Transformación en la crisis

Para mi,  vivir en una situación de crisis significa cambio, transformación, búsqueda de nuevos espacios de creación, de nuevos caminos. A veces, llevado por la misteriosa mano de la casualidad o quizás,  “ de una causalidad encubierta”, me encuentro con trabajos fotográficos que me conmueven, me estimulan a seguir creciendo. En un contexto, en donde muchos creadores han utilizado esos tiempos de crisis para salir fortalecidos y allí, está la esencia creativa.

Beverly Hills, California 1994. Melting Point © Jeff Jacobson

En mi caso particular, algo de toda esa "transformación creativa a través de la crisis" la encontré en las imágenes de Melting Point de Jeff Jacobson. Un libro que fue publicado en el 2006 pero que siempre me sirve como fuente de inspiración. Al igual que sus palabras que hablan de la misma crisis que yo intento explicar.

Oklahoma 2001. Melting Point © Jeff Jacobson

“Vivo en un período de crisis  cuando las viejas normas de la política, la religión e incluso la fotografía está cambiando” señala Jacobson en el prólogo de su libro que le llevó unos 20 años de trabajo y que, paradójicamente, coinciden con la crisis del fotoperiodismo, la irrupción del color documental y la entrada de la fotografía en el mundo digital.

Anchorage, Alaska 1994. Melting Point © Jeff Jacobson

Pero la mirada de Jacobson va un poco más allá. “La fusión es una transformación, una forma que se disuelve y surge otra cosa. Cuando me enfrento a finales, a veces temo lo que viene después. Al levantar la cámara al ojo y veo la complejidad del mundo, mis temores se derriten. Estoy honrado con tanta energía fresca. Al trabajar desde la paradoja, una curiosa fusión de belleza y miedo surgieron en estas fotografías”. 

Las Vegas, Nevada 1997. Melting Point © Jeff Jacobson

Hollywood, California 1993. Melting Point © Jeff Jacobson

Hasta pronto!

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El fotógrafo underground de los hippies

En estos últimos tiempos, se redescubren algunos fotógrafos que habían tenido su momento de gloria y con el tiempo fueron olvidados. Los ejemplos, muchos: Saúl Leiter,  Louis Stettner, Mark Cohen, Fred Herzog y otros.

En lo personal, a mi me interesa que se vuelvan a reflotar sus trabajos ya que pueden ser un ejemplo a seguir, un “mirar hacia atrás” para entender como han documentado su época y aprender de todo ello.

Otro ejemplo es el de Nacio Jan Brown.

© Nacio Jan Brown

Brown durante varios años de la década del ’60 del siglo pasado documentó las protestas sociales, los distintos movimientos sociales, la cultura hippie en la convulsionada vida americana de esos años. 

© Nacio Jan Brown

Sus fotografías se publicaban en la prensa clandestina, y posteriormente aparecieron en libros y expuestos en museos y galerías de USA y Europa.

Además, Brown se pasó 4 años (1969 – 1973) documentando para el diario underground San Francisco Express Times,  todo lo que pasaba en una calle mítica para la cultura hippie de San Francisco: Telegraph Avenue y ese trabajo fue publicado en 1975: Rag Theater.

Después el olvido hasta que en estos últimos tiempos comenzó a ser revalorizado y  fue entrevistado por varios diarios americanos importantes y  se han realizado nuevas exposiciones especialmente en San Francisco.

Les recomiendo que lean la entrevista que le realizó el blog de Leica en noviembre del 2012. 

San Francisco © Nacio Jan Brown

San Francisco © Nacio Jan Brown

San Francisco © Nacio Jan Brown

Hasta el viernes!

Resurreción de un eslabón perdido del color

Airport Lounge - México 1950 © Paul Outerbridge

En esta suerte de reivindicación de la fotografía documental a color que desde hace un buen tiempo realizo en Miradas Cómplices; me es muy grato presentar hoy,  un trabajo que fue descubierto hace muy poco y publicado en el 2009.

Se trata de New Color Photographs from California and México 1948 - 1952 realizado por Paul Outerbridge.

En primer lugar me parece increíble que este trabajo salga a la luz, cuarenta y un años después de la muerte del fotógrafo.

Balboa Beach, California 1950 © Paul Outerbridge   

 En segundo lugar,  me resulta aún más sorprendente saber que este trabajo documental realizado íntegramente con diapositiva Kodachrome anticipó las direcciones radicales que seguiría la fotografía en color en los siguientes veinte años. Especialmente se anticipó a la obra de William Eggleston, Sthepen Shore, Joel Sternfeld y otros,  pertenecientes al movimiento conocido como “New Color” en la década de los ’70 en Estados Unidos.

Airport Lounge - México 1950 © Paul Outerbridge 

Laguna Beach, California 1950  © Paul Outerbridge  

Sin embargo, toda esta sorpresa inicial tiene una posible explicación.

A mediados del siglo pasado, Outerbridge era considerado uno de los mejores fotógrafos e impresores a color en los Estados Unidos con el proceso conocido como Trichrome Carbro. Y como muestra de ello, su pionera publicación de Photographing in color en 1940 (Random House ).  

Portada original

Sin embargo, con la irrupción del uso comercial de las diapositivas, el mundo de la fotografía norteamericana cambió y “lo jubiló”. Entonces Outerbridge se “retiró” a California donde abrió un estudio fotográfico.

Pero el prestigioso fotógrafo no se había jubilado. Todo lo contrario. Comenzó a utilizar cámaras de 35 mm, se compró un montón de películas Kodachrome e comenzó a investigar hasta los límites su uso;  debo aclarar que lo realizó un tiempo antes que Saúl Leiter, Fred Herzog o Ernst Haas, otros grandes pioneros del color.

México © Paul Outerbridge   

Para ello, comenzó a recorrer California y México con sus diapos,  explorando la calle y se encontró con la galopante urbanización de la región y sus escenas cotidianas llenas de color  que muestran, entre otras cosas,  la peculiar cultura del ocio urbano que comenzaba a vislumbrarse en post guerra.

Carnaval - México 1951 © Paul Outerbridge  

Mazatlán - México 1950 © Paul Outerbridge   

Gracias a este libro y a las distintas exposiciones que se realizaron recientemente en Los Ángeles,  refutan la idea que Outerbridge estaba viviendo una decadencia fotográfica en sus últimos años. Kodachrome le dio vida y color al paisaje social que él visualizó con su cámara y lo transformó en un imperdible documento de época.

México © Paul Outerbridge    

México © Paul Outerbridge    

Un abrazo y hasta el miércoles!!

Kerouac, Robert Frank y un blues en la soledad de un viaje

Al igual que Robert Frank (su temprana influencia), Marco Paoluzzo es suizo, fotógrafo y viajero.
Al igual que Jack Kerouac y tantos beatniks, hippies, aventureros, anónimos soñadores de rutas como la mítica 66, Marco Paoluzzo salió a recorrer esa carretera y tantas más de este a oeste por la geografía de Estados Unidos entre 1986 y 1994.
Y al igual que la melancólica melodía de un blues, Paoluzzo experimentó las alegrías y los sinsabores de un largo viaje que finalmente plasmó en un interesante y muy recomendable libro llamado justamente America Blues.
Este fotógrafo, que colabora con National Geographic, Geo o Altair entre otros,  señaló que con el poco dinero que tenía se compró un auto de segunda mano y “ salí a merced de las carreteras con el oeste en mi horizonte. Desde las grandes ciudades hasta los pequeños pueblos, el campo me recordó las películas americanas que había adorado siempre y que me había hecho soñar con la libertad y el espacio. El escenario era como yo había imaginado, pero pronto perdí ese sueño”.
Mientras viajaba, Paoluzzo comenzó a interesarse por otras cuestiones como por ejemplo: la soledad del individuo. “No descubrí nada en los Estados Unidos que no sea la insignificancia del ser humano cuando se pierde dentro de un universo desconocido y banal”.
En este sentido, quiero compartir con ustedes algunas imágenes de este libro que - en mi opinión personal - sirven de disparador, de alegorías sobre el verdadero papel que nos cabe en estas sociedades occidentales contemporáneas . Hasta pronto!!

Livermore (California) 1993



New York City, Liberty Island - 1993



Wall (South Dakota) 1993



Menphis (Tennessee) 1993



Virginia Beach (Virginia) 1994