El fotógrafo y su identidad fotográfica

“Yo no decido la lectura que hay que hacer de mis fotografías. Cuanto más ambigua es la foto, mejor es. De otro modo, sería propaganda” señala Leonard Freed.

(c) Leonard Freed. Amsterdam, 1964

“Me gusta evocar la idea de hilo conductor de estos lugares invisibles relacionando a los personajes entre sí y con su ambiente: gestos interrumpidos, roces, contactos….Todo eso me fascina. La realidad es mi partitura, y a partir de ella mi mirada improvisa” comenta Guy Le Querrec.

(c) Guy Le Querrec. Francia 1973

“En la relación que mantengo con la escritura – señala Patrick Zachmann – así como en la utilización que hago de los diferentes formatos fotográficos, existe un reconocimiento y una aceptación de los límites de la fotografía. Algunos fotógrafos se contentan con la propia fuerza de la fotografía. A mi esto no me basta. Deseo expresar cosas con las imágenes, pero también introducir lo que está fuera del campo focal, es decir, lo que no he sabido o no he podido fotografiar. La fotografía no lo dice todo”.

 (c) Patrick Sachmann. Budapest, 2004

“Un joven fotógrafo – dice Raymond Depardon – debe tener consciencia y valor para fotografiar su vida. Es una obligación muy dura porque lo acusarán de ocuparse sólo de si mismo, pero creo que, cuando de habla de uno, se habla también de nosotros”.

(c) Raymond Depardon. Glasgow, 1980

En este sentido, Paolo Pelegrini apunta que “hacer fotos consiste no sólo en ser testigo de una serie de hechos, sino también en filtrarlos a través de la experiencia personal. Suele interesarme más la fotografía <inacabada>: una imagen alusiva, capaz de provocar diálogos y conversaciones. Existen fotografías cerradas, acabadas, que nos prohíben hacer nuevos viajes”.

(c) Paolo Pelegrin. Ciudad Juarez 2011

Hasta pronto!

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El valor de los rincones

(c) Sergio Larrain. Londres 1958, 1959

Cuando observé por primera vez esta fotografía de Sergio Larrain – de su trabajo realizado en Londres entre 1958 y 1959 - , comencé a entender el valor y el sentido de composición que ofrecen los rincones. Y me pareció una eficaz forma de componer que lleva al fotógrafo a meterse más en la escena.

(c) Nikos Economopoulos. De su proyecto Grecia.

Darle importancia a los rincones de un encuadre, es redimensionar el valor de las diagonales y crean una sensación de mayor amplitud visual, dinamismo y profundidad de campo.

(c) Nikos Economopoulos. Tanzania, 2013

Darle protagonismo a los rincones es entrar en una composición más inestable, más imprevisible. Pero más fresca y vital. Y ayuda a entender "lo otro" que ocurre en la escena. 

(c) David Alan Harvey

Esta distribución espacial, con mayor hincapié en los rincones,  crea nuevas dimensiones de los objetos y “sugiere” una mayor continuidad con lo que está “afuera” del encuadre.

El protagonismo de los rincones, descentraliza la escena; le brinda menos protagonismo al instante decisivo y transmite una mayor tensión latente a la escena. Desde mi punto de vista, mucho más sugerente y más imaginativa.

(c) Raghubir Singh. Bombay

Hasta pronto!

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Ritmos intersticiales de color

Siempre me cautivó como algunos fotógrafo logran, a través de la repetición cromática, un ritmo visual inigualable que se percibe como una sucesión de impulsos dinámicos que “al romperse”, se produce un contrapunto visual de singular belleza y potencia visual.

(c) Jodi Cobb

Esos contrapuntos resultan tan decisivos como plásticos y actúan como espacios intersticiales del ritmo cromático y le otorga dinamismo a su existencia.

(c) Steve McCurry

El ritmo del color, en contraposición del ritmo de las líneas y las formas, responde a otras exigencias de la composición. El ritmo cromático puede responder a contrapuntos de colores cálidos y fríos que, aparte de brindar profundidad de campo a la escena; la convierte en un campo fértil de exploración compositiva.

(c) Jodi Cobb. Nueva York

Que se incluye y que se excluye del encuadre, siempre modificará la potencia del ritmo cromático, como si intentáramos escuchar en una improvisación de jazz, su ritmo percusivo. Y allí está su dificultad y su disfrute.

(c) Harry Gruyaert

Hasta pronto!

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Junto al color de trópico

Hoy me gustaría compartir con ustedes un video con una selección de imágenes que realizaron  los participantes al taller que impartí en Cuba;  que condensa un poco la emoción de lo vivido en la isla:  un imán para cualquier fotógrafo que guste del "color de trópico" y de la calidez humana de su pueblo.

Centro Habana, La Habana © Marcelo Caballero

En primer lugar, deseo dar las gracias a Nuria Tolós por su generosa contribución en el ensamble final del audiovisual que será proyectado en julio en la prestigiosa Fábrica de Arte Cubano de La Habana.

Y en segundo lugar a los magníficos fotógrafos que me acompañaron en este taller,  a la organización de AES Tour y a los fotógrafos de la Escuela de Fotografía Creativa de La Habana. 

La Habana from Marcelo Caballero on Vimeo.

Hasta pronto!

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La esencia es cosa de bordes

“La realidad se nos presenta en forma de eterno devenir; se hace o deshace, nunca está hecha”

 Henri Bergson

Cuando la fotografía deja de ser meramente un hecho descriptivo para comenzar a sugerir, es cuando empiezo a disfrutar.

Pero si se capta la esencia de un lugar,  alrededor de los bordes de una escena, comienzo a emocionarme porque ese tipo de fotografía tiene ya una licencia, una identidad visual mayor.

En ello pensaba cuando visionaba ayer, fotografías que David Alan Harvey hizo en Cuba.

La Habana 1998 © David Alan Harvey

La Habana 1998 © David Alan Harvey

A mi entender, transmiten  la esencia (desde el singular punto de vista del fotógrafo)  en un magistral dominio de exclusión en la composición,  en plan sugerir.

La Habana 1998 © David Alan Harvey

La Habana 1998 © David Alan Harvey

Y siguiendo con Cuba, también visioné algunas imágenes de Ernesto Bazán que sirven para seguir un poco más con esta idea, fundamental de composición.

© Ernesto Bazán

© Ernesto Bazán

Composiciones sugerentes que, desde mi óptica,  no pasan indiferentes al observador y lo estimulan a participar activamente en la lectura de imagen.

© Ernesto Bazán

Allí, en esa retroalimentación con quien observa,  se recrea la socialización que la buena fotografía posee y que también:  emociona y crea imaginarios de ese entorno que el fotógrafo recorta en un rectángulo.

© Ernesto Bazán

Por eso, y como si se tratara de un mantra:  prestar  atención a lo que pasa en los bordes, radica buena parte del poder latente que tiene una imagen.

Como decía Navia, la fotografía es una cuestión técnica. Pero utilizar los dispositivos fotográficos con la sensibilidad e interés adecuado es crucial para excluir elementos, o para darle importancia e interaccionar en ciertas formas, en ciertos colores, en ciertas líneas que,  al fin y al cabo, tienen que ver con la construcción de la imagen. Y si lo pensamos desde el marco, desde el borde, vamos por buen camino.

Hasta pronto!

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No debemos confundir los sacafotos con los fotógrafos

Para empezar la semana, quiero compartir con ustedes una entrevista que le hice al fotógrafo cubano Tomás Inda, director de la Escuela Creativa de La Habana quien participará como invitado en las sesiones teóricas y prácticas del taller que impartiré en Cuba a principios de mayo.

MC:     ¿cómo ve, el actual mundo fotográfico en Cuba y la inserción de las nuevas generaciones de fotógrafos cubanos?

TI: Cuba tiene una larga tradición fotográfica. Fíjate que aquí se hizo el primer daguerrotipo en fecha temprana y durante el siglo XIX son muchos los fotógrafos que documentaron la historia del país. Ya durante el siglo XX,  en la primera mitad,  deja el nombre de cientos de fotógrafos que realizaron imágenes de las más diversas temáticas y al triunfar la revolución en el año 59 da paso a una generación que han sido llamados los “Fotógrafos de la épica revolucionaria”. Pero realmente eso no se quedó allí, después ha habido generaciones de fotógrafos que marcados por su época han realizado una obra destacada.

Hoy surgen nuevos fotógrafos, cada día. La escuela pone su granito de arena en la formación de muchos de ellos. La profesión de fotógrafo ha llegado a ser la más numerosa bajo la influencia de la fotografía digital que logró una total democratización del oficio.

Claro que nunca debemos confundir a los “sacafotos” con los fotógrafos. Ahora cualquiera es un sacafotos con una cámara digital en las manos, pero un fotógrafo, un buen fotógrafo, eso es otra cosa, se requiere de estudios, experiencia y dedicación. Definitivamente, cualquiera no es un buen fotógrafo.

de su proyecto Mar © Tomás Inda

- En el 2011 nace, por una iniciativa suya,  la Escuela de Fotografía Creativa de La Habana (EFCH). Me podría explicar un poco como se gestó este noble propósito educativo teniendo en cuenta que desde un principio fue un emprendimiento empresarial privado en un estado cubano con un fuerte arraigo estatal?

TI: Realmente la escuela es el resultado de un proceso. Antes de su creación,  impartía fotografía en el Instituto Internacional de Periodismo “José Martí” y tenía, al mismo tiempo. un curso de fotografía en La Maqueta de La Habana. En el año 2011,  el estado cubano amplió las posibilidades del trabajo por cuenta propia, creando nuevas opciones; y entre ellas,  está la de Profesor de música y otras artes. Sin lugar a dudas la fotografía es una de las artes incluidas en esta figura.
Por otra parte en el país no hay otra escuela de fotografía que no sea la nuestra, ya que la fotografía se aprende impartida en diferentes universidades como una asignatura dirigida por una cátedra. En cada universidad se imparte la parte de interés de la fotografía para la profesión dada. Así existen cátedras de fotografía en la Facultad de Comunicaciones de la Universidad de La Habana, en el ISA (Instituto Superior de Arte), en el ISDI (Instituto Superior de Diseño Industrial). 
Yo enseñaba fotografía antes de crear la escuela. Pero alimentaba la idea de poder impartir toda la fotografía en un solo lugar y para todo el mundo.
De esa idea nació la EFCH. En el 2011 se crearon las condiciones legales por parte del estado cubano y con la ayuda de mi hija, quien es una organizadora incansable y la participación de un grupo de alumnos y amigos nos dimos a la empresa, creando la escuela.

de su proyecto Mar © Tomás Inda

  

-   Aparte de tener una dilatada experiencia en la docencia, eres un fotógrafo en activo muy inquieto, con muchos proyectos en curso como “Mar” que desde el 22 de enero está en exposición en La Habana. ¿Cuéntame cómo surgió este proyecto?

TI: MAR es mi última exposición, las fotos recorren el tema del mar porque somos una isla, no podemos prescindir del mar, desayunamos con olor a salitre. El mar que nos rodea, que nos acaricia o nos agrede, que manso nos permite navegar sobre sus olas o agresivo nos hace naufragar en ellas.
Esas son mis fotos y,  en muchas, la relación del mar con la urbe:  La Habana, una ciudad de mar.

de su proyecto Mar © Tomás Inda

-  En los 4 años que llevan de existencia, EFCH ha materializado muchos objetivos: instalaciones idóneas, nutrida biblioteca, tecnología  y mucha actividad académica con  participación en diferentes festivales y creación de revistas.  ¿cuáles son los próximos objetivos de la escuela?

TI: Si, ha sido mucho el trabajo del colectivo. Lo forman solo jóvenes, mi profesor más viejo tiene 38 años, los demás están por debajo de los 32 y la mayoría no llega a los 28. Todos son graduados universitarios. Gente culta, muy preparada, muy activa.

Todo lo logrado en la escuela es fruto del trabajo colectivo. No somos una institución muy grande, pero tenemos todo lo necesario para aprender fotografía. Estamos cada vez más incorporados al ambiente cultural cubano. Hacemos exposiciones fotográficas en la escuela y fuera de ella. Te puedo poner el ejemplo de que en este momento la escuela tiene 4 exposiciones:  “A la sombra de mi bandera”, en la galería del Memorial “José Martí” en la Plaza de La Revolución ( ese es el lugar más emblemático de la Revolución cubana). “Luz en escena” en la Galería de la Casa del Alba Cultural, (expo que resume el trabajo de nuestros alumnos en el Taller de Fotografía de Teatro)  que se realiza con motivo de la realización del Festival internacional de Teatro cada año. “Hold back” de la fotógrafa Paola Martínez Fiterre (profesora) e Ivan Perera y “MAR” que ya tú mencionabas.

de su proyecto Mar © Tomás Inda

Cada año en La Habana se celebra la Feria Internacional del Libro en el mes de febrero y siempre hay una expo colectiva de nuestros alumnos y profesores, cuya temática tiene que ver con el tema literario.

Además, este año estaremos ocupando un stand en el cual se expondrá y comercializará la obra de fotógrafos cubanos contemporáneos, entre los cuales hay muchos graduados de la escuela que ya hoy tienen una obra meritoria, pero además nuestro stand ofrecerá talleres cortos para niños y adolescentes, encuentros con importantes fotógrafos, un mini museo con cosas interesantes de fotografía. 

La escuela goza de buena salud y aunque aún es joven va amasando poco a poco sus pequeñas glorias.

-  Con respecto al taller que impartiré en Cuba en mayo próximo, saldrás a realizar fotos con nosotros y compartir tus valiosos conocimientos de vida y de profesión?

TI: Pues sí, no me perderé la oportunidad de compartir con ustedes algunas salidas fotográficas, de hacer nuevos amigos. Siempre pueden contar conmigo y con la escuela que tiene permanentemente abierta sus puertas para todos los que nos visitan. Bueno, tengan la seguridad que su visita a Cuba será una experiencia inolvidable. ¡Los esperamos!

de su proyecto Mar © Tomás Inda

Hasta pronto!

Fotógrafos en Tailandia

Desde hace varios años, el sudeste asiático es un verdadero imán para el turismo mundial y también para los fotógrafos.
Las heterogéneas culturas,  las impresionates playas, las condiciones climáticas idóneas y precios más baratos son una larga suma de ingredientes que cautivan a millones de turistas a decidirse a ir a alguno de esos destinos de Asia Sudoriental.
Pero la reina de todas ellas, es posiblemente Tailandia. Así lo piensan Gueorgui Pinkhassov y Steve McCurry que mientras pueden,  recorren ciertos lugares de interés turístico de ese país.
En este post quiero compartir con ustedes dos videos que muestran como trabajan estos dos excepcionales fotógrafos de calle y allí podrán observar sus metodologías, sus opiniones y su empatía con la gente de Bangkok, la capital tailandesa. 

Pinkhassov en el metro y en el cabaret Mambo

Y McCurry en festividades públicas

Buen fin de semana!!

Atención! Fotógrafo en el cine

Un buen día de principios del 2009, dos buenos amigos se juntaron en un café de Manchester (Inglaterra) para hablar sobre sus  pasiones: la fotografía y el cine.

Nada raro hasta allí. Lo hacían regularmente para salir de la rutina de los largos días de trabajo. 
Pero esta vez,  el fotógrafo y escritor David Oates le propuso a su amigo, también fotógrafo, Mishka Henner crear una organización para realizar obras en las que las imágenes interactúen con el sonido, la música y los textos. Y con todo ello montarían cortometrajes.

A los dos se les iluminó la cara y esa misma tarde le pusieron nombre al nuevo emprendimiento colectivo. Lo llamaron: BlackLab (Laboratorio negro).

A partir de allí, la actividad del grupo fue en línea ascendente. Sus trabajos fueron exhibidos en varias galerías y centros de arte de la ciudad y este año fueron los representantes del Reino Unido en la Biennal de Dallas (Estados Unidos).

Pero uno de los mayores logros de BlackLab llegó también este año. Ganaron una subvención,  entre más de 100 realizadores visuales, convocada por NorthEast Photography Network. El tema era:  Imágenes en movimiento que explora la relación entre la imagen fija y la imagen en movimiento.

Con esa ayuda,  nació Photographers.  Según los autores, “Voyeur, cazador e investigador son sólo algunas de las funciones que han caracterizado a los fotógrafos cuando se representan en el cine moderno”

El cortometraje fue presentado durante el  Berwick Film & Media Arts Festival que se organizó entre el 19 y el 23 de septiembre de este año. A continuación comparto con ustedes el corto premiado.

Photographers from BlackLab on Vimeo.

Para realizar este corto, los autores pasaron muchas horas viendo más de 100 filmes. De esa manera, extrajeron fragmentos breves de cada uno para finalmente dar vida a la idea del fotógrafo en el cine.
En el corto se puede apreciar al fotógrafo que dió vida a Blow Up de Michelángelo Antonioni o el que resultó ser un héroe en Salvador de Oliver Stone.

Se animan a averiguar ¿ cuáles son los nombres de las otras pelis y sus directores a través de los fotógrafos que aparecen en el video?

Espero vuestros comentarios!

New York color. tres palabras de moda en la fotografía

NY 2001 ©  Alex Webb

Durante estos últimos años percibo una gran fiebre mediática y editorial por rescatar la memoria visual de Nueva York. Y esta opinión no es una observación caprichosa de mi parte. 
No me equivoco al afirmar que durante este siglo XXI han aparecido por lo menos 25 libros que, de alguna manera, reconstruyen distintos aspectos visuales generacionales de esta gran ciudad. Si no me creen, les dejo un enlace de Amazon para que vean con sus propios ojos, lo que les digo: PULSAR AQUI.
De todos ellos, quiero rescatar especialmente para este post,  dos libros recopilatorios que construyen a color La gran manzana a través de importantes fotógrafos documentales .
New York. Portrait of the city de Reuel Golden, editado por Taschen en el 2010.

Y New York in color de Bob Shamis publicado a principios del 2011.

Cabe recordar que Bob Shamis es un prestigioso historiador fotográfico y la publicación de este libro sirvió de fuente de inspiración para la actual exposición que se está realizando hasta el 17 de marzo en la Howard Greenberg Gallery de Nueva York.
 Y como no podía ser de otra manera, la expo está  comisariada por él mismo y la propia galería.






Me parece interesante tanto el libro como la exposición porque, además de recoger el espíritu de Nueva York a través del color;  es una importante reivindicación editorial y galerista  de su uso documental y profesional a partir de la década del 50 del siglo pasado.
Los dejo con algunas de las imágenes de este precioso libro 

NY 2008 © Albert Halaban

NY 1964 ©  Burt Glinn

NY 1952 © Marvin Newman

NY 1995 © Harvey Stein

NY 1983 ©  Todd  Weinstein

NY 1993 ©  Jeff Mermelstein

Un abrazo y hasta el viernes!!

El Gusano Naranja

Desde que los formatos de la cámaras se hicieron más pequeños y discretos, los fotógrafos comenzaron a sentirse muy atraídos por la vida que ocurría en los metros de las ciudades. Casi sin excepciones, la mayoría ha coqueteado,  en algún momento,  con la vertiginosa vida en estos espacios subterráneos. 

Y paralelo a ello,  se han publicado grandes libros de fotografía como Many are called de Walker Evans

o Subway de Bruce Davidson, por citar algunos ejemplos editoriales sobre el mítico metro de Nueva York.

Sin embargo,  hay muchas otras grandes urbes que tienen metros muy particulares que han inspirado también a los fotógrafos. Como es el caso de México.  Los mexicanos llaman a su metro: el gusano naranja y el fotógrafo Francisco Mata Rosas documentó la vida, en sus entrañas,  durante 20 años. 

Finalmente, el año pasado,  publicó con la ayuda de la Universidad Autónoma de México,  un libro que contiene unas 80 imágenes y se titula: El Viaje que contó con el aporte literario de importantes escritores contemporáneos como Carlos Monsiváis, Fabrizio Mejía y Gildardo Montoya

 Diariamente más de cinco millones de personas utilizan el transporte subterráneo.

Vertedero de almas en pena o en regocijo – Carlos Monsiváis

© Francisco Mata Rosas

El humanismo del apretujón – Fabrizio Mejía

©  Francisco Mata Rosas

En el metro llevamos en vilo al tiempo, ¿o nos lleva él?. No, lo llevamos nosotros – Gilardo Montoya

Por último, me gustaría compartir un video sobre la serie Metro de este gran fotógrafo mexicano.

Hasta el viernes!!