muestran, entre otras cosas,  la peculiar cultura del ocio urbano que comenzaba a vislumbrarse en post guerra.

Carnaval - México 1951 © Paul Outerbridge  

Mazatlán - México 1950 © Paul Outerbridge   

Gracias a este libro y a las distintas exposiciones que se realizaron recientemente en Los Ángeles,  refutan la idea que Outerbridge estaba viviendo una decadencia fotográfica en sus últimos años. Kodachrome le dio vida y color al paisaje social que él visualizó con su cámara y lo transformó en un imperdible documento de época.

México © Paul Outerbridge    

México © Paul Outerbridge    

Un abrazo y hasta el miércoles!!