Imágenes que detienen el tiempo

Siempre que hablamos de pioneros de la fotografía documental a color, nos referimos al American New Color (Eggleston, Meyerowitz, Walker, Shore y otros). Y eso es faltar a toda la verdad. En ese sentido me gustaría hacer una honorable mención: Luigi Ghirri.

Poco conocido fuera de Italia y contemporáneo a estos ilustres fotógrafos americanos, Ghirri publicó en 1978: Kodachrome, un libro de referencia en la fotografía contemporánea.

(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

"Ghirri produjo fotografías en color en un momento en que las imágenes a color se asociaban en gran medida con los medios de comunicación: anuncios publicitarios, valles publicitarias, revistas y periódicos. Sus yuxtaposiciones a lo largo de Kodachrome provocan preguntas sobre cómo consumimos imágenes" señala Allie Haeusslein, directora de la prestigiosa galería Pier 24 Photography de San Francisco.

(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

Uno de los puntos que más me atrae a simple vista del libro es su estética de colores suaves, pasteles; alejada de los colores fuertes y saturados de sus contemporáneos americanos.

Luego, en una mirada más atenta, descubro gratamente que las fotografías de este trabajo están unidas sólo por cuestiones estrictamente visuales. El autor busca "rimas" de cada "verso / imagen" que unido a la estética, lo hacen claramente poético.

(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

Kodachrome te invita a verlo, una y otra vez, con tranquilidad y en donde siempre descubrís algo nuevo, una sugerencia nueva. En otras palabras, no cansa, no se agota en una sola ojeada.

Este trabajo tiene para mi, una cierta carga atemporal y hasta metafísica de los entornos cotidianos. Ghirri reconoció tener una gran influencia en pintores metafísicos como De Chirico y Morandi.

(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

"Las imágenes de Ghirri son tranquilas y misteriosas, un poco fuera de su alcance, como sus libros. Su constelación de temas favoritos es distinta: mapas, paisajes, ventanas, naturaleza muerta, interiores, niebla, el mar, los objetos en los estudios de los artistas, gente oscurecida de alguna manera. Y muchas imágenes que ponen a prueba la división entre el mundo y una imagen del mundo (murales, miniaturas, postales), a menudo con un brillo irónico. Sientes que en cada imagen hay más de lo que parece, pero la sensación permanece sin resolver" señala el critico de Lens,  Teju Cole.

hasta pronto!

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No soy de aquí... no soy de acá

Este año el fotógrafo Gustavo Alemán publicó un interesante libro que retrata, a través de una onírica búsqueda antropológica, sus sentimientos hacia su tierra: Murcia.

Se trata de (No) soy de aquí y me parece una  propuesta muy interesante que, como si se tratara de una versión española de la American New Color (Eggleston, Shore y otros), el autor vagabundea  con su ojo crítico por distintos espacios públicos de su tierra.

© Gustavo Alemán

El libro nace de un malestar tenue pero persistente, del sentimiento de extrañeza ante lo que me rodea y de la dualidad rechazo / atracción que genera en mi este territorio. Este trabajo explora ese malestar y de mis creencias sobre Murcia, mi región” señala Alemán en su página web.

© Gustavo Alemán

“Mi Murcia es un lugar grotesco e informe, inseguro de su identidad. Los signos y portentos que retrato en mi camino son para mi la expresión más profunda de esta falta de indentidad”.

© Gustavo Alemán

Recordemos que el libro fue presentado en septiembre de este año junto con una exposición realizada en la sala Kursala de Cádiz.  

Buen fin de semana!!

El fotógrafo postmoderno

Así lo define el director de fotografía del Museo de Arte moderno francés, Quentin Bajac a Martin Parr en un libro publicado recientemente por La Fábrica, donde el fotógrafo se explaya por primera vez en el género del libro.
En un interesante y didáctico diálogo, el director francés deja claro que Parr tiene evidentemente una singular visión del mundo contemporáneo, “integrado en forma parcial” a la sociedad.
“Parr – según Bajac – todavía se esfuerza en mantener una distancia crítica en el interior del sistema de los media. Puesto que los fotógrafos ya no tratan de cambiar el mundo. Todavía parece posible desarrollar una guerra de guerrillas en contra de la propaganda de las imágenes con la condición de luchar en igualdad de armas”. (pág. 13)
Uno al mirar sus imágenes,  parece estar frente a un guerrillero de la clase media burguesa. Y en este sentido, el fotógrafo británico genera debates, controversias pero jamás indiferencia.
Parr,  durante la entrevista,  describe que desde un principio toma grandes riesgos profesionales ya que la mayoría de los fotógrafos documentalistas de su época se centran en los márgenes de la sociedad. Y él se basa en las clases medias, el ocio, las prácticas consumistas de masa y en los objetos de consumo. Lugar al que él mismo pertenecía.


New Brighton - Inglaterra, 1983 - 1985. De: Last Resort

En el libro hay un montón de “perlitas” que valen la pena mencionar en este post. Y, de alguna manera, el texto puede verse como un ejemplo educativo de cómo sobrevivir y hacerse un camino en el siempre dificil mundo de la fotografía. Creo que allí está la clave de este libro.
Martín Parr comenta que, en los sesenta del siglo pasado, en Inglaterra no habían verdaderas escuelas de fotografía y era muy difícil encontrar referencias de fotógrafos documentales. Pero apareció en sus manos la revista "Creative Camera" que le cambió la vida. Allí descubrió a Garry Winogrand, Lee Friedlander.
Luego le influyó notablemente William Eggleston. “Pero la primera persona que realmente me hizo cambiar el chip fue Joel Meyerowitz”. (pàg. 48)
“Recuerdo que a Creative Camera no le era fácil publicar en color porque había una actitud muy contraria a ello”. (pág. 48)
 Y al Parr de esa época como a tantos otros, hacer imágenes en blanco y negro era sinónimo de ser un fotógrafo “serio” .(pág. 42).



New Brighton, Inglaterra, 1983 - 1985. De: The Last Resort

 El actual miemnbro de Magnum cuenta que la primer muestra de fotografía en color de un fotógrafo contemporáneo británico en una galería la realizó Peter Mitchell en 1979.
Y desde allí comienza a pensar seriamente en dejar el blanco y negro.
“Pensaba que las imágenes en color transmitían más información, eran más vistosas. Me gustaban más, sin más. Creo que el cambio al color fue inevitable. Tuvo lugar en 1982, cuando compré una Plaubel gran angular” (pág. 47)
Luego vino su viaje al Festival de Arlés en 1986 y su primer trabajo en color, Last Resort,  lo consagró definitivamente. Allí se produjo un hito en la historia de la fotografía documentalista en color.
“De repente supe que así podría ganarme la vida, viajando fuera de Inglaterra. (pág. 48)
“En Francia me conocen más que en Inglaterra…se debe en gran parte al hecho de que la fotografía es una actividad mucho más importante, más cultural, en Francia que en nuestro país” señala Martín Parr (pág. 48).

 Hollywood  - Los Angeles - EEUU. 2000

Y para terminar les cuento la última perlita. Ya que deseo dejar el resto del libro para que los descubran vosotros ya que vale la pena darse una vuelta por sus páginas y, además, tiene un precio accesible. Muy recomendable.
Esa perlita tiene que ver con la pregunta si la gente fotografiada es consciente de su presencia.
A lo que Parr responde que “en ese momento (Last Resort) utilizaba una cámara grande con flash y yo me colocaba muy cerca de la gente y les hablaba. La gente de Liverpool es muy simpática (él vivía allí). Algunas veces surgía algún problema, pero es algo que se termina olvidando. La mayor parte del tiempo mantenía charlas agradables con la gente, otras veces, no. En esos casos hacía mis fotos y me iba, sin más. El único momento que preparo fotografías es en los retratos y en los reportajes de moda” (pág 53)


Hasta pronto!!