Ilustre desconocido de carteles carreteros

El fotógrafo Toon Michiels no pertenecía al movimiento que se hizo llamar: New American Color que revolucionó la fotografía a color documental. Tampoco ha tenido el reconocimiento de algunos de sus miembros como  Joel Sternfeld, Stephen Shore o William Eggleston.  A pesar de ello, a todos los unía el amor por las carreteras americanas y su entorno;  especialmente por los peculiares carteles, neones  de gasolineras y hoteles que de tanto fotografiarlos en los  ’70 del siglo pasado,  se han convertido en una especie de símbolo de la cultura de Estados Unidos de aquellos convulsionados años.

© Joel Sternfeld

© Stephen Shore

© William Eggleston

Sin embargo, el trabajo de Toon Michiels tiene un punto diferencial al de sus afamados compañeros americanos. Michiels, durante sus  viajes por las rutas de los Estados Unidos, se quedó maravillado con los carteles tanto de día como de noche. Entonces decidió fotografiarlos sistemáticamente y armó una serie de dípticos.

© Toon Michiels

© Toon Michiels

Ese trabajo titulado: American Neon Signs by Day & Nightfue publicado de una manera muy artesanal en 1980 por una pequeña editorial holandesa y pasó inadvertido para el gran público.

Páginas de la primera edición publicado por Rosbeek 1980

Páginas de la primera edición publicado por Rosbeek 1980 

Y como siempre pasa, luego que falleció (el año pasado) revalorizaron su trabajo: la prestigiosa editorial francesa Marval reeditó el trabajo; se le hizo una retrospectiva en los Encuentro de Arles de ese año y actualmente está en exposición en el Fotomuseum de Amsterdam.

Hasta pronto!

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Ilustres desconocidos del color

Posiblemente, dentro de 50 años, muchos de nosotros estaremos en el armario del olvido de este mundo actual, como nunca tan visual y, a la vez, tan despersonalizado.

Por eso, no me sorprende, en esta inmediatez en la cual vivimos y de la cual, no podemos escapar que se olviden rápidamente de muchos pioneros que forjaron con pasión y creatividad la historia de la fotografía. Y,  en lo que a mi me interesa, la historia de la fotografía urbana a color.

Quiero mencionar en primer lugar, a uno de los primeros fotógrafos alemanes que experimentó con el color para realizar sus trabajos urbanos. Me refiero a Peter Cornelius.

de su libro Couleur de Paris © Peter Cornelius

Gracias a este fotógrafo, prácticamente desconocido hoy en día y que figura en contados manuales de fotografía, podemos darnos una idea de cómo era Paris a color en los años cincuenta del siglo pasado.

de su libro Couleur de Paris © Peter Cornelius

de su libro Couleur de Paris © Peter Cornelius

Su trabajo sobre la capital de Francia fue revolucionario (la redefine visualmente gracias al color) como lo fue Gonzalo Juanes (con su serie de la calle Serrano de Madrid en los ‘60). Unas islas históricas de color entre tanto blanco y negro en Paris a mediados del siglo pasado.

páginas de su libro Couleur de Paris (1962) © Peter Cornelius

“El descubrir visual de París por parte de Peter Cornelius es similar a la del niño – señala el famoso escritor Jacques Prévert en el prólogo de su libro Couleur de París (1962) – No miraba la ciudad a través del ojo de la ciudad turística. Lo tomó amigablemente por el brazo (al niño)  y lo llevó a donde quiso y parece estar bien”.

de su libro Couleur de Paris © Peter Cornelius

de su libro Couleur de Paris © Peter Cornelius

Otro ilustre pionero del color (un poco más recordado en la actualidad principalmente en su país natal: Japón) es lhei Kimura.

páginas de su libro Paris (1974) © Ihei Kimura

páginas de su libro Paris (1974) © Ihei Kimura

Kimura realizó este gran trabajo pionero sobre Paris a mediados de los años cincuenta del siglo pasado.

páginas de su libro Paris (1974) © Ihei Kimura

páginas de su libro Paris (1974) © Ihei Kimura

Por último, en sintonía contemporánea con los trabajos de Cornelius y Kimura,  deseo mencionar a Edmond Séchan. 

Escena de Le Ballon Rouge (1956)

Entre otras cosas, Séchan fue el  director de fotografía de un mediometraje a color que es un canto a la poesía visual y a la composición en color. Me refiero a El globo rojo (1956) dirigido por otro ilustre desconocido: Albert Lamorisse.

Escena de Le Ballon Rouge (1956)

A través de un niño y un globo rojo, la lúcida cámara de Séchan vaga por las calles de Paris como un fotógrafo urbano excepcional. Les dejo este video que merece la pena observarlo con calma, algo dificil en este hoy con tanta prisa.

Hasta pronto!

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Olas rítmicas urbanas

En el momento previo, cuando “cocino” en mi entorno alguna imagen que deseo plasmar con mi cámara, pienso, sin darme cuenta, en el ritmo visual. El ritmo se expresa visualmente en el juego armónico de líneas, recurrentes, organizadas que favorecen la lectura de una imagen compleja.

© Charles Harbutt

© Ramón Masats

También se asocia a repeticiones y a rupturas. Allí radica parte de la potencia visual del ritmo.

Kabul © Gueorgui Pinkhassov

La asimetría en los paralelismos también contagia de un ritmo especial a la fotografía.

© Alex Webb

Y,  para los coloristas, la adecuada asociación cromática crea ritmos ciertamente armónicos.

© Fred Herzog

Una fotografía que posee ritmo visual, transmite fluidez, armonía. Siempre lo asocio con el movimientos de las olas, como si se tratara de un continuo eterno, de un ir y venir de formas, líneas y proporciones.

© Alex Webb

Las redondeces dan estabilidad a la imagen junto como también las proporciones triangulares que brindan profundidad de campo.

© Harry Gruyaert

El paisaje urbano es un espacio rico en olas rítmicas. Suelo ir por las calles, cantando bajito, al ritmo de una melodía que me ayuda a organizar lo que observo. Pienso que le da sustancia, esencia al disfrute de la fotografía.

Figueres 2016

Hasta pronto!

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Paisajes cinematográficos de imaginación

Dicen los que saben que el paso inmediato a la fotografía urbana, es la fotografía de carretera (algo así como un road movie). Aquella que te lleva por los confines de la imaginación a través de un camión, un auto, un barco o un tren.

Así aprendí a valorar este tipo de fotografía desde Robert Frank en adelante, pasando por Lee Friedlander, la American New Color;  y desembocando en Plossu, en Navia junto con los más contemporáneos como Trent Parke y su Minutes to Midnight  o Mike Brodie. Por citar algunos ilustres nombres del nomadismo fotográfico.

El buen fotógrafo de carretera examina en profundidad la periferia, esos espacios intermedios que sugieren más que mostrar; que encuentran más lugares vacíos de gente pero que están llenos de ausencias contenidas.

Hace unos años, paseando por una librería de Barcelona, me cautivó una fotografía que aparecía en la tapa de un libro de Raymond Carver.

Y al averiguar la autoría de esa hooperiana imagen, descubrí que era de Todd Hido. Y comencé a seguir tu trabajo.

de su libro Excerpts from Silver Meadows (2014) © Todd Hido

En esa línea parece dirigirse desde hace un tiempo, el trabajo de este americano nacido hace 48 años en Ohio. Me gusta y mucho su fotografía de carretera en donde transforma los paisajes en escenas muy cinematográfica,  llenas de imaginación y sugerencia.

de su libro Excerpts from Silver Meadows (2014) © Todd Hido

Con frecuencia, sus fotografías tienen  de marco su propio auto,  en sus continuos viajes por California, su lugar de residencia. A Hido le gustan los suburbios, las estaciones gasolineras, las casas aisladas y por supuesto los paisajes de carretera.

© Todd Hido

de su libro A Road Divided © Todd Hido

Otro fotógrafo que me interesa y que va por este camino es el japonés Koji Onaka al que conocí a través de una entrevista que le hizo la gente de ASX hace un tiempo.

de su libro Twin Boat (2013) © Koji Onaka 

“Los suburbios no cambian al mismo ritmo de las ciudades – señala Onaka – Algunos de los lugares que visité hace 20 años se verá de la misma manera hoy en día. No estoy interesado en las multitudes, por lo que es más propicio a mis hábitos de trabajo que se encuentran en las afueras”

de su libro Twin Boat (2013) © Koji Onaka 

Onaka viaja constantemente por su país y sus escenas me cautivan también por lo cinematográficas que son y por su melancólica mirada muy auto referencial como la fotografía de Hido.

de su libro Slow Boat (2003) © Koji Onaka 

de su libro Twin Boat (2013) © Koji Onaka 

La carretera lleva al auto conocimiento, al viaje interior y por allí, como dicen los entendidos, van los caminos de la fotografía urbana.

Hasta pronto!

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Luces dramáticas

En fotografía, las luces dramáticas no tienen que explicarse como una tragedia o como una situación al filo de la muerte. El dramatismo en fotografía se traduce en un especial impacto visual donde la luz incide de una forma particular en el color y en la materia transmitiendo emociones encontradas.

Harry Gruyaert las llamaba “luces blancas” y "viven" principalmente en el Meditterráneo tanto europeo como africano. Esas luces dramáticas inciden en la vida cotidiana de su gente y en su geografía. Las luces dramáticas le brindan un pulso vital y peculiar a la región.

Sin embargo, no son fáciles de captar en su verdadera personalidad, tanto en fotografía como en la pintura. Algunos pintores como Caravaggio si lo lograron y consiguieron,  con gran destreza,  plasmar  esas “luces dramáticas” en sus lienzos para la posteridad.

La Vocación de San Mateo (1599 - 1600) Caravaggio.  

Cena de Emaús. 1601. Caravaggio

También Eugène Delacroix encontró esas luces en sus viajes por Marruecos y el sur de España en 1832, maravillándose con sus atmósferas lumínicas y con su color.

Boda judía en Marruecos. 1839. Delacroix

 “Cuando pinto un cuadro, no escribo un pensamiento” señaló el pintor después de su experiencia mediterránea .

Marruecos. Delacroix

Según él, lo que le provoca emoción en un lienzo era poder plasmar esos valores plásticos diferenciales: materia, luz, color.

Las luces dramáticas también las encuentro en muchas fotos de Bruno Barbey, en su querido país natal.

Marruecos © Bruno Barbey

Marruecos © Bruno Barbey

Marruecos © Bruno Barbey

Tánger © Bruno Barbey

O de Navia tras los pasos de Miguel de Cervantes por varios rincones del Meditterráneo.

Villar de Cantos. San Clemente, Cuenca © Navia

Barcelona © Navia

Las luces dramáticas expresan la identidad del Mediterráneo y su entorno. Y como señala el poeta catalán Joan Manuel Serrat en su emblemática canción Nací en el Mediterráneo: “ …yo, que en la piel tengo  el sabor /  amargo del llanto eterno / que han vertido en ti cien pueblos /  de Algeciras a Estambul / para que pintes de azul / sus largas noches de invierno. /  A fuerza de desventuras / tu alma es profunda y oscura. / A tus atardeceres rojos / se acostumbraron mis ojos / como el recodo al camino”.

Hasta pronto!

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Perpendicular al plano horizontal

Una de las cosas más gratificantes que me ha regalado la fotografía urbana es poder  interaccionar, tiempo después, en la vida de algunas personas desconocidas que de forma azarosa aparecen en mis instantáneas. Algo de todo ello me pasó hace unos años con una fotografía sobre Helena. 

Hace poco  me pasó algo parecido. O mejor dicho gracias a un proyecto fotográfico de arte callejero que llevo adelante. 

Titulo de la obra: Protege tu mente. Figueres

 Resulta que el año pasado, descubrí una llamativa baldosa  sobre un pilar de la Plaça del Gra  en Figueres y comencé a investigar su trabajo que está diseminado por varias ciudades de Catalunya, entre ellas Girona y Barcelona.

Titulo de la obra: Reconstruye tu mente. Figueres

Este prometedor artista callejero que firma con el seudónimo de BL2A (si se lo pronuncia lleva a decir justamente: baldosa); casi siempre fija sus trabajos al ras del suelo o cerca. Y me gustan  porque los rostros que aparecen buscan interrogar visualmente a los peatones sobre dudas existenciales de la vida.

Nadie conoce su cara, ni su nombre y gracias a los amigos de una librería de Figueres, pude contactar con él un año después. Y para mi sorpresa, me invitó a conocer  su taller de creación y así observar su cocina creativa.

Allí, en su espacio, abarrotado de aerosoles, dibujos y cajas, el artista me confesó que tiene pensado llevar “sus baldosas” a muchas ciudades españolas y que  desea mantenerse siempre en el anonimato porque “primero está su obra, antes que el ego del artista”.

Y le creo. En todo momento me pareció muy comprometido con su arte. También me reveló que no recibe ningún apoyo económico para hacer su obra,  salvo de sus trabajos temporales. 

retrato del artista

Como seguir sus pasos callejeros lleva un cierto tiempo ( les dejo un mapa google con la indicación de sus obras en espacios públicos); el artista reinterpretó algunos de sus trabajos urbanos para adaptarlos a un espacio de exposición. 

Una obra reinterpretada para la expo

De esa manera, a partir de mañana a las 19, 30 horas podrán ver parte de su obra   en el Centre Cultural la Bòbila en Barcelona, titulada “Perpendiculars al Pla Horizontal”. No se lo pierdan....abran sus mentes con sus baldosas!

Hasta pronto!

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