Cuando el color anticipa una gran película

La pintura expresionista abstracta estimuló a muchos fotógrafos durante la década del ’50 del siglo pasado a explorar la cotidianeidad urbana y transformarlas, gracias al buen uso del color,   en polisémicas confusiones cromáticas que incentivaba de buen grado, la inmersión del imaginario en la realidad.

Ejemplo de ello, son muchas de las escenas extraordinarias que lograban fotógrafos como Ernst Haas, Saul Leiter, Peter Cornelius o Fred Herzog.

(c) Erwin Fieger. Londres

En este selecto grupo de pioneros de la fotografía a color expresionista debemos incluir por méritos propios a  Erwin Fieger quien estaba explorando las posibilidades de la película diapositiva Agfa y había hecho un gran trabajo en las calles en Londres a principios de la década del ’60.

Ese trabajo fue publicado en London: City of any Dream(1962)

(c) Erwin Fieger. Londres

Tanto la portada como varias imágenes expresionistas de Fieger que aparecen en ese gran libro (actualmente muy difícil de conseguir) resultaron muy cautivadores para el director de cine Michelángelo Antonioni que estaba experimentando con el color en sus nuevas películas.

Fotograma del film Blow Up

Antonioni utilizó la estética y la textura cromática de Fieger para cristalizar ciertas atmósferas de las calles londinenses en Blow Up (1966).

Hasta pronto!

Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

Armonía en el caos

En los talleres que imparto, muchos participantes siempre me hacen la misma reflexión luego de las habituales prácticas urbanas: “ahora me doy cuenta que no es fácil hacer una fotografía urbana”.

© Peter Turnley

Pasan muchas cosas en los espacios públicos, a cada rato, en cada momento. No es fácil descubrir la armonía en el caos y aislarla, en milésimas de segundos, a través del rectángulo de una cámara. Y que, además, tenga potencia visual. 

No es fácil explicar en palabras,  la armonía en una fotografía. Por eso lo dejo a Italo Calvino que desarrolle mejor la idea a través de una métafora encontrada en su libro Las Ciudades Invisibles: “ la ciudad no cuenta su pasado, lo contiene como las líneas de una mano, escrito en las esquinas de las calles, en las rejas de las ventanas, en los pasamanos de los pararrayos, en las astas de la bandera, cada segmento surcado a su vez por arañazos, muescas, incisiones, comas”. Y entre todo ello, la gente o su ausencia".

Vamos a visualizar ello a través de algunas de sus “palabras metafóricas”…

La repetición de comas (como dice el gran maestro italiano), en su más amplio sentido visual de líneas o colores, van por ese camino armónico.

© Graciela Magnoni

La Habana © Raúl Cañibano Ercilla

Un desorden de “muescas, incisiones y comas” parecen perderse en el encuadre, sólo se necesita una observación más detenida para encontrar su armonía.

© María Plotnikova

La armonía “escrita en las esquinas de las calles” resaltan la planitud de la superficie.

© Alison McCauley

© Harry Gruyaert

"En las rejas de la ventana" como un contrapunto aparece una armonía visual.

© Fred Herzog

Hasta pronto!

Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

Ventanas de composición

 Recurrir a ventanas como si se trataran de marcos o bordes dentro del rectángulo de visión de la cámara siempre ha sido un recurso saludable de composición.

Como siempre hago, acudo a la mirada de los “grandes” para encontrar el hilo de esta útil e interesante madeja de recursos compositivos.

© Marc Riboud

Marc Riboud utiliza este tipo de ventanas (con varias ventanillas) para aislar y sugerir varias historias visuales. Debo confesar que esta imagen es una de mis favoritas y un gran ejemplo para este tipo de recurso.

Nueva York 1963 © Tony Ray Jones 

Tony Ray Jones lo utiliza de la misma manera que Riboud pero para contar historias encuadradas de una manera más “lingüística”,  apelando al tamaño de letras, carteles publicitarios, colores, bodegones, etc.

© Fred Herzog

Una visión muy antropológica se puede apreciar en el abanico de ventanas retratos ante el gran ventanal de esta peluquería de Vancouver,  fotografiada por Fred Herzog.

A Herzog también le gusta sugerir a través de los marcos de las ventanas.

© Fred Herzog

Un recurso también utilizado por su contemporáneo Saul Leiter. 

© Saul Leiter

Leiter utiliza las ventanas de los autos para resaltar elementos a través del color y, a su vez, crear cierta tensión a través de lo “no visible”.

© Saul Leiter

Por otro lado, Lee Friedlander utiliza las ventanas de un teléfono público para aislar ciertos elementos que lo hacen más interesante y sugerente.

© Lee Friedlander

Henri Cartier Bresson el más clásico de todos los nombrados, utiliza los marcos para resaltar los retratos.

© Henri Cartier Bresson

 Y hasta se aventura a través del marco de una bicicleta.

© Henri Cartier Bresson

El Joel Meyerowitz de los primeros tiempos (en blanco y negro) también utilizaba el recurso clásico de Cartier Bresson para los retratos.

Nueva York, principios de la década del '60 del siglo pasado © Joel Meyerowitz

Este recurso tradicional es utilizado en muchas ocasiones por Lee Friedlander.

© Lee Friedlander

O por Tony Ray Jones.

© Tony Ray Jones

Alex Webb va un poco más allá y recurre a ventanas (en este caso espejos) para crear la sensación de distintos planos.

© Alex Webb

Webb también recurre a ventanas pictóricas para establecer la idea del discurrir del tiempo, el presente y el pasado de un bar. Un exquisito uso de este recurso.

© Alex Webb

Y así podríamos dar una infinidad de ejemplos de muchos fotógrafos que excederían la longitud de este post. Intenten en sus ratos libres buscar más ejemplos. Es bueno para vuestra cultura visual y recuerden:  que el uso de ventanas (marcos de cualquier mampostería urbana) pueden acentuar, resaltar, aislar o sugerir elementos de una forma creativa y así dotar a vuestra composición urbana de más profundidad de recursos.

Hasta pronto!

Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

Olas rítmicas urbanas

En el momento previo, cuando “cocino” en mi entorno alguna imagen que deseo plasmar con mi cámara, pienso, sin darme cuenta, en el ritmo visual. El ritmo se expresa visualmente en el juego armónico de líneas, recurrentes, organizadas que favorecen la lectura de una imagen compleja.

© Charles Harbutt

© Ramón Masats

También se asocia a repeticiones y a rupturas. Allí radica parte de la potencia visual del ritmo.

Kabul © Gueorgui Pinkhassov

La asimetría en los paralelismos también contagia de un ritmo especial a la fotografía.

© Alex Webb

Y,  para los coloristas, la adecuada asociación cromática crea ritmos ciertamente armónicos.

© Fred Herzog

Una fotografía que posee ritmo visual, transmite fluidez, armonía. Siempre lo asocio con el movimientos de las olas, como si se tratara de un continuo eterno, de un ir y venir de formas, líneas y proporciones.

© Alex Webb

Las redondeces dan estabilidad a la imagen junto como también las proporciones triangulares que brindan profundidad de campo.

© Harry Gruyaert

El paisaje urbano es un espacio rico en olas rítmicas. Suelo ir por las calles, cantando bajito, al ritmo de una melodía que me ayuda a organizar lo que observo. Pienso que le da sustancia, esencia al disfrute de la fotografía.

Figueres 2016

Hasta pronto!

Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

Luz, oscuridad, minimalismo

"El oído es mudo, la boca está sorda; pero el ojo percibe y habla. En él se refleja, desde el exterior, el mundo y, desde el interior, el hombre”

Johann Wolfang Von Goethe

de mi proyecto Colores Humanos. Figueres 2012 

Goethe con una cámara en sus manos, no habría dudado en realizar imágenes a color (si la tecnología se lo hubiera permitido a principios del siglo XIX) y tampoco hubiera dudado en realizar fuertes claros oscuros y así dotar a sus imaginarias fotografías de ciertas atmósferas como la frase escrita al principio de este post.

El triángulo de Goethe

Este gran poeta, novelista y científico alemán investigó el color de una manera obsesiva y lo sintetizó en un famoso triángulo que lleva su apellido. “Probablemente es el sistema más condensado y claro de presentación de un orden esencial dentro del vasto mundo del color” señalaba Josef Albers, un prestigioso profesor de la Bauhaus. “Dentro de las dos dimensiones de un triángulo equilátero, hay tres primarios, 3 secundarios e, inesperadamente, 3 terciarios, todos ellos muy sensatamente colocados”

Y Goethe también señalaba que el color comienza a aparecer en el límite entre la luz y la oscuridad. 

© Harry Gruyaert

La luz es materia y la oscuridad espacio, y en esa oposición permanente, nacen los colores tal como los describió en ese famoso triángulo, fundamental para entender el orden esencial del color en nuestro entorno.

© Fred Herzog

Siempre me ha gustado observar imágenes con esos difusos límites donde la luz y la oscuridad corretean absolutas; y en donde se generan ciertos minimalismos tan atractivos que se potencian con la utilización de colores más fuertes (ubicados a partir de los vértices con sus variantes cromáticas) del triángulo de Goethe.

© Ernst Haas

Toda una lógica para entender como utilizar el color en ciertas composiciones y potenciar aún más donde se materializa la luz cuando choca con ciertos objetos.

Y también, toda una lógica,  para poder maravillarnos con el color y la vida.

© Costa Manos

Hasta pronto!

Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

Un fotógrafo de acción surrealista

© Mark Cohen

Al fotógrafo Mark Cohen le gustaba autodefinirse así mientras deambulaba por las calles de su ciudad, Wilkes-Barres en el estado de Pennsylvania (USA).

 Este fotógrafo norteamericano también es considerado un pionero en el uso del color en la fotografía de calle como se puede apreciar en su libro: True Color, cuya primera edición es del 2007 pero las fotografías corresponden a la década de los 70' del siglo pasado.

Al igual que otros fotógrafos urbanos como Fred Herzog en Vancouver, Ray Metzker en Chicago o Bruce Wrighton en Binghamton (New York);  Cohen captura en el libro,  los rostros y las acciones de lo cotidiano de las calles de esta ciudad minera que había ganado muy mala fama luego del desastre la mina Knox. 

© Mark Cohen 

Quiero recordar que Cohen ganó en dos ocasiones la beca Guggenheim y recibió una subvención del Fondo Nacional de las Artes en 1975

© Mark Cohen 

En el plano compositivo, a Cohen le gustaba capturar detalles de algunas partes del cuerpo. Y en muchos casos, los personajes retratados salían recortados, sin cabezas o a mitad de cuerpo.

© Mark Cohen 

¿Quieren ver en acción a este street photographer en la década del 70'? aquí tienen un excelente video de sus callejeos por las calles de su ciudad.

Un abrazo y hasta el viernes!!

Herzog llena de color a Vancouver

Vancouver 1961 © Fred Herzog

Había comentado en varios post que Fred Herzog como Saúl Leiter están de moda. En el caso de Herzog  y paralelo a la exposición que se está realizando en Alemania sobre su obra; también en Vancouver, se inauguró el 28 de enero de este año una gran retrospectiva que durará hasta el 31 de marzo.

“ Su manejo virtuoso del color es una evidencia temprana ( Herzog empezó a usar Kodachrome en 1953)  que la fotografía en color se rige por sus propios principios y que el color es tan importante para el impacto de una fotografía como su composición y contenido” señala la escritora Claudia Gochman  que prologó su reciente libro Photographs.

La televisión pública de Canadá (CBS / Radio - Canadá) emitió ayer, a través de su programa Viewfinder, un reportaje muy interesante que muestra parte de la exposición organizada en Equinox Gallery y, entre otras cosas,  habla el gran protagonista: Fred Herzog. uno de los más importantes pioneros del color y de la street photography.

Es particularmente interesante lo que se muestra en los últimos instantes del video. Allí se comparan escenas con 50 años de diferencia, a partir de las fotografías de Herzog. Y ello encierra uno de los aspectos más cautivantes para mí del ejercicio de la street photography a largo plazo: mostrar la evolución del alma de una ciudad.

PD: quiero agradecer a uno de nuestros compañeros de Calle 35: el street photographer Martín Molinero que me pasó la información de dicho evento.

Muchas gracias y hasta el viernes!!!

El fotógrafo que sabía deconstruir

En el anterior post había hablado tangencialmente de Ray Metzker ya que fue una gran influencia temprana del fotógrafo de Magnum, Alex Webb.

incluido en Light Lines © Ray Metzker

Metzker brilló con luz propia hace unos 50 años y creo, sin lugar a dudas, que su obra es una de las más originales de mediados del siglo XX en la fotografía documental.

incluido en Light Lines ©  Ray Metzker

Un dato que resulta curioso es que Metzker es ampliamente conocido en Estados Unidos pero no en Europa. Quizás todo ello se deba a  un problema antagónico de intereses editorialistas, galeristas o de gustos del momento en el mundo de la fotografía que bien merece la pena reflexionar en profundidad más adelante.
A propósito de ello, quiero recordar  también que otros fotógrafos documentalistas ( a los cuales llamo los Desconodidos de Siempre)  han encontrado una cierta reivindicación editorialista en los últimos tiempos en Europa como son Saul Leiter, Fred Herzog, Louis Stettner y otros.
Por  eso el trabajo de rescate de grandes autores olvidados que hace la Editorial Steidl  en la actualidad es digno de mencionar .

Steidl publicó en el 2008 un gran libro recopilatorio de Metzker titulado: Light Lines.
Allí se pueden encontrar más de 200 imágenes del fotógrafo en más de 50 años de trabajo visual. Además,  el libro cuenta con  una entrevista al autor realizada por la prestigiosa historiadora de arte:  Nathalie Herschdorfer y el prólogo está escrito por el director del Musée de l’Elysée de Laussana (Suiza):  William A. Ewing.

Atlantic City 1966 © Ray Metzker

Sus fotografías de calle giran generalmente por ciudades norteamericanas y especialmente por Filadelfia y Chicago. Metzker no ha sentido nunca la necesidad de viajar a lugares exóticos para buscar inspiración aunque ha fotografiado en varias ocasiones, ciudades europeas.

Chicago 1958 © Ray Metzker   

© Ray Metzker 

Educado entre 1956 y 1959 en el Art Institute de Chicago, también conocido en su momento como la Nueva Bauhaus. Metzker heredó el rico vocabulario de los enfoques e ideas que habían definido la fotografía de vanguardia entre las dos guerras: el fotomontaje, la solarización, diagonales, perspectivas únicas, etc.

Filadelfia 1963 © Ray Metzker 

La descomposición, recomposición, deconstruir, reconstruir eran y son sus habituales estrategias visuales en sus imágenes en blanco y negro.

Filadelfia 1964 © Ray Metzker 

Con más de 80 años, Metzker aún sale a la calle en busca de imágenes para deconstruir la realidad que lo circunda. Aquí abajo algunos ejemplos de sus recientes fotografías:

Filadelfia 2004 © Ray Metzker 

Filadelfia 2009 © Ray Metzker 

 

Filadelfia 2009 © Ray Metzker 

Nos vemos el miércoles!!