Ce n'est pas un document (Esto no es un documento)

(c) Marcelo Caballero.

Aún me sigue desconcertando ver, por ejemplo en cualquier shooping como algo habitual,  documentos visuales de la historia grande de la fotografía del siglo XX que “hablan” de otra cosa. No es nada nuevo lo que digo. Pero me sigue dando vueltas a la cabeza todo ello. Y digo “aún” porque me sigo aferrando a la idea de observar una fotografía como un documento visual que me lleva al pasado, a un momento histórico determinado o cotidiano de nuestras vidas como si se tratara del recuerdo de un perfume. Sin embargo, hay una cosa que comienzo a aceptar y eso me produce desasosiego:   la veracidad de la imagen se pone a prueba según el contexto y, no sólo por la multiplicidad de lecturas; sino por las ilusiones que producen. Y la sensación de pasado desaparece. Se construyen nuevas evidencias cada vez más alejadas del documento original.

No es lo mismo ver la foto del Che en un libro de Alberto Korda que verla en un bar.(c) Marcelo Caballero. Ponte de Lima, 2009

Este desasosiego que intuyó René Magritte a través de su serie “Esto no es una pipa”; o Marcel Duchamps y su artístico uninario; o Andy Warhol con sus latas de sopas Campbell; encuentra en el trabajo de Mike Mandel y Larry Sultan: Evidence (1977) la puerta pionera hacia la fotografía conceptual contemporánea que pone en “crisis” esa forma de mirar a la fotografía como un documento. Y según Joan Fontcuberta “después de 15 años de haber adquirido el libro sigo fascinado por la incerteza y desasosiego que me producen”. Un sentimiento que intento comprender para entender este hoy, de vivir en un tsunami de imágenes virtuales y que se merece una gran reflexión como la que encontré en El Beso de Judas del autor catalán.

Evidence. 1977

“Se trata de imágenes aséptica y obedientes de las convenciones del documento puro y duro, es decir, sin mayor aspiración que la de transmitir una información visual de la forma más clara y concisa, desprovista de cualquier tipo de impronta de <autor>” señala Foncuberta en la página 47 del libro. “Sin embargo, al escrutar el significado de estas fotografías, el más profundo surrealismo emerge de su banalidad radical”.

Evidence. 1977

Recordemos que Mandel y Sultan recopilaron fotografías que fueron usadas como documentos de evidencia por distintas organizaciones estatales americanas y al llevarlas a un libro con aspiraciones artísticas como Evidence ponían en duda la idea de documento exteriorizando sus ambigüedades internas. 

Algo de todo ello se estaría preguntando Korda sobre su famoso Che, si viviera en la actualidad

 Hasta pronto!

Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

La parte más importante de la cámara

En estos tiempos en donde prevalece lo último en tecnología de cámaras fotográficas y móviles inteligentes; tenemos que pararnos  un rato al costado del camino para intentar reflexionar sobre este discurrir del acto fotográfico y preguntarnos en primer lugar: ¿cuál es la parte más importante de la cámara a la hora de comprarla?.

Algunos dirán que es el sensor,  el objetivo, o los 24.000 ISO sin ruidos ni pixelados.

de su libro Earthlings © Richard Kalvar

Para mi y para muchos de los que queremos bien a la fotografía, “el componente más importante de una cámara son los 30 cm. que hay detrás de ella”. 

Paris 1929, de su libro On Reading © André Kertész

Cuanta lucidez hay en esa frase de Ansel Adams que deriva precisamente hacia la educación o en otras palabras: adquirir conocimientos en función de la educación visual. Ese es el camino que me interesa mejorar o en donde invierto mucho de mi tiempo.

La cámara es un mero artilugio técnico que expresa nuestra forma de mirar y ello está condicionado en función de los conocimientos que van madurando en nuestra mente. En este plano de cosas, todo esto parece un lapsus, una disgresión,   en esta fotografía de hoy cada vez más automática, sin pixelados con mucho photoshop.

John Berger en su libro Modos de Ver señala que “la vista llega antes que las palabras. El niño mira y ve antes de hablar…la vista es la que establece nuestro lugar en el mundo circundante; explicamos este mundo con palabras pero las palabras nunca pueden anular el hecho de que estamos rodeador por él”.

Esto no es una pipa © René Magritte

“Lo que sabemos o lo que creemos afecta  al modo que vemos las cosas”. Y si el componente más importante es el cerebro;  cómo aprendemos a observar nuestro entorno, es su consecuencia.

Cadica, Eslovaquia 2004 © Martin Kollar

 Hasta pronto!

Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

Meyerowitz x Meyerowitz

© Joel Meyerowitz

Nueva York, 1962.  "Los jóvenes fotógrafos siempre tienen la misma bolsa de trucos cuando comienzan a investigar en la calle. Uno de ellos, es que todo lo que observas que está enmarcado, es ya una imagen. Tienes que estar alerta a todo esto porque sino tu vocabulario no estará formado. Así que algo enmarcado invita a que pongas tu propio encuadre, y entonces tienes una fotografía".

© Joel Meyerowitz

New York, 1963. “No tengo ninguna duda de que el surrealismo de las pinturas de Magritte me hizo más consciente de la transformación y el misterio de este simple hecho”.

© Joel Meyerowitz

New York, 1963. “Fue uno de los primeros secretos de la fotografía que se me reveló,  que se podía poner extraños juntos en el encuadre y la trama puede dar un salto en el significado”.

© Joel Meyerowitz

Los Angeles, 1964. “Mientras conducía a través de los suburbios de Los Angeles, ví a esta mujer sentada en el jardín de su casa. Tenía el sueño americano: una bonita vivienda en los suburbios, un poco de espacio a su alrededor, su bebé. Sin embargo, aparece con aspecto aburrido, a la espera. La imagen tiene su propia validez. Tiene una realidad simbólica que sólo el instinto fotográfico puede descubrir”.

© Joel Meyerowitz

New York, 1975. “Los fotógrafos aprenden a aceptar los regalos que le salen al paso en la calle. La vida produce muchos más momentos locos de los que podemos concebir”.

© Joel Meyerowitz

New York, 1975. "La sola energía y la complejidad de la vida en la calle puede ser un tema para la fotografía. Hay un vestigio de Cartier Bresson en esta imagen que no podía, o no quería, renunciar. Estaba intentando llevar la fotografía más cerca de la experiencia misma, cosa que siempre es incipiente e irresoluta de un modo que antes había sido reacio a tratar".

© Joel Meyerowitz

New York, 1976. “Durante este período, trataba de hacer fotografías sin un tema central. Quería toda la información, cerca y lejos, para mantener el interés por igual; y el color pasa a ser una parte intrínseca de los contenidos. Estaba tratando de desbloquear la fotografía de la estética del momento decisivo. Una cosa difícil de renunciar”.

Fuente: Textos extraídos del libro de bolsillo Joel Meyerowitz por Colin Westerbeck (Phaidon 2014)

Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

Gruyaert en acción

© Harry Gruyaert

Harry Gruyaert es otro de mis fotógrafos preferidos. Principalmente porque me emociona su personal forma de mostrar el mundo que lo rodea y, por el uso del color que en sus fotografías juega un papel muy importante.

En un principio, Gruyaert utilizó el blanco y negro. Sin embargo, luego de conocer el trabajo del cineasta Michelángelo Antonioni y el del fotógrafo William Eggleston, se decidió por el color como un elemento primordial para sus trabajos posteriores.

Además – como hizo Cristóbal Hara en España -  abrazó la influencia de la prestigiosa pintura de su país, en especial, el surrealismo de René Magritte y el expresionismo de Paul Delvaux para reconsiderar la realidad desde una perspectiva distinta, casi cinematográfica.

René Magritte

Paul Delvaux

De esa manera, delineó  su primer trabajo a color serio,   aprovechando los colores en la pantalla de televisión (recién se estrenaba la TV a color en Europa). El trabajo se tituló TV Shots (1972) y es una parodia a los reportajes de fotos de actualidad.

TV Shots © Harry Gruyaert

“Cuando vivía en Londres en los años ’70 había un televisor en mi casa, jugando un poco con la antena y ajustando los controles podía obtener colores fascinantes.  Esto me llevó a pasar un par de meses. Me hizo ver el mundo de una manera diferente y para cuestionar la creciente influencia de la televisión en todo el mundo…Me había convertido en una especie de reportero dormitorio que enfrenta a la <sociedad del espectáculo>”.

El año pasado, Harry Gruyaert habló de su TV Shots en el festival de Arlés.

Por último, los dejo con otro video en donde vemos trabajar a Gruyaert en su constante búsqueda de las mejores condiciones de luz para sus fotografías. 

Hasta el viernes!

El tiempo de Turquía de Harry Gruyaert

El prestigioso diario turco Zaman está cumpliendo sus 25 años de vida y por ello está realizando un proyecto  llamado “El tiempo de Turquía” que, según sus directivos, es la obra más completa de fotografía documental sobre su país.

Para concretar este proyecto han invitado a 25 fotógrafos de renombre mundial para contar historias con visiones particulares  sobre la vida turca alejado del  punto de vista turístico.

El proyecto actualmente se exhibe en Bruselas y seguirá por distintas ciudades europeas.

Hoy quiero mostrar algunas imágenes del trabajo de HarryGruyaert.

© Harry Gruyaert

Gruyaert es uno de mis fotógrafos favoritos por varias motivos. En primer lugar,  observa la vida en la calle con la mirada de un auténtico street photographer: el tema es la calle,  los espacios públicos, en este caso, la de los turcos.

© Harry Gruyaert

Y por otro lado, me gusta su forma de componer y el adecuado uso del color que le da un plus informacional a sus fotografías y no son, desde mi punto de vista,  meros juegos estéticos.

© Harry Gruyaert

© Harry Gruyaert

Los caminos abiertos por Gruyaert en la fotografía documental y especialmente en la street photography son modelos a seguir por lo menos para mi.

Recordemos que el fotógrafo belga abrazó la influencia de la pintura surrealista de René Magritte y Paul Delvaux  para reconsiderar la realidad desde una perspectiva nueva. 

© Harry Gruyaert

Lo que constituye, para el autor, toda una actitud particular de aprehender de un mundo falto de sensibilidad que precisa ser transformado a través de las imágenes.

Ahora los dejo con un video donde Gruyaer habla sobre este proyecto en Turquía.

Hasta el viernes!!

Dos grandes miradas street. Parte 3: Esto no es una pipa

En los anteriores post hablé de Andrei Tarkovski y René Magritte como las principales influencias de los fotógrafos de Magnum, Gueorgui Pinkhassov y Harry Gruyaert  respectivamente y de sus miradas street.

Marruecos © Harry Gruyaert

© Gueorgui Pinkhassov

A raíz de sus trabajos, comenté también que me gusta pensar que la street photography transite por caminos personales pero que reivindiquen : 1) una fotografía no vaciada de contenido en el juego estético de la composición;

2) el valor de la fotografía como una finalidad y no como tema.

Y ahora me animo a agregar otra nueva reivindicación

3) que cuestione la relación entre la fotografía y las cosas (que se fotografien) basadas en la semejanza representativa.

Paso a explicar rápidamente porque llego a esto último. Quizás por esta imagen y por lo que se habló sobre ella.

La traición de las imágenes (Esto no es una pipa ) 1928 29 . Los Angeles, County Museum

A partir de esta obra de Magritte; el filósofo francés Michel Foucault le dedicó un ensayo (publicado en 1973) que tituló Esto no es una pipa. Ensayo sobre Magritte. Allí reflexiona con gran lucidez epistemológica sobre la débil ilusión que liga a las palabras (y la imagen) y las cosas que puede representar o representa. 

Según Foucault, el cuadro pone en duda la realidad en general de las cosas. En donde la representación y lo representado pueden ser dos elementos que hablen de cosas distintas sobre un acto que ocurre en la realidad o el que vive en cada uno de nosotros.

Algunos párrafos de este ensayo no tienen desperdicios y encajan como anillo al dedo con la evolución de este post.

En un pasaje el filósofo se refiere a la relación de la pintura y su representación y señala que " la concepción imitativa en la pintura encuentra posteriormente (en el siglo XVI) su inflexión más alta en Las Meninas de Velázquez: su representación del acto de la representación. En esta obra del gran maestro español, se pinta que se está pintando. Reflexividad del cógito cartesiano, racionalismo pictórico y construcción en abismo"

El Maestro de la Escuela 1954  - Magritte

"Dicha paita imitativa - ilusionista - sigue Foucault - encuentra la crisis en la pintura occidental del pasado siglo XX con el advenimiento vanguardista".

Por ello, desde mi punto de vista, pienso que el realismo mágico de Magritte, el expresionismo abstracto (Willem de Kooning, Rothko, etc) o el surrealismo fueron esas vanguardias que estimularon una mirada street diferente a partir de la década del '50 del siglo pasado, en grandes pioneros como Leiter, Haas, Metzker, Stettner, Harbutt, Herzog, Friedlander...y más adelante con Pinkhassov, Gruyaert, Webb, más cercanos a mis gustos documentalistas

Dos grandes miradas street. Parte 2: Gruyaert

Como dije en el anterior post, a mi me gusta pensar que la street photography transite por caminos personales pero que reivindique: - una fotografía no vaciada de contenido en el juego estético de la composición;
-         -   y el valor de la fotografía como una finalidad y no como tema, ésto último más propio del fotoperiodismo.
Por ello,  en esta segunda parte hablaremos un poco de la mirada street de Harry Gruyaert.
El gran fotógrafo belga de Magnum  abrazó la influencia de la pintura surrealista belga de René Magritte y Paul Delvaux que le sirvieron para reconsiderar estímulos visuales de la realidad desde una perspectiva nueva.
 

Ostende 1988  incluido en su libro Made in Belgium © Harry Gruyaert

" Mi trabajo dice mucho de mi y sobre los temas que fotografío. No puede considerarse  reportaje periodístico; desde luego, no rechazo el valor del periodismo; pero este campo no me interesa de un modo especial. Lo que realmente cuenta para mi es la fuerza intrínseca de cada imagen" Harry Gruyaert

Ostende 1988  incluido en su libro Made in Belgium © Harry Gruyaert

Lo que constituyó para él toda una cuestión de actitud y de aprehender de un mundo falto de sensibilidad que precisa ser transformado por lo menos a través de sus imágenes.

Amberes 1988  incluido en su libro Made in Belgium © Harry Gruyaert

incluido en su libro Made in Belgium © Harry Gruyaert 

Un abrazo y hasta el viernes!!

Dos grandes miradas street. Parte 1: Pinkhassov

Actualmente el street photography está en su plenitud.  En Flickr,  por ejemplo,  a diario encuentro muchos fotógrafos nuevos interesados en este subgénero documental y posiblemente estemos viviendo un gran momento gracias al fácil acceso a las redes sociales y a la democratización del uso de cámaras digitales de todo tipo y de los móviles inteligentes. Todos los días me sorprendo con nuevos y notables trabajos.

A mi particularmente me gusta pensar que la street photography transite por caminos personales pero que reivindique: - una fotografía no vaciada de contenido en el juego estético de la composición;

-         -   y el valor de la fotografía como una finalidad y no como tema, esto último más propio del fotoperiodismo.

Para reafirmar estos conceptos y no perderse en el heterogéneo camino visual actual de la street photography , es bueno darle una ojeada a cualquier trabajo del ruso Gueorgui Pinkhassov .

©  Gueorgui Pinkhassov

Pinkhassov desde temprana edad recibe una gran influencia del movimiento ruso de cine, especialmente del director Andrei Tarkovski que a través de una poética y pretendida ambigüedad del discurso de sus films realizó una lúcida crítica  de fondo al régimen soviético.

Pinkhassov trabajó junto a él en Stalker (1979) y para el fotógrafo fue un punto de inflexión, un antes y un después.

París - France 1997 © Gueorqui Pinkhassov  

En esos intercambios de conocimientos entre el fotógrafo y el cineasta, éste último lo animo a realizar un street photography con un enfoque más personal, rica en metáforas visuales sobre una realidad soviética en decadencia donde la luz, los vibrantes colores y el encuadre tenían un protagonismo excluyente. Y este enfoque no lo abandonó jamás a lo largo de su carrera en cualquier espacio público de cualquier ciudad.

Tokyo 1996 ©  Pinkhassov

“Lo principal es construir la composición con elementos como si fuera un jeroglífico jugando con la sombra y la luz” señala Pinkhassov, el único fotógrafo ruso de Magnum

Tokyo ©  Pinkhassov  

El miércoles vendrá la segunda parte con Gruyaert..no se lo pierdan!! un abrazo grande!