Ganador del libro de Harry Gruyaert

Como lo venía adelantando durante todo enero, hoy llegó a su fin el sorteo por el libro de Harry Gruyaert.  En el siguiente video, realizado, creo yo,  de forma transparente y arbitraria, podrán ver el momento en que se elige al ganador.





Por último, quiero agradecer a todos los que participaron en este sorteo y los invito a que me sigan acompañando en este camino a través de Miradas Cómplices. Sin vuestra complicidad esto no sería posible.
Buen fin de semana!


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Las normas son para transgredirlas

A mi me gusta pensar que las normas básicas de la composición fotográfica están para transgredirlas.  Eso no implica que se deban desconocer. Todo lo contrario. Uno tiene que saber perfectamente que normas fueron utilizadas a lo largo de la historia de la fotografía. Un ejemplo es la regla de los tercios.

© Henri Cartier Bresson

O la regla de las perspectivas centralizadas.

© William Eggleston

O la regla de la mirada

© William Klein

Sin embargo a mi me gusta pensar que se deben transgredir estas reglas básicas,  para construir algo diferente, en el buen sentido de la palabra. No acomodarse a lo que hay, sino intentar buscar nuevos patrones visuales. Y utilizar las normas, si existen, para tener un cierto modelo "de esqueleto visual"; siempre y cuando la situación sea la adecuada.

© Jeff Mermelstein

 La fotografía para mi es  una disciplina de interacción social que entra por las tripas, por el corazón y esa empatía que uno puede tener con una imagen, en muchas ocasiones, no pasa por su adecuado ordenamiento de normas; sino por lo que te transmite. La fotografía es emoción y esa es una norma, digamos, espiritual.

Para los amantes del cine y la composición, les dejo dos videos, interesantes de observar por todo lo que comenté sobre normas. En primer lugar, sobre la proporción áurea. 

Y el siguiente,  habla de la composición de Stanley Kubrick

Hasta pronto!


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Abrir planos

A medida que se avanza, día a día, en el quehacer fotográfico, vas encontrando la cámara más adecuada para tus fines y también los objetivos. En mi caso personal, el 35 mm. es un lente que cumple todas mis expectativas y según mi posicionamiento, satisface lo que deseo incluir o dejar afuera en el rectángulo. No necesito más. Aunque, de vez en cuando, recurra a otros objetivos,  aunque de manera complementaria y residual.

Existe toda una escuela detrás que habla de los gran angulares (en especial desde el 35 mm. para abajo) que obligan al fotógrafo a acercarse a los sujetos para imprimir a las imágenes una sensación de “estar adentro”, “ de estar implicado” y con profundidad de campo. Por eso son tan atractivos y utilizados.

Sin embargo también sirven y de qué manera, para abrir planos y eso va de la mano de “dar un paso atrás”, “alejarse un poco”, lo que otorga a la fotografía una gran complejidad. Un ejemplo perfecto tiene que ver en como se posiciona y en como utiliza el gran angular Harry Gruyaert en varias de sus composiciones.

© Harry Gruyaert

Muchas veces, el fotógrafo belga abre planos con un gran angular, dentro de una escena urbana.

© Harry Gruyaert

Por eso es tan importante “dar un paso atrás”. La escena no pierde esencia y el fotógrafo sigue dando la sensación de estar adentro, pero con una contemplación más calculada, transmitiendo más seguridad en lo que encuadra.

© Harry Gruyaert

Se crea como una escena teatral, lineal, explicativa en colores, luz  y texturas. Un buen empleo de gran angular en espacios públicos.

© Harry Gruyaert

Otro fotógrafo que me gustaría mencionar dentro de esta escuela,  es Jan Meissner que también abre plano en muchas de sus imágenes urbanas.

© Jan Meissner

© Jan Meissner

Un fotógrafo casi olvidado en la actualidad, utilizaba este recurso angular para retratar trozos de vida en las calles de Chicago en los años ’50 del siglo pasado. Me refiero a Marvin Newman. 

© Marvin Newman

Gran amigo generacional de Aaron Siskind y Harry Callahan; junto a ellos, fue profesor en la Escuela de Chicago, un punto de inflexión en la enseñanza de la fotografía en los Estados Unidos de posguerra.

© Marvin Newman

 Hasta pronto!

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Una cuestión de impresionismo callejero

En general,  los pintores impresionistas comparten con la fotografía urbana el sentido de la instantaneidad como idea de captar o “impresionar con el pincel o con la cámara” un momento determinado, un instante fugaz.  

El Ferrocarril, 1973 Edouard Manet

Y por sobre todas las cosas, comparten similares sensaciones para captar la cotidianeidad en los espacios públicos.

La Calle Montorgueil 1886. Claude Monet

Ese intento de ambos lenguajes por plasmar particulares momentos de luz (de impresión visual) en el instante derriban la objetividad, la semejanza representativa y potencian la fotografía de autor de calle, más ligada a subjetividades, a emociones visuales.

Plaza de la Concordia 1875. Edgar Degas

En un video realizado por Wap Films, el fotógrafo David Allan Harvey comenta que “tempranamente estudié pintura, para mí los impresionistas franceses fueron muy importantes, porque ellos hacían cosas con gente normal, cosas comunes y corrientes….y hacían arte de eso”.

L'Absinthe 1876 Edgar Degas

Paris © David Allan Harvey

"Y es por eso que Henri Cartier Bresson y Robert Frank me interesaron porque me dí cuenta que tomaban el día común y hacían arte de ello. Y eso es importante para mí porque como dije, cualquier cosa que estuviera sucediendo como aquí y ahora; ellos hacían algo especial”

© Robert Frank

“Aún amo eso. Tú puedes tomar tu pequeña cámara. Ves una situación común y corriente y haces algo de arte con eso.. Y sigo absolutamente fascinado por ese fenómeno”.

© David Allan Hervey

Hasta pronto!

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Meyerowitz x Meyerowitz

© Joel Meyerowitz

Nueva York, 1962.  "Los jóvenes fotógrafos siempre tienen la misma bolsa de trucos cuando comienzan a investigar en la calle. Uno de ellos, es que todo lo que observas que está enmarcado, es ya una imagen. Tienes que estar alerta a todo esto porque sino tu vocabulario no estará formado. Así que algo enmarcado invita a que pongas tu propio encuadre, y entonces tienes una fotografía".

© Joel Meyerowitz

New York, 1963. “No tengo ninguna duda de que el surrealismo de las pinturas de Magritte me hizo más consciente de la transformación y el misterio de este simple hecho”.

© Joel Meyerowitz

New York, 1963. “Fue uno de los primeros secretos de la fotografía que se me reveló,  que se podía poner extraños juntos en el encuadre y la trama puede dar un salto en el significado”.

© Joel Meyerowitz

Los Angeles, 1964. “Mientras conducía a través de los suburbios de Los Angeles, ví a esta mujer sentada en el jardín de su casa. Tenía el sueño americano: una bonita vivienda en los suburbios, un poco de espacio a su alrededor, su bebé. Sin embargo, aparece con aspecto aburrido, a la espera. La imagen tiene su propia validez. Tiene una realidad simbólica que sólo el instinto fotográfico puede descubrir”.

© Joel Meyerowitz

New York, 1975. “Los fotógrafos aprenden a aceptar los regalos que le salen al paso en la calle. La vida produce muchos más momentos locos de los que podemos concebir”.

© Joel Meyerowitz

New York, 1975. "La sola energía y la complejidad de la vida en la calle puede ser un tema para la fotografía. Hay un vestigio de Cartier Bresson en esta imagen que no podía, o no quería, renunciar. Estaba intentando llevar la fotografía más cerca de la experiencia misma, cosa que siempre es incipiente e irresoluta de un modo que antes había sido reacio a tratar".

© Joel Meyerowitz

New York, 1976. “Durante este período, trataba de hacer fotografías sin un tema central. Quería toda la información, cerca y lejos, para mantener el interés por igual; y el color pasa a ser una parte intrínseca de los contenidos. Estaba tratando de desbloquear la fotografía de la estética del momento decisivo. Una cosa difícil de renunciar”.

Fuente: Textos extraídos del libro de bolsillo Joel Meyerowitz por Colin Westerbeck (Phaidon 2014)

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Arte y documento en las polaroid

Siempre sentí una gran debilidad por las polaroid…no sé….. tienen una textura, un aspecto tan propio, singular que,  me viene a la mente compararlo con ese sonido tan arenoso de los discos de vinilos.

 Si, ya lo sé, puede sonar retro. Ambos formatos, el vinilo y polaroid parecen dinosaurios en el actual mundo digital. Pero hay que reconocer que fueron precursores y,  en el caso de las polaroid, lleva en sus genes “una instantaneidad salvaje”, una manera muy limpia y sin montajes que me gustaba. Me daba la sensación de ser un material vivo, único a través del papel sensible y eso a prestigiosos fotógrafos ligados a la fotografía urbana, le pareció muy atractivo.

Como es el caso de la fotógrafa Barbara Crane que a principios de 1980 se embarcó en un proyecto: Private Eyes durante varios festivales de verano de Chicago.

© Barbara Crane

© Barbara Crane

Sus polaroid, por su textura, por su formato, por su peculiar color no sólo es un proyecto visual de su entorno vital veraniego; me transmiten aspectos casi impresionistas. El recorte de la polaroid le da ese toque intimista.

© Barbara Crane

En ese sentido, con una Polaroid SX-70 (una cámara réflex de un objetivo con un diseño muy ingenioso, plegable, práctica y liviana) le vino de perlas al ya anciano André Kertesz de los '70 para darle a su proyecto un toque extraordinario de su cotidianeidad.

© André Kertesz

© André Kertesz

Walker Evans rompió con sus moldes monocromáticos y se aventuró al color como un buen buscador de bodegones callejeros y dotando a sus imágenes polaroid de un aire expresionista que a Harry Callahan le hubiera gustado firmar.

 de su serie Polaroid © Walker Evans

Me gustaría mencionar al fotógrafo Bruno Bourel que comenzó a realizar fotografías con una SX 70 a finales de los setenta y realizó una serie de lo más abstracta y artística.

© Bruno Bourel

A pesar que la polaroid daba instantaneidad y “objeto físico” al acto fotográfico; a Robert Frank le permitieron la libertad para ir más allá y “destruir esa imagen perfecta” como lo demuestra su proyecto Seven Stories publicado por Steidl en el 2009.

Intervención con textos © Robert Frank

© Robert Frank

"Siempre me ha fascinado la imaginación y las técnicas que los artistas que usan películas instantáneas Polaroid han empleado para materializar sus ideas señala Barbara Hitchcock, quien se encarga de adquirir fotografías artísticas para Polaroid Corporation y parte de esos documentos visuales están elegantemente presentados en The Polaroid Book (Taschen 2005).

Buen fin de semana!

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Detalles esenciales, subterráneos

El camino hacia lo esencial, hacia el detalle no sólo es un camino fértil dentro de la composición fotográfica, también puede potenciar una vertiente más artística con vocación informativa dentro del lenguaje documental.

Voy a poner un ejemplo en las imágenes de Elena Darikovich, una fotógrafa rusa que descubri en un libro publicado por Thames and Hudson en 1986: Another Russia.

© Elena Darikovich

© Elena Darikovich

La composición formal y de formas; el juego de luces y sombras; de blancos, grises y líneas, todo bien conciso, minimalista fluctuan en las fotografías de Darikovich para establecer una independencia creativa y distanciarse de las prácticas propagandísticas de la cultura soviética del momento (años ’70 y ’80).

© Elena Darikovich

Compañera de ruta y de vida de Boris Savelev, la fotógrafa rusa trabaja fundamentalmente en Moscú, creando fuertes composiciones en el detalle urbano.

“Fotografío los signos de nuestros tiempos con el fin de ponerme de acuerdo con el tiempo” señala Darikovich que también es pintora.

© Elena Darikovich

© Elena Darikovich

A pesar del férreo control soviético de aquellos años, Darikovich pudo conocer las fotografías de Walker Evans. “ Fue una gran referencia, ya que gracias a su trabajo sobre las víctimas de la Gran Depresión, evité cualquier mensaje de tema exótico o sentimental y me concentré en una imagen más pura”.

© Elena Darikovich

Pueden observar parte de su trabajo en la web del Museum of Contemporary Photography (MoCP) de Chicago. 

Hasta pronto!

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Espectadores que interrogan

Hoy comienzo el año con apuntes de filosofía fotográfica de mis lecturas navideñas; y, entre ellas,  deseo centrarme en una frase de Constantine Manos del prefacio de American Color 2 (2009) que señala que: “mis imágenes favoritas son las que hacen preguntas y plantean problemas, pero dejan las respuestas y soluciones al espectador”.

de American Color 2 @ Costa Manos

Es cierto que es una frase muchas veces oída de grandes fotógrafos. Pero no viene mal, redimensionarla en estos tiempos. Me abre un abanico  de reflexiones importantes a la hora de pensar qué es lo que queremos hacer en la fotografía. O, bien, que significa la fotografía  para quien las consume, en la actual vorágine visual en que vivimos.

de American Color 2 @ Costa Manos

Una imagen que denote todo, que no deje margen a la incertidumbre, que sea de lo más descriptiva,  son fotografías que, con el paso del tiempo, envejecen rápido. Igual que esas imágenes de humor fácil o que contienen ciertos toques inverosímiles o llamativos,  tienen poco recorrido visual. De eso, dan cuenta,  cientos de miles de fotografías que proliferan cada día por las redes sociales.

Parece apocalíptico, todo esto, no? Pero vale la pena, pararse un poco, para ver donde estamos situados y así analizar ciertos caminos a tomar.

© Ray Metzker

A mi me gustan las fotos que jueguen con pocos elementos y “sugerir más que mostrar”.  Me vienen  a la cabeza, algunos “históricos” como Fan Ho o Ray Metzer. Para ellos, el adecuado y minimalista juego de exclusión e inclusión de elementos visuales en el rectángulo del fotograma, es crucial.  “Estas son las imágenes en la que la fotografía trasciende el tema para convertirse en sujeto” comenta en el mismo prefacio Costa Manos.

© Fan Ho

Otra reflexión que deriva de esa frase inicial es que muchas veces pensamos que uno hace las fotografías para su propia satisfacción. Eso es una verdad a medias. La fotografía es social, comunica, interpela, busca la interacción. Por ese motivo, la satisfacción plena,  es que entre en complicidad con quien la observa y plantee interrogantes. Y si esa complicidad se produce 50 años después de haberse documentado,  como me pasa con las fotografías de estos dos grandes, quiere decir que no han envejecido. ¿Por qué ocurre ello?

Esos interrogantes, en la actualidad, son más difíciles de encontrar y de entender. Ya que el espectador vive inmerso en una gran escenografía visual, donde todo vale y donde ya no importa la veracidad del documento visual. Lo que interesa, es lo que simboliza. Y por eso, el espectador manda. En este sentido, ya no interesa que la fotografía guste a los académicos, galeristas o especialistas. Debe adecuarse a las nuevas exigencias o gustos que el espectador plantea.

Y en ese plano, los caminos están llenos de incertidumbres pero parecen mucho más fértiles. Ya veremos....

Buen fin de semana!


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500.000 visitas. Miradas Cómplices regala un libro

Este mes Miradas Cómplices ha llegado a las 500.000 visitas en 6 años de vida!!!

Por ese motivo,  regala un libro de uno de los grandes fotógrafos contemporáneos.

Me refiero al catálogo Marruecos de Harry Gruyaert.  

Publicado por la Fundación Tres Culturas del Mediterráneo con motivo de la exposición que se realizó en Sevilla en el 2002. Un documento visual imperdible para los que gustan de las fotografías de Gruyaert. Marruecos siempre ha sido uno los destinos predilectos del gran fotógrafo belga de la agencia Magnum.

“Las imágenes marroquíes de Harry Gruyaert tienen la evidencia tenaz del misterio.  – señala el prefacio del catálogo – Cualquier anécdota queda desterrada y el tiempo (el relato, el antes y el después de la foto) parece detenerse”

IMPORTANTE

Para entrar en el sorteo del libro, hay que suscribirse a partir de hoy en el BOLETIN CALLEJERO DE UN FOTÓGRAFO.

Finalización: viernes 29 de enero. * Ese día sortearé al ganador entre todos los suscriptos. (haré un video del sorteo para que todo sea bien transparente)

·         Sólo podrán participar residentes en España o en Portugal
.     Tampoco podrán participar los que ya se han suscripto con anterioridad a este sorteo.

·         El envío del libro será gratis.

Les mando un gran abrazo y muchas, pero muchas gracias por acompañarme durante todos estos años!

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