Los reflejos de Serge Clement

Girona, Catalunya © Marcelo Caballero

Siempre me he sentido fascinado y atento hacia los reflejos. 

Siempre he sentido una especial deferencia por esas visiones tan inverosímiles e imprevisibles que nos regalan,  de tanto en tanto, las luces en combinación con ciertos colores reflejados en  cristales, espejos de cualquier ciudad.

Para mi, todo ello es vitalidad urbana, una continuidad asombrosa de algo cotidiano.

Alguien que sabe mucho de todo esto y lo transmite con una gran carga poética es el fotógrafo canadiense Serge Clement.

 © Serge Clement

Me ha interesado un libro de él en particular que muestra su ecléctica tendencia por los reflejos y marca su gran capacidad de observación de unas realidades reflejadas,   a través de su cámara y que contienen un sentido onírico, misterioso, casi ficcional .

El libro en cuestión es Courants. Contre-courants e incluye dos volúmenes y fue publicado en Paris en el 2007 por Editions Marval.

Luego de hojear varias de las 200 páginas de esta maravillosa obra,  me da la sensación que, a través de estas imágenes, Clement interroga, de alguna manera,  la vida en la metrópolis occidental.

 © Serge Clement

 © Serge Clement

 Realizado a mitad de camino entre Montreal, París y Nueva York, las fotografías de este libro nos llevan hacia perspectivas desconocidas y concentran una multitud de signos, símbolos urbanos que se mezclan, chocan y se reúnen en un espacio diferente.

 © Serge Clement

 © Serge Clement

Un abrazo y hasta el viernes!

En coche por Oriente con Marc Riboud

La Editorial Xabier Barral acaba de publicar Into The Orient,  un box set de fotografías de Marc Riboud que dan vida al célebre viaje que inició en la primavera de 1955 y terminó en  Japón tres años después.

Esta caja visual de Riboud que,   contiene cinco libros de su paso por Turquía, Irán,  Afganistán ,  Pakistán , India, China y Japon; recibió hace poco el Premio Nadar 2012 que lo reconoce como la mejor publicación del año.

Afganistán 1955 © Marc Riboud

Este gran tour realizado por el fotógrafo francés se comenzó a gestar,  después de comprarle un viejo Land Rover a George Rodger (uno de los fundadores de la agencia Magnum).  Con este transporte y con todo el tiempo del mundo,  se dirigió a Estambul,  luego se internó por Capadocia y Anatolia y cruzó Persia, 

Afganistán 1955 © Marc Riboud

En Afganistán realizó incursiones por sus regiones tribales.

Darjeling, India 1956 © Marc Riboud

Y en 1956 llegó a India

Varanasi, India 1956  © Marc Riboud

Nepal 1957 © Marc Riboud

 Luego entró a la China comunista desde Nepal, en una época en la que pocos extranjeros podían hacerlo. Riboud realizó u trabajo excepcional como documento de época en China.

Anshan, China 1957 © Marc Riboud

Shaanxi, China 1957 © Marc Riboud

Finalmente el viaje llegó a su fin en Tokyo junto con miles de fotografías,

Japón, 1958 © Marc Riboud

de las cuales podremos observar, en estos 5 libros de 65 páginas cada uno,  un total de 220 imágenes que acaba de publicar la prestigiosa editorial francesa.

Un abrazo y hasta el miércoles!

Mark Cohen y su Wilkes Barre

Existen algunos libros de fotografía que al verlos por primera vez ,  me produjeron una suerte de encantamiento, de emoción in crescendo y también de mucha sorpresa, ya que  me daba cuenta que estaba observando algo realmente diferente, innovador en la forma de trabajar, de mirar a través de una cámara.

Ello me ocurrió muy pocas veces en la vida.
En su momento fueron Los Americanos de Robert Frank o A Day Off de Tony Ray Jones o cuando descubrí, hace unos años, el Istambul de Alex Webb, en la librería de Altair en Barcelona. Recuerdo que me pasé toda la mañana mirándolo en uno de los cómodos sofás del recinto.

Hace poco encontré otro libro que también me emocionó hasta el alma. Me refiero a Grim Street (2005) de Mark Cohen.

 Desde mi punto de vista, es un trabajo que marca un punto de inflexión en la fotografía documental, un antes y un después. 

Se me ocurre pensar que es la continuidad generacional de los grandes trabajos producidos desde los ’ 60 y ’70 del siglo pasado.

1977 © Mark Cohen

Y también me corrobora que para hacer un gran trabajo no hay que irse a ningún lado, se puede hacer en el “patio trasero de tu casa”. 

© Mark Cohen

En el caso de Cohen, el cuerpo completo de este libro fue realizado en Wilkes Barre, una pequeña ciudad  (donde nació y vive desde hace 69 años),   ubicada cerca de Nueva York. Y ese hecho hace que su  trabajo sea más  extraordinario.

© Mark Cohen

© Mark Cohen

Desde mi punto de vista, sus fotografías son intrusivas pero honestas, directas, sin ambigüedades. 

© Mark Cohen

© Mark Cohen

En una entrevista realizada por Anne Wilkes Tucker y que sale en el libro, Cohen comenta que  a menudo se metía en líos por su peculiar forma de trabajar: salía a la calle con un flash en una mano y su Leica en la otra como podrán apreciar en el siguiente video a partir del minuto 1:37. 

Cohen también comenta que varias veces la policía fue a su casa después de haber sido denunciado por vecinos debido a su “mal o incorrecto comportamiento”, recibió insultos de transeúntes o incluso amenazas de algún marido furioso por asaltar a su mujer con el flash.

© Mark Cohen

“Estoy fotografiando en los patios y callejones de Wilkes – Barre y los pueblos cercanos conocidos por la producción del carbón “ señaló. “En la quinta avenida, hay un montón de gente. Pero si usted entra en un callejón en Elmira, no es lo mismo y siempre es sospechoso” admite.

© Mark Cohen

John Szarkowski descubrió por caualidad su trabajo y lo sorprendió tanto que en 1973 lo invitó a realizar su primera exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Por último, quiero comentarles que desde el 8 de diciembre y hasta el próximo 27 de enero, las fotografías de Grim Street estarán en exhibición en la Third Floor Gallery en Cardiff (Gales)

Buen fin de semana a todos!

Cine de fotógrafos

Hace unos días, descubrí un gran libro escrito por una gran periodista y también cineasta española.

Se trata de Cine de fotógrafos de Margarita Ledo.

Publicado por Gustavo Gilli (2005) , este libro me ha interesado mucho debido a que no es un manual más de historia del cine unido a los fotógrafos. Todo lo contrario. Explora los ejes vertebrales del cine realizado por fotógrafos: el documental y define su práctica desde una concepción fotográfica de la imagen.

De esa manera, la escritora gallega toma como punto de referencia una cita de Jean Luc Godard : “el cine es una herencia de la fotografía”. Y a partir de esta afirmación, las 264 páginas del libro, proponen un recorrido que rastrean complicidades históricas entre la cámara fotográfica y la fílmica.

De esa manera, encontramos capítulos enteros dedicados a  Paul Strand, William Klein o Rodchenko por citar algunos.

Imagen que pertenece al fim  Mannahattá (1921) de Paul Strand

También dedica un capítulo al instante decisivo  y al relato con fotos de Henri Cartier Bresson

Otro punto de inflexión del libro, es el análisis del enfoque fotográfico documental en el cine de Robert Frank. (Aqui abajo, veremos un extracto de su film Cocksucker Blues (1972) sobre los Rolling Stones.

Y termina con un texto que analiza el trabajo de Raymond Depardon.

No debemos olvidarnos que este libro fue premiado en la XVIII Edición del Premio Espais a la creación (2005) que concede anualmente la Fundacion Espais d’Art Contemporani de Girona (Catalunya). Vale la pena darle un vistazo!!
Un abrazo y hasta el viernes!!

Robert Doisneau pone color a Palm Springs

© Robert Doisneau

Fue el destino ideal para los jubilados ricos de Hollywood. 

© Robert Doisneau

También fue el lugar donde en 1960,  el fotógrafo francés Robert Doisneau conocido más que nada por su trabajo en blanco y negro, utilizara por primera vez las míticas diapositivas Kodachrome para documentar el colorido de todo ese ambiente.

© Robert Doisneau

Finalmente hace dos años, la editorial Flammarion publicó lo mejor del trabajo realizado por Doisneau durante aquellos soleados días y se tituló justamente Palm Springs 1960 

El libro contiene más de 100 fotografías sobre este legendario destino turístico, ubicado en el desierto californiano,  que en esa época se estaba haciendo famoso y se convertiría,  unos años después,  en la cara publicitaria del estilo de vida americano (American way of life).

© Robert Doisneau

Originalmente se habían editado 23 imágenes en la revista Fortune que fue la que le encargó el trabajo y el resto permaneció inédito hasta la publicación de este importante documento visual en el 2010.

© Robert Doisneau

Como no podía ser de otra manera, las fotografías publicadas originalmente en Fortune no hacían honor al verdadero objetivo del trabajo que había realizado Doisneau en Palm Springs. Las razones eran obvias, la revista utilizó fotografías a color que mostraban sólo las bondades del lugar como las dos imágenes de aquí abajo.

© Robert Doisneau

© Robert Doisneau

 Y ello tenía coherencia en ese momento donde el color se usaba para revistas de turismo, moda, gastronomía y el blanco y negro para trabajos periodísticos o documentales.

© Robert Doisneau

Sin embargo, gracias a la aparición del libro, toda esa  lectura se transformó y se aprecia la fina  y corrosiva ironía del fotógrafo parisino sobre ese lugar.

© Robert Doisneau

Hasta el miércoles!

Atención! Fotógrafo en el cine

Un buen día de principios del 2009, dos buenos amigos se juntaron en un café de Manchester (Inglaterra) para hablar sobre sus  pasiones: la fotografía y el cine.

Nada raro hasta allí. Lo hacían regularmente para salir de la rutina de los largos días de trabajo. 
Pero esta vez,  el fotógrafo y escritor David Oates le propuso a su amigo, también fotógrafo, Mishka Henner crear una organización para realizar obras en las que las imágenes interactúen con el sonido, la música y los textos. Y con todo ello montarían cortometrajes.

A los dos se les iluminó la cara y esa misma tarde le pusieron nombre al nuevo emprendimiento colectivo. Lo llamaron: BlackLab (Laboratorio negro).

A partir de allí, la actividad del grupo fue en línea ascendente. Sus trabajos fueron exhibidos en varias galerías y centros de arte de la ciudad y este año fueron los representantes del Reino Unido en la Biennal de Dallas (Estados Unidos).

Pero uno de los mayores logros de BlackLab llegó también este año. Ganaron una subvención,  entre más de 100 realizadores visuales, convocada por NorthEast Photography Network. El tema era:  Imágenes en movimiento que explora la relación entre la imagen fija y la imagen en movimiento.

Con esa ayuda,  nació Photographers.  Según los autores, “Voyeur, cazador e investigador son sólo algunas de las funciones que han caracterizado a los fotógrafos cuando se representan en el cine moderno”

El cortometraje fue presentado durante el  Berwick Film & Media Arts Festival que se organizó entre el 19 y el 23 de septiembre de este año. A continuación comparto con ustedes el corto premiado.

Photographers from BlackLab on Vimeo.

Para realizar este corto, los autores pasaron muchas horas viendo más de 100 filmes. De esa manera, extrajeron fragmentos breves de cada uno para finalmente dar vida a la idea del fotógrafo en el cine.
En el corto se puede apreciar al fotógrafo que dió vida a Blow Up de Michelángelo Antonioni o el que resultó ser un héroe en Salvador de Oliver Stone.

Se animan a averiguar ¿ cuáles son los nombres de las otras pelis y sus directores a través de los fotógrafos que aparecen en el video?

Espero vuestros comentarios!

Fotógrafo trabajando: Steve McCurry

No es común ver y escuchar a un fotógrafo de primerísimo nivel hablar sobre su forma de trabajar, dar consejos sobre la fotografía o entrar a su casa para observar parte de su trabajo.

Y eso es menos habitual si un canal de televisión como la norteamericana Ovation difunde ese material por todo el planeta a través de una serie llamada Close Up: Fotógrafos en el trabajo.

Por ello, hoy quiero compartir uno de esos interesantes documentales dedicado en esta ocasión a un maestro de la fotografía documental contemporánea como es Steve McCurry.

Recordemos que el canal Ovation es conocido mundialmente como “el canal de arte” debido a que se dedica exclusivamente a transmitir programación dedicada a las artes y la cultura contemporánea.

La serie Close Up comenzó a emitirse hace unos 4 años y se dividió en dos partes: en la primera aparecieron Albert Maysles, Gregory Crewdson, Sylvia Planchy, Andrew Moore y Timothy Greenfield.

Y en la segunda parte (del 2010 en adelante) aparecieron Bruce Davidson, Brigitte Lacombe, Susan Meiselas, Jay Maisel, Miru Kim y Steve McCurry.
Un abrazo y hasta el miércoles!