Campos de color

“Considero el arte como una aventura que nos sustrae a un mundo desconocido. Solo aquellos que por libre voluntad hacen frente a esta aventurada empresa pueden explorar dicho mundo”  Rothko.

(c) Mark Rothko

Aún me sigue conmoviendo y sigue siendo una fuente de inspiración el “color field” (campos de color) de las pinturas de Mark Rothko. Esta forma de trabajar del pintor en “campos de color” te lleva a la emoción más que a la acción, a la fluidez más que al inmovilismo, a lo interno más que a lo externo.

(c) Mark Rothko

Y lo más importante, te redirige a la vitalidad. . En mi caso, a la vitalidad emocional de las calles, llevadas por el color. Algo de todo ello, se encuentra en mi proyecto aún en curso de Colores Humanos.

del proyecto Colores Humanos (c) Marcelo Caballero

La tensión cromática en esos campos de color, el potencial expresivo del color independiente de las formas o líneas, sigue siendo una inspiración útil y significativa para muchos fotógrafos.

(c) Costa Manos

Y además “ esas superficies intactas de color”  me redirigen, como una variante,  hacia la idea visual de la mínima expresión de color: limpio, intacto, con una profunda simbiosis en lo emocional.

(c) Manuel Ibañez

hasta pronto!

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Colores mínimos

Siempre me ha gustado, la capacidad de simplificación estética que tienen algunos fotógrafos que utilizan ciertos colores, en cuotas mínimas, para lograr un gran impacto visual.

© Navia

Esa maestría para poder aislar, minimizar colores como pequeñas referencias visuales entre una selva  monocromática, siempre me ha cautivado.

© Saul Leiter

Allí,  en ese tipo de imágenes, uno aprende a entender el importantísimo papel del color en la fotografía. Y cómo con poco, se logra un impacto más fuerte.

© Harry Gruyaert

En ese tipo de imágenes, uno entiende la maestría que tiene el fotógrafo para recortar con su cámara,  ciertas realidades de su entorno en donde se adivinan,  como gotas, los colores cálidos entre tanto, color frío.

© David Alan Harvey

Entre tanta tonalidad gris vs. intensos colores mínimos.

© Boris Savelev

En todo ello se encierra el verdadero valor que toma el color en el lenguaje visual, muchas veces utilizado con total demagogia estética y más que aportar, produce una gran anarquía y camufla el original impacto visual de la fotografía.

© Cristobal Hara

Esos colores mínimos constituyen como una especie de pinchazo a la imagen. Es como señala Roland Barthes: un “punctum”, un “algo” de una fotografía que llama la atención, “es ese azar que en ella me despunta” y surge como una flecha que viene a clavarse.

© Costa Manos

Y “ese punctum” puede llenar la foto como algo íntimo y a menudo innombrable al que solo podemos darle un nombre de color gracias a la luz.

© Dimitri Mellos

 Hasta pronto!

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Espectadores que interrogan

Hoy comienzo el año con apuntes de filosofía fotográfica de mis lecturas navideñas; y, entre ellas,  deseo centrarme en una frase de Constantine Manos del prefacio de American Color 2 (2009) que señala que: “mis imágenes favoritas son las que hacen preguntas y plantean problemas, pero dejan las respuestas y soluciones al espectador”.

de American Color 2 @ Costa Manos

Es cierto que es una frase muchas veces oída de grandes fotógrafos. Pero no viene mal, redimensionarla en estos tiempos. Me abre un abanico  de reflexiones importantes a la hora de pensar qué es lo que queremos hacer en la fotografía. O, bien, que significa la fotografía  para quien las consume, en la actual vorágine visual en que vivimos.

de American Color 2 @ Costa Manos

Una imagen que denote todo, que no deje margen a la incertidumbre, que sea de lo más descriptiva,  son fotografías que, con el paso del tiempo, envejecen rápido. Igual que esas imágenes de humor fácil o que contienen ciertos toques inverosímiles o llamativos,  tienen poco recorrido visual. De eso, dan cuenta,  cientos de miles de fotografías que proliferan cada día por las redes sociales.

Parece apocalíptico, todo esto, no? Pero vale la pena, pararse un poco, para ver donde estamos situados y así analizar ciertos caminos a tomar.

© Ray Metzker

A mi me gustan las fotos que jueguen con pocos elementos y “sugerir más que mostrar”.  Me vienen  a la cabeza, algunos “históricos” como Fan Ho o Ray Metzer. Para ellos, el adecuado y minimalista juego de exclusión e inclusión de elementos visuales en el rectángulo del fotograma, es crucial.  “Estas son las imágenes en la que la fotografía trasciende el tema para convertirse en sujeto” comenta en el mismo prefacio Costa Manos.

© Fan Ho

Otra reflexión que deriva de esa frase inicial es que muchas veces pensamos que uno hace las fotografías para su propia satisfacción. Eso es una verdad a medias. La fotografía es social, comunica, interpela, busca la interacción. Por ese motivo, la satisfacción plena,  es que entre en complicidad con quien la observa y plantee interrogantes. Y si esa complicidad se produce 50 años después de haberse documentado,  como me pasa con las fotografías de estos dos grandes, quiere decir que no han envejecido. ¿Por qué ocurre ello?

Esos interrogantes, en la actualidad, son más difíciles de encontrar y de entender. Ya que el espectador vive inmerso en una gran escenografía visual, donde todo vale y donde ya no importa la veracidad del documento visual. Lo que interesa, es lo que simboliza. Y por eso, el espectador manda. En este sentido, ya no interesa que la fotografía guste a los académicos, galeristas o especialistas. Debe adecuarse a las nuevas exigencias o gustos que el espectador plantea.

Y en ese plano, los caminos están llenos de incertidumbres pero parecen mucho más fértiles. Ya veremos....

Buen fin de semana!


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Luz, oscuridad, minimalismo

"El oído es mudo, la boca está sorda; pero el ojo percibe y habla. En él se refleja, desde el exterior, el mundo y, desde el interior, el hombre”

Johann Wolfang Von Goethe

de mi proyecto Colores Humanos. Figueres 2012 

Goethe con una cámara en sus manos, no habría dudado en realizar imágenes a color (si la tecnología se lo hubiera permitido a principios del siglo XIX) y tampoco hubiera dudado en realizar fuertes claros oscuros y así dotar a sus imaginarias fotografías de ciertas atmósferas como la frase escrita al principio de este post.

El triángulo de Goethe

Este gran poeta, novelista y científico alemán investigó el color de una manera obsesiva y lo sintetizó en un famoso triángulo que lleva su apellido. “Probablemente es el sistema más condensado y claro de presentación de un orden esencial dentro del vasto mundo del color” señalaba Josef Albers, un prestigioso profesor de la Bauhaus. “Dentro de las dos dimensiones de un triángulo equilátero, hay tres primarios, 3 secundarios e, inesperadamente, 3 terciarios, todos ellos muy sensatamente colocados”

Y Goethe también señalaba que el color comienza a aparecer en el límite entre la luz y la oscuridad. 

© Harry Gruyaert

La luz es materia y la oscuridad espacio, y en esa oposición permanente, nacen los colores tal como los describió en ese famoso triángulo, fundamental para entender el orden esencial del color en nuestro entorno.

© Fred Herzog

Siempre me ha gustado observar imágenes con esos difusos límites donde la luz y la oscuridad corretean absolutas; y en donde se generan ciertos minimalismos tan atractivos que se potencian con la utilización de colores más fuertes (ubicados a partir de los vértices con sus variantes cromáticas) del triángulo de Goethe.

© Ernst Haas

Toda una lógica para entender como utilizar el color en ciertas composiciones y potenciar aún más donde se materializa la luz cuando choca con ciertos objetos.

Y también, toda una lógica,  para poder maravillarnos con el color y la vida.

© Costa Manos

Hasta pronto!

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¿Color o blanco y negro?,¿ vale la pena esta pregunta?

Hoy me voy a poner un poco en juez porque últimamente vivo bastante preocupado por los caminos que está tomando la fotografía y en especial, la urbana. En mis talleres de fotografía siempre me enfrento con el longevo problema de los alumnos que dudan a la hora de hacer fotos a color o blanco y negro. Y siempre les digo que no es un problema de actitud, sino de tomar ciertas decisiones previas al acto fotográfico.

Desde mi punto de vista,  esas “decisiones previas” facilitan el hacer imágenes; para que el fotógrafo deje fluir naturalmente su curiosidad visual sabiendo perfectamente que,  según la elección cromática, la forma de mirar será distinta. Y eso será un problema menos, sin prejuicios de composición.

Sin embargo,  lo que  más me preocupa y,  por experiencia lo digo, es que el fotógrafo transforme en monocromático,  una imagen pensada en color y lo haga luego en la edición. Y esa es la peor decisión que pueda tomar porque no asume que hay un problema y se convierte en algo tóxico para su trabajo .

Para mi,  el lenguaje fotográfico es algo serio como la decisión de hacer fotografías a color después de pasar largas estancias en el blanco y negro. Existen muchas decisiones fundamentales para llegar a ese convencimiento. Y no lo veo serio que alguien cambie de cromatismos porque “queda mejor”.  Un consejo: no debemos acostumbrarnos a tomar esas decisiones tan a la ligera. Repito, el lenguaje fotográfico es algo serio.

Voy a poner el ejemplo de dos fotógrafos: Alex Webb y Costa Manos que han pasado del blanco y negro al color y en la evolución de sus carreras fotográficas se puede entender porque han tomado esas decisiones que finalmente influyeron en su manera de componer.

de su proyecto sobre los griegos realizado en la década del '60. © Costa Manos

de su trabajo American Color que recoje sus trabajos a color realizado en la década del '70 © Costa Manos

Ciudad Juárez, Mëxico 1978. Un año después comenzaría a trabajar a color © Alex Webb

Grenada 1979 © Alex Webb

Espero vuestras reflexiones. Quizás entre todos podamos aportar un granito de arena de entendimiento. Hasta pronto!


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Cuestiones de fondo

El fondo “no forma la parte importante de la escena pero condiciona la imagen, sobre todo en color...y cualquier trozo de color puro cobra un protagonismo exagerado” señala el fotógrafo español Cristobal Hara en una entrevista publicada en Dalpine.

Vale la pena profundizar sobre esta idea de Hara. Y lo subrayo, debido a que últimamente observo  que ,  muchos entusiastas de la fotografía urbana actual, se olvidan de ello,  en función de la escena principal. Y el fondo ( principalmente en el color) no es sólo un lugar de contexto azaroso sino que su carácter cromático incide en la narración visual de la imagen de una manera directa. Y en eso hay que reflexionar.

“Yo trabajo de atrás hacia adelante – dice Hara en la presentación de sus talleres – no de adelante hacia atrás. Hago todo lo contrario de lo que hay que hacer en fotoperiodismo. De hecho, si me tocara cubrir una manifestación, iría mucho antes a explorar la zona para tener los fondos controlados y esperaría a que los manifestantes y los policías se pegasen en los fondos que yo he elegido”.

Un ejemplo es la tapa de su libro Vanitas donde primero eligió el fondo y luego espero a que pasara la protagonista de la foto.

Es tan importante el fondo que el cineasta y fotógrafo Wim Wenders, antes de comenzar el rodaje de  su famosa película Paris Texas, salió a fotografíar fondos en lugares donde haría el film,  cautivado por la luz saturada del paisaje desértico del sur de Estados Unidos.

imagen incluida en su libro Wim Wenders: Written in the west. Revisited

Tomemos algunos ejemplos de grandes maestros del color para apreciar el valor del fondo cromático,  que emerge con un valor agregado y le da un plus semántico importante a la escena.

© Jeff Jacobson

© Mark Cohen

© Harry Gruyaert

© Alex Webb

© Costa Manos

Hasta pronto!

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Costa Manos en sí mismo

del libro American Color 2 © Costa Manos

De padres inmigrantes griegos, Constantine Manos nació en 1935 en el sur de Estados Unidos, más precisamente en Carolina del Sur.  

del libro Bostonians © Costa Manos

Se crió en un época marcada por la lucha de los derechos civiles de los afroamericanos, las reminiscencias de blues y gospel entre sus calles y la melancolía del exilio griego.

del libro A Greek Portfolio © Costa Manos

En 1965 se convirtió en miembro de Magnum y su vida profesional cambió para siempre.

En año pasado, Manos en colaboración con Magnum elaboró un documental  donde narra (junto con imágenes suyas) historias personales relacionadas con la lucha contra la segregación en el sur americano a la vida en Grecia y su trabajo posterior en toda USA que realizó a color.

Buen fin de semana a todos!! Hasta el lunes!