Un elegante divague por la mínima expresión del rojo

A los que nos gusta el color, sabemos perfectamente la expresividad que conlleva. Por ejemplo, un color cálido como el rojo:  atrae alegría, vitalidad, movimiento, acción. Pero también expansión. Y en fotografía o pintura, la expansión de un rojo en su mínima expresividad es como un “iniciarse” en una nueva lectura de una imagen, un punto de inflexión hacia otros mundos.

Ese minúsculo punto, en especial, no distrae. Todo lo contrario, te lleva hacia el corazón mismo de la imagen y allí encuentras otros simbolismos, mucho más atractivos a la imaginación que a  la primera impresión.

(c) Jens Olof Lasthein

El rojo actúa meramente como un canalizador, por ejemplo,  en una triangulación de rojos mínimos, para expandir una historia visual. Y unas palabras “imaginadas” acechan al observador como preguntas sin respuestas. Sólo se trata de lenguaje fotográfico puro.

(c) Boris Savelev

O esa primera impresión de rojo mínimo casi imperceptible te lleva a desgranar ese monocromático paisaje urbano de colores fríos. Y te haces preguntas sobre el melancólico paisaje que no es tanto, gracias a la existencia de esa minúscula presencia de calidez.

(c) José Manuel Navia

A veces, la culminación de la mínima expresividad del rojo, puede ser el comienzo de una riqueza de sombras que enmascaran sugerentes y ambiguas historias imaginadas. Una lectura oculta  como si “la mirada del rojo” te redireccionara hacia fuera del encuadre. En ese contexto, me complace, gracias a la libertad que me da la escritura, comparar ese rojo con las miradas perdidas de los cuadros de Edward Hopper. Y en ese contexto, el rojo mínimo no me expresa vitalidad, sino una incipiente soledad.

(c) Harry Gruyaert

Hasta pronto!

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Situaciones inquietantes

Larache, Marruecos                                                                                         Sidi Ifni, Marruecos © Navia

Hace un tiempo, mientras observaba estas dos fotografías de Navia de su libro Marruecos (Grupo 62 /2003) comencé a reflexionar sobre un asunto que quiero compartir con ustedes hoy. Las imágenes,   a pesar que parecen instantáneas muy similares en encuadre; tiene un contrapunto visual opuesto, divergente a través de la ausencia y la presencia de personas. 

Casualmente me pasó lo mismo,  el fin de semana pasado, mientras visionaba imágenes en papel con Carlos Prieto ( de un interesante proyecto aún inédito de su autoría) ;  allí me encontré con una imagen  con una composición muy cuidada, muy buena luz, buen fondo pero que destacaba por la ausencia humana.

Barcelona © Carlos Prieto

 Aunque se podría haber incluido una persona para darle escala o que actuara como un punto de fuga, la imagen transmitía una cierta atmósfera inquietante y eso nos pareció, a los dos,  muy interesante, sugerente, para explorar.

Estas “situaciones inquietantes” donde, la mayoría intentamos encuadrar perfectamente a alguna persona y “esperar” hasta que ello suceda; no tienen porque ser así en algunos casos y la decisión final siempre la tiene el fotógrafo, por supuesto.

Israel © Martin Kollar

En este sentido, me gusta la decisión de Martin Kollar de realizar muchas las imágenes de su proyecto Field Trip donde la ausencia de personas provocan ciertas inquietudes, tensiones que desembocan en situaciones inverosimiles.

Israel © Martin Kollar

“En algunos de esos lugares, tenía la impresión de que estaba en un set de filmación y traté de llevar todo esto a las imágenes. No se sabe muy bien donde comienza la realidad y donde la ficción” señala Kollar.

 Israel © Martin Kollar

También deseo poner de ejemplo las situaciones inquietantes que generan las fotografías de Wim Wender previas a su film Paris Texas.

Written in the west ©Wim Wenders

Y así podríamos enumerar unos cuantos ejemplos más, de los muchos que hay, sobre esas situaciones inquietantes a través de las ausencias. Una variante de composición que puede añadir singulares matices a un proyecto fotográfico.

Hasta pronto! 

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Lugares donde no ocurre nada

Siempre me han gustado esos lugares donde parece que no ocurre nada. Espacios ajenos al ajetreo mundano, donde normalmente la gente no posa la mirada, lugares de tránsito que uno jamás recordaría haber pasado ni siquiera a través de una imagen.

© Lee Friedlander

Son como espacios no valorizados en donde, sin embargo, brotan ciertas fantasías o doy rienda suelta a la imaginación.

© Martin Kollar

Lugares donde hipotéticamente ha pasado tangencialmente alguna historia;  como si se tratara de la estela de un cometa o de su leyenda.

© Robert Adams

O donde seres anónimos depositaron alguna vez sus ilusiones, donde hablaron sobre sus problemas existenciales en esa rutina diaria que nos toca vivir.

© Boris Savelev

Siempre me quedo un rato, observando inmóvil, aquellos escaparates desiertos y me imagino la película del ajetreo diario comercial de gente y más gente,  anécdotas vitales secuestradas por el tiempo y el olvido.

© Sthepen Shore

Lugares que me transmiten la ausencia de actividad o de cosas y pienso en un paraíso perdido y allí radica, para mi,  el encanto decadente del lugar donde no ocurre nada.

© Navia

“Se podría hablar, por una parte,  de itinerarios, de ejes o de caminos que conducen de un lugar a otro y han sido trazados por los hombres” comenta Marc Augé en su libro Los no lugares, espacios del anonimato.

© Marcelo Caballero

“Por otra parte, - prosigue Augé -  de encrucijadas y de lugares donde los hombres se cruzan, se encuentran y se reúnen, que fueron diseñados a veces con enormes proporciones”.

© Robert Frank

Hasta pronto!

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Luces dramáticas

En fotografía, las luces dramáticas no tienen que explicarse como una tragedia o como una situación al filo de la muerte. El dramatismo en fotografía se traduce en un especial impacto visual donde la luz incide de una forma particular en el color y en la materia transmitiendo emociones encontradas.

Harry Gruyaert las llamaba “luces blancas” y "viven" principalmente en el Meditterráneo tanto europeo como africano. Esas luces dramáticas inciden en la vida cotidiana de su gente y en su geografía. Las luces dramáticas le brindan un pulso vital y peculiar a la región.

Sin embargo, no son fáciles de captar en su verdadera personalidad, tanto en fotografía como en la pintura. Algunos pintores como Caravaggio si lo lograron y consiguieron,  con gran destreza,  plasmar  esas “luces dramáticas” en sus lienzos para la posteridad.

La Vocación de San Mateo (1599 - 1600) Caravaggio.  

Cena de Emaús. 1601. Caravaggio

También Eugène Delacroix encontró esas luces en sus viajes por Marruecos y el sur de España en 1832, maravillándose con sus atmósferas lumínicas y con su color.

Boda judía en Marruecos. 1839. Delacroix

 “Cuando pinto un cuadro, no escribo un pensamiento” señaló el pintor después de su experiencia mediterránea .

Marruecos. Delacroix

Según él, lo que le provoca emoción en un lienzo era poder plasmar esos valores plásticos diferenciales: materia, luz, color.

Las luces dramáticas también las encuentro en muchas fotos de Bruno Barbey, en su querido país natal.

Marruecos © Bruno Barbey

Marruecos © Bruno Barbey

Marruecos © Bruno Barbey

Tánger © Bruno Barbey

O de Navia tras los pasos de Miguel de Cervantes por varios rincones del Meditterráneo.

Villar de Cantos. San Clemente, Cuenca © Navia

Barcelona © Navia

Las luces dramáticas expresan la identidad del Mediterráneo y su entorno. Y como señala el poeta catalán Joan Manuel Serrat en su emblemática canción Nací en el Mediterráneo: “ …yo, que en la piel tengo  el sabor /  amargo del llanto eterno / que han vertido en ti cien pueblos /  de Algeciras a Estambul / para que pintes de azul / sus largas noches de invierno. /  A fuerza de desventuras / tu alma es profunda y oscura. / A tus atardeceres rojos / se acostumbraron mis ojos / como el recodo al camino”.

Hasta pronto!

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Colores mínimos

Siempre me ha gustado, la capacidad de simplificación estética que tienen algunos fotógrafos que utilizan ciertos colores, en cuotas mínimas, para lograr un gran impacto visual.

© Navia

Esa maestría para poder aislar, minimizar colores como pequeñas referencias visuales entre una selva  monocromática, siempre me ha cautivado.

© Saul Leiter

Allí,  en ese tipo de imágenes, uno aprende a entender el importantísimo papel del color en la fotografía. Y cómo con poco, se logra un impacto más fuerte.

© Harry Gruyaert

En ese tipo de imágenes, uno entiende la maestría que tiene el fotógrafo para recortar con su cámara,  ciertas realidades de su entorno en donde se adivinan,  como gotas, los colores cálidos entre tanto, color frío.

© David Alan Harvey

Entre tanta tonalidad gris vs. intensos colores mínimos.

© Boris Savelev

En todo ello se encierra el verdadero valor que toma el color en el lenguaje visual, muchas veces utilizado con total demagogia estética y más que aportar, produce una gran anarquía y camufla el original impacto visual de la fotografía.

© Cristobal Hara

Esos colores mínimos constituyen como una especie de pinchazo a la imagen. Es como señala Roland Barthes: un “punctum”, un “algo” de una fotografía que llama la atención, “es ese azar que en ella me despunta” y surge como una flecha que viene a clavarse.

© Costa Manos

Y “ese punctum” puede llenar la foto como algo íntimo y a menudo innombrable al que solo podemos darle un nombre de color gracias a la luz.

© Dimitri Mellos

 Hasta pronto!

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Los post del año de Miradas Cómplices

Tradicionalmente, en cada finalización de año, publicaba los post más visitados. Por supuesto, que, en esta ocasión, enumeraré algunos de los que más recibieron visitas pero también deseo mostrar los más valorados por mi.

Los más visitados

Algunos apuntes de composición y rincones

de su serie American Puzzles 1967 © Burk Uzzle

Con esta nota inauguré una nueva etapa del blog más centrado en aspectos formales y estéticos de la fotografía documental urbana y en ello sigo en el presente. En la búsqueda constante de nuevos aporte de lenguaje fotográfico.

Planos inesperados

Picado © André Kertesz

“Si se desea enseñar al ojo humano a ver de una forma nueva, es necesario mostrarle los objetos cotidianos y familiares bajo perspectivas y ángulos totalmente inesperados y en situaciones inesperadas” Aleksandr Rodchenko 1928

El vagabundeo y la fotografía

© Mike Brodie

Vagabundear por las calles es una parte muy importante, omnisciente, implícita en la composición fotográfica. Quizás sea la raíz de todo ello…

Los valorados por mi

Sólo una cuestión de formas y de luz

© Harry Gruyaert

Un post que resume algunos comentarios sobre la actualidad de la estética del color y vigencia en la fotografía urbana

Efecto Shibui

Navia

…cada uno de nosotros entabla relaciones emocionales diferentes con las imágenes preferidas y, en este post, deseo mostrar algunas que me produjeron ese “efecto shibui”…

La dictadura de lo horizontal

…lo único que diré es que en el formato vertical, las composiciones tienen una organización de líneas y objetos más restringida que en el formato apaisado y eso le da un valor más conceptual y sugerente a la imagen….

El camino a lo esencial

© Nils Jorgensen

…creo que el gran desafío de la fotografía urbana (aparte de la creación de proyectos diferentes) es tener la capacidad de reducir todo a lo esencial e intencionadamente, saber excluir lo que no aporta o minimiza la potencia visual original...

Les deseo a todos un muy buen comienzo de año 2016. Hasta pronto, queridos amigos cómplices!!

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Algunos apuntes de composición y cuadrados de color

“Hay colores que aparecen en los objetos, y colores que sólo existen en el ojo o la mente”

Johann Wolfgang von Goethe. Teoría del Color. 1810

Josef Albers

Siempre recuerdo una reflexión del fotógrafo con mayúsculas que es José Manuel Navia cuando subrayó en una charla en Barcelona, el año pasado, que las imágenes “no nos están esperando y tampoco huyen de nosotros. No, no. Los que se crean eso están muy equivocados. Las fotografías están en nuestra cabeza”.

Nueva York © Navia

La importancia de esta tan lúcida reflexión tiene nombre y apellido: una manera de aprender a ver.  Allí, en ese intrincado laberinto cognitivo y lúdico está en juego la educación visual que cada uno posee. Y todo ello puede materializarse en un encuadre fotográfico como la célula de identidad del fotógrafo.

Como siempre me interesó el color y como organizarlo dinámicamente en mis composiciones, quiero recomendar encarecidamente un libro de Josef Albers titulado: Interacción del color.

Publicado hace más de 50 años, el libro es muy utilizado por escuelas de diseño de todo el mundo:  los estudiantes lo tienen como bibliografía recomendada y obligatoria.

Para mi este libro escrito con un tono poético sobre el estudio del color no ofrece respuestas concretas. Pero si, algunas aproximaciones que pueden ser útiles para “aprender a ver” los colores.

Y el efecto que producen las diferentes combinaciones de colores y ciertas figuras geométricas como el cuadrado que crean “ilusiones ópticas” y causan un efecto muy diferente en quien los observa. La experiencia, según Albers, es crucial en todo ello.

Voy a extraer algunas frases del libro que son como perlas para intentar reflexionar: 

“El color nos está engañando todo el tiempo. Todo el tiempo, al igual que hacen las mujeres, ya ves, la vida es interesante.”

© Ernst Haas

“En mi libro de colores no hay una nueva teoría del color. Pero, en el mismo, hay una manera de aprender a ver”.

© Saúl Leiter

“Cualquier persona que predice el efecto de colores demuestra que no tiene experiencia con el color”.

En síntesis,  la propuesta de Albers,   repleta de ejercicios  para “aprender a observar” demuestra que la percepción del color es relativa pero que puede ser viable para educar “ las fotografía que están en nuestra cabeza”. 

Hasta pronto!

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Consejos de composición

En una oportunidad, en la presentación del taller que impartió Navia en Catalunya en el 2009, comentó que una foto de Paul Strand realizada en 1917,  simbolizaba el punto de partida de un lenguaje nuevo perteneciente exclusivamente a la fotografía documental y que no tenía que pedirle prestado nada a la pintura como se hacía hasta ese momento.
Publicada en la mítica revista Camera Work, esta fotografía, según Navia, rompía con las líneas en fuga, con los motivos de interés (en este caso se le da importancia artística a un simple reja de madera) y jugaba con distintos planos como si fueran bloques. Y todo en el parte trasera de su propia casa.  

© Paul Strand

Con el tiempo, la fotografía documental maduró y armó una gramática más cualificada, más perfeccionada que vale la pena observar, a través de los conseejos que brinda Steve McCurry en el siguente video. 



Que pasen una buena semana, hasta pronto!



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No disparemos, hablemos de fotografía

El fin de semana pasado, el reconocido fotógrafo español Navia realizó una charla en Barcelona dentro de un ciclo que organiza Objectiu BCN.
Para ello los invitó a que "vean y escuchen" su lúcida conferencia que seguramente no pasará indiferente y generará nuevos planteos, nuevas reflexiones en torno a la fotografía documental contemporánea.

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Los Top 10 de Miradas Cómplices

Mis mejores libros de fotografía del 2013

A través de mi blog,  he realizado un seguimiento exhaustivo de todo lo que se ha publicado este año. 

Y,  de acuerdo a mis gustos o preferencias personales,  confeccioné  una clacificación de los mejores libros o, por lo menos, los que me parecen más importantes por su contribución documental a la fotografía.

En primer lugar ubico a Sergio Larrain (Xavier Barral)

Este libro retrospectivo de toda su obra ha colmado todas mis expectativas. Es sencillamente impresionante. 

Ver más info en el post del 8 de julio

2) Garry Winogrand (San Francisco Museum of Modern Art)

Otro libro retrospectivo muy valorado e imprescindible para entender la obra de este gran fotógrafo de calle

Ver más info en el post del 7 de agosto

3) Dark Knees. Mark Cohen (Xavier Barral)

Para los que no lo conocen, Mark Cohen es el gran outsider de la street photography americana contemporánea. Su trabajo siempre ha sido muy valorado. Otro libro retrospectivo que no puede faltar en ninguna biblioteca.

Ver más info en el post del 18 de octubre

4)Nóstos. Navia (Ediciones Anómalas)

Que decir del fotógrafo español José Manuel Navia que ya no hemos dicho. Un gran libro en la madurez de su carrera. Imprescindible.

Ver más info en el post del 11 de septiembre

5) The Last Roll. Jeff Jacobson (Daylight)

El trabajo más onírico y personal del gran fotógrafo americano que cobra un valor más trascendental ya que fue realizado con las míticas películas Kodachrome, hoy ya fuera de mercado.

Ver más info en el post del 10 de abril

6) Maroc. Harry Gruyaert ( Textuel)

A través de su dominio del color y el espacio, Gruyaert nos muestra en este gran libro su fascinación por Marruecos

Ver más info en el post del 6 de noviembre

  

7) Los inconformistas. Martin Parr  (La Fábrica)

Un gran trabajo temprano de Parr en blanco y negro que documenta la vida tradicional de un pueblo inglés

Ver más info en el post del 18 de septiembre

8) Wall. Josep Koudelka (Xavier Barral)

Trabajo realizado recientemente a lo largo del muro que separa Israel de Palestina. Un ejemplo más del asombroso trabajo que está realizando Koudelka desde hace 25 años con su proyecto de fotografías panóramicas que explora la incidencia humana en el paisaje.

Ver más info en el post del 6 de diciembre

9) The Pigs. Carlos Spottorno (RM)

Según Alec Soth,  Spottorno"da un paso atrás para mostrar en primer plano el declive cultural contemporáneo". Este libro ha sido ganador del Kassel Photobook Festival 2013 y finalista del París Photo - Aperture Foundation Photobook Award 2013.

Ver más info en el post del 30 de septiembre

10)American Color 1962 – 1965. Tony Ray-Jones (Mack)

Libro importante para entender el principio de la carrera de este malogrado joven fotógrafo (falleció a los 30 años en 1971)  que,  para muchos,  es fundamental en la fotografía inglesa contemporánea.

Ver más info en el post del 7 de octubre

Buen fin de semana a todos!!