Ahí está tu frase

Jeff Jacobson en una nota para ICP comentó que en el útlimo taller que impartió Charles Harbutt en Tennessee le dijo a un alumno que la fotografía es como una oración “debe tener un sustantivo, un verbo y una frase preposicional”. Parece que el estudiante le replicó soberbio: “¿y si tengo algo más que decir?”. Harbutt sin titubear le respondió: “ahí está tu frase”. Y estaba hablando de hacer fotografías no de describirlas con palabras.

@Charles Harbutt

“Esa frase” de la que habla Harbutt es lo diferencial que cada uno de nosotros debe buscar en la fotografía. No alcanza con enhebrar un gran texto para apoyar un proyecto fotográfico. El autor necesita mostrar su voz, su narrativa visual, “su frase”.

En otro orden de cosas,  lo que quiere decir Harbutt es que “esa frase” es lo que distingue de un escritor (o fotógrafo) a alguien (entusiasta de la fotografía) que escribe perfectamente una oración.

(c) Charles Harbutt

En ese sentido, aunque muchos aspiramos a ser escritores, no todos podemos serlo con sólo hacer unas cuantas fotografías y publicarlas en Instagram o en Facebook. Hace falta encontrar “la frase”. Y allí está la gran diferencia entre un escritor y saber escribir.

No me vale sólo una foto bonita (tengo muchas), me vale transmitir “esa frase”, encontrar algo que decir con tus fotografías que vaya más allá de un “me gusta” en FB. Perdón, estoy hablando en voz alta… “esa frase” me da la sensación que está reservada para pocos en este gran mercadeo visual que estamos insertos hoy en día.

Buen fin de semana!

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Algunas opiniones (en voz baja) sobre el color

Cuando hablo del color en fotografía, siempre me gusta referirme a Harry Gruyaert y Jeff Jacobson.

Los Angeles 1982 . Catálogo It´s not about cars (c) Harry Gruyaert

Dos de mis fotógrafos favoritos que me enseñaron a darle ubicuidad y potencia al color en una composición; y que, a pesar de tener lógicas personalidades visuales opuestas a la hora de fotografiar, tienen muchas cosas en común.

de su libro Melting Point (c) Jeff Jacobson

Una de las cosas que más me ha cautivado de estos dos pioneros de la fotografía colorista documental es sobre la importancia de utilizar colores primarios,

New York City 1985 Catálogo It´s not about cars (c) Harry Gruyaert

en especial,  del rojo que no sólo transmite potencia visual, sino que connotan innumerables simbolismos.

de su libro Melting Point (c) Jeff Jacobson

Otra característica de importancia es la saludable elección de fondos adecuados que con la utilización de colores puros cobran un protagonismo excluyente.

de su libro Melting Point (c) Jeff Jacobson

Con ellos entendí como jugar con el color a través de la posición del fotógrafo en su entorno y así organizarme en la composición. En Gruyaert en espacios amplios y con Jacobson en los detalles.

Utah 1982 Catálogo It´s not about cars (c) Harry Gruyaert

Los dos juegan con “la aparente simplicidad” de la escena pero que esconden, sugieren otras narrativas visuales en donde el color no se organiza como una simple referencia estética.

Washington 1986 Catálogo It´s not about cars (c) Harry Gruyaert

Hasta pronto

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Equivocarse con pasión

Equivocarse y  mucho sirve para cuestionar tu propio trabajo fotográfico y avanzar. El 99 % de lo que haces en la calle es más de lo mismo y siempre hay que ser autocrítico para evolucionar.

Mirar lo que hacen los demás ayuda a encontrar tu camino o por lo menos forjar tu sitio de trabajo. Pero eso es un hacer continuo y debes complementarlo con ese “ego sano” de aprender de tus propios errores. Creo que allí está el secreto del hacer fotografías con identidad y siempre guiado por un objetivo a alcanzar que puede ser un proyecto.

de su proyecto Minutes to Midnight © Trent Parke

 “Siempre he sido un narrador – comenta Trent Parke en una entrevista – y siempre estoy trabajando hacia el libro como el trabajo final".

de su proyecto The Seventh Wave © Trent Parke

"Es muy difícil contar una historia con fotografías urbana individuales. Estoy interesado en las ideas. No estoy interesado en hacer lo misma cosa una y otra vez” prosigue el gran fotógrafo australiano.

de su proyecto Dream Life © Trent Parke

Puede que puedas descrubrirte a ti mismo a través de tus propios errores y no volver a cometerlos. Puede que puedas unir todo en un gran rompecabezas y encontrar la o las respuestas. Estos consejos sanos de Trent Parke pueden ser útil en tu propia búsqueda.

Equivocarse y mucho apasionadamente recomienda el escritor mexicano Xavier Velasco. Aunque se refiere a los adolescentes; puede considerarse en el  fotógrafo que se siente como un adolescente que busca y busca su voz, que no quiere repetirse,  que no sabe como expresar todo lo que siente por dentro. La mejor receta: equivocarse y aprender de los errores. Y en libertad.

 de su proyecto American Color © Constantine Manos

Equivocarnos nos ayuda a crecer, nos hace humildes, eleva nuestro autoestima como fotógrafo y ser humano y enriquece nuestra experiencia vital.  Parecen consejos de autoayuda pero no lo son. El entusiasta de hacer fotografías necesita de ese entorno vital y esa cualidad  se nota en sus imágenes, se transmite. La fotografía es un acto humano y por ese motivo es imperfecta, llena de recovecos, de emociones que finalmente se pueden disfrutar.

En una nota que hice para Photocertamen, que me parece tan lejana en el tiempo, decía que “no alcanza con saber sobre programas de post producción o tener la cámara más moderna o que tenga más megapixeles. Hay que tratar de entender como hicieron fotografías los más representativos de esta práctica fotográfica que es tan antigua como la fotografía misma”.

de su proyecto My Fellow American © Jeff Jacobson

Ahora lo complementaría con que” hay que tratar de entender como haces tus propios proyectos” y ser muy autocríticos.

Buen fin de semana!

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El misterio en la aparente simplicidad

Cuando hablo del misterio de una fotografía no me refiero a cuestiones delictivas o ligadas al terror. El misterio al que me refiero va mucho más allá, por suerte...

New York 1961 © Charles Harbutt

Me gusta ese misterio del porqué me atrapa tanto tiempo una imagen e intento averiguar una y otra vez que es lo que verdaderamente está sucediendo en esa fotografía.

Las Vegas, Nevada 1997 © Jeff Jacobson

Y más, si esa imagen parece tener todo claro, aparentemente. 

© Trent Parke

Podría decir que el misterio se asocia con lo inexplicable y, en muchos casos, son fotografías que no salen de un plan preconcebido.

Valparaíso © Sergio Larraín

Cuando el fotógrafo se deja llevar por el momento, en esa singularidad, aparece algún “error visual” que desemboca en ese misterio que tanto me gusta y que no siempre se encuentra. 

© Lee Friedlander

Soy un convencido que el tiempo redefine la verdadera dimensión del misterio de una fotografía y corre paralelo a lo que el fotógrafo se propuso originalmente.

© Sylvia Plachy

Me atrae lo que nunca se ha visto o cuesta creer que en ese lugar pueda suceder algo así.

New York 1997 © Richard Kavar

 Lo inexplicable en clave humor puede ser un camino aunque más dificil ya que, en general,  fotografías con toque cómico envejecen rápido.

© Tony Ray Jones

Ese delicado momento entre lo que acaba de ocurrir o va a suceder también me seduce y posee esa lectura de misterio que tanto me atrapa.

© Michael Ackerman

“En la fotografía siempre hay un misterio: miramos y somos mirados por ellas. Es algo dialéctico” comenta el fotógrafo argentino Andy Goldstein. “Por otro lado, desarmar la “cara de foto” es la parte más misteriosa que puede haber entre un artista y su obra, es la parte más difícil de poner en acto”. 

© Cristobal Hara

Quizás es allí donde empieza el auténtico disfrute de la fotografía.

 Hasta pronto!

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Transformación en la crisis

Para mi,  vivir en una situación de crisis significa cambio, transformación, búsqueda de nuevos espacios de creación, de nuevos caminos. A veces, llevado por la misteriosa mano de la casualidad o quizás,  “ de una causalidad encubierta”, me encuentro con trabajos fotográficos que me conmueven, me estimulan a seguir creciendo. En un contexto, en donde muchos creadores han utilizado esos tiempos de crisis para salir fortalecidos y allí, está la esencia creativa.

Beverly Hills, California 1994. Melting Point © Jeff Jacobson

En mi caso particular, algo de toda esa "transformación creativa a través de la crisis" la encontré en las imágenes de Melting Point de Jeff Jacobson. Un libro que fue publicado en el 2006 pero que siempre me sirve como fuente de inspiración. Al igual que sus palabras que hablan de la misma crisis que yo intento explicar.

Oklahoma 2001. Melting Point © Jeff Jacobson

“Vivo en un período de crisis  cuando las viejas normas de la política, la religión e incluso la fotografía está cambiando” señala Jacobson en el prólogo de su libro que le llevó unos 20 años de trabajo y que, paradójicamente, coinciden con la crisis del fotoperiodismo, la irrupción del color documental y la entrada de la fotografía en el mundo digital.

Anchorage, Alaska 1994. Melting Point © Jeff Jacobson

Pero la mirada de Jacobson va un poco más allá. “La fusión es una transformación, una forma que se disuelve y surge otra cosa. Cuando me enfrento a finales, a veces temo lo que viene después. Al levantar la cámara al ojo y veo la complejidad del mundo, mis temores se derriten. Estoy honrado con tanta energía fresca. Al trabajar desde la paradoja, una curiosa fusión de belleza y miedo surgieron en estas fotografías”. 

Las Vegas, Nevada 1997. Melting Point © Jeff Jacobson

Hollywood, California 1993. Melting Point © Jeff Jacobson

Hasta pronto!

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Masas desenfocadas

Descubrí otro mundo compositivo después de conocer el trabajo de Sergio Larraín. No sólo por su preferencia por componer en vertical sino por la utilización de masas desenfocadas en primer plano que le dan, mucha más profundidad de campo a sus instantáneas verticales.

Londres 1959 © Sergio Larraín

Esa figura borrosa tan centralizada y desenfocada crea una especie de "ausencia latente" de singular potencia visual.

Londres 1959 © Sergio Larraín

Además, esas masas redirigen la lectura visual. Te llevan hacia ciertos elementos que con esas rupturas visuales dejan de ser secundarias y pasan a ser protagonistas excluyentes como en esta imagen apaisada realizada en Valparaíso por el gran maestro chileno.

Valparaíso © Sergio Larraín

Dicen las leyendas urbanas fotográficas que Larraín fue el primer fotógrafo documentalista de Magnum que utilizó esta forma compositiva que no era muy bien vista por los puristas del fotorreportaje de esa época. 

Sea leyenda o no, el desenfoque de objetos en primer plano, sea accidental o voluntario, comenzó a ser aceptado y utilizado de forma creativa por muchos fotógrafos posteriores y en este post deseo recuperar algunas imágenes.

En primer lugar deseo remitirme a dos grandes de la fotografía española: Joan Colom y Leopoldo Pomés de los años '60.

Raval, Barcelona © Joan Colom

Raval, Barcelona © Joan Colom

© Leopoldo Pomés

Tony Ray Jones utlizaba, a veces,  esta técnica, cuando era muy joven y experimentaba con el color, en Nueva York y a principios de la década del '60.

NY 1963 © Tony Ray Jones

Ya entrados en los '80 del siglo pasado, las masas desenfocadas crearon una escuela en fotógrafos como Cristobal Hara o Jeff Jacobson.

del libro Vanitas © Cristobal Hara

del libro Vanitas © Cristobal Hara

© Jeff Jacobson

Ya en los '90, Alex Webb o Jeff Mermelstein seguían intentando otras líneas creativas a través de masas desenfocadas.

© Alex Webb

© Jeff Mermelstein

También lo utilizaba, sin abusar de ello, un gran fotógrafo urbano francés, recientemente fallecido: Christophe Agou.

de su libro Ante el silencio (2010) © Christophe Agou

Hasta pronto!

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El vagabundeo y la fotografía

© Robert Frank

Vagabundear por las calles es una parte muy importante, omnisciente, implícita en la composición fotográfica. Quizás sea la raíz de todo ello.

1966 © Joel Meyerowitz

 Me gusta asociar este término que mucha gente usa de forma despectiva, con la idea de un viaje iniciático. En donde ese “viaje” tenga una puerta clara de entrada y una  salida difusa como el tiempo y el instrumento más inútil que puedas tener es un reloj.

© Josef Koudelka

© Mike Brodie

David Le Breton señala en su Elogio del Caminar que “el vagabundeo, tan poco tolerado en nuestras sociedades como el silencio, se opone así a las poderosas exigencias del rendimiento, de la urgencia y de la disponibilidad absoluta en el trabajo o para los demás (convertida, con la aparición del teléfono móvil, en una caricatura” (pág. 22).

© Bernard Plossu

Siempre vuelvo, una y otra vez, a las palabras inspiradas de Sergio Larraín cuando aconseja a su sobrino que “el juego es partir a la aventura, como un velero, soltar velas”.

© Sergio Larraín

“Ir por las calles todo el día, vagar y vagar por partes desconocidas, y sentarse cuando uno está cansado bajo un árbol, comprar unos plátanos y así tomar un tren….”

© Sergio Larrain

“Salirse del mundo conocido, entrar en lo que nunca has visto. Dejarse llevar por el gusto…..de a poco entrando cosas y te van viniendo imágenes, como apariciones”

© Jeff Jacobson

El vagabundeo como lo entiendo yo tiene que ver con ese caminar consentido que se hace con el placer del corazón, ese que invita al encuentro, a la conversación, al disfrute del tiempo. Y al disfrute de la fotografía….allí empieza la auténtica composición.

© William Eggleston

Buen fin de semana!

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