Hubo un tiempo que Nueva York era distinta y sin móviles

1983 Nueva York

Las ciudades cambian a ritmos vertiginosos en pocas décadas. Un ejemplo de ello puede ser Nueva York que,  desde los ’80 del siglo pasado a hoy en día, nos ofrece un abismo de diferencias urbanas, de modas, de gustos, de publicidades, de nuevos edificios y autos.

1982 Nueva York

1982 Nueva York

En ese contexto, un fotógrafo preocupado por atestiguar su tiempo,  a través de sus fotografías de calle,  como lo es Richard Sandler nos muestra un documento incunable de una ciudad que ya fue o que está a punto serlo.

1985 Nueva York

1985 Nueva York

“Estás registrando tu tiempo – señala Richard Sandler a Mail Online -  si usted está en la calle, lo ve. Puedes ver todo en la calle”.

1984 Nuevba York

1984

Las fotografías de calle de Sandler fueron registradas durante los años '80 y  muestran una NY un poco más sucia que ahora, (dicen los conocedores de la gran manzana ) y donde aún no se nota aún la presencia de móviles.

1990 Nueva York

década del '80 Nueva York

“No hay nada más aburrido, nada más anodino que una persona con un teléfono celular caminando por la calle – señala el fotógrafo – Ellos parecen estar fuera de juego, caminando en burbujas”.

1978 Nueva York

Sandler, además, es un prestigioso cineasta y entre sus galardones, logró una beca de la Fundación Guggenheim en el 2006 y dos becas de la Fundación Nueva York entre 1992 y 1998. Fruto de todo ello, en el 2007 estrenó un documental sobre los fanáticos religiosos que pululaban por el centro de la ciudad entre 1992 y 1998: The Gods of Times Square

 Hasta el miércoles!!

El rectángulo en la mano, una rareza mágica

Posiblemente sea uno de esos libros que nunca podré tener en mi biblioteca personal.

Sumado a esa imposibilidad, El Rectángulo en la mano me parece tan mágico y misterioso que suma otro capítulo notable, muy acorde con la vida y la obra de Sergio Larrain.

Comprarlo es una quimera (lo venden a 18.000 euros en una web) y a eso hay que agregarle que sólo se publicó una sola edición y de pocos ejemplares.

 El Rectángulo en la Mano (Cadernos Brasileiros /Editorial Universitaria)  fue publicado por Sergio Larraín debido a una exposición que hizo en Santiago de Chile en 1963.

Según el prestigioso blog inglés 5B4: “ se trata de un folleto encuadernado grapado de 12 folios (con 17 imágenes) de una serie que (Larraín) capturó de niños vagabundos en Chile”. Y parece, según el blog, que estos ejemplares los hizo a mano el propio fotógrafo.

Y el misterio sigue…..Más adelante comentan que si alguno lo quiere hojear pueden encontrar una copia en la biblioteca Martínez Romeo de laMaison Européenne de la Photographie o en el MOMA de Nueva York.

Lo único que sé es que el nuevo libro retrospectivo del fotógrafo chileno nos va a permitir volver a mirar esas fotografías de El Rectángulo en la mano pero como objetos y no como simples imágenes virtuales. Y podremos observar , a través de esas fotografías, el auténtico alma de Larraín que él, en vida, salvo raras excepciones, nunca quiso mostrarlas.

Por último, me encantaría que le den un vistazo a un artículo que realizó el escritor argentino Juan Forn en homenaje a Sergio Larrain.

Buen fin de semana!

El romanticismo en las polaroids de Tarkovski

Como también lo hicieron André Kertêsz o Walker Evans, el gran director ruso Andréi Tarkovski también abrazó el uso de la Polaroid como un medio para realizar una fotografía más personal, poética, surrealista.

© Andrei Tarkovski

En 1977, su amigo y también director Michelangelo Antonioni le había regalado una polaroid que el ruso inmediatamente se puso a utilizar. Así realizó centenares de fotografías entre esa fecha y hasta muy cerca de su fallecimiento en París en 1986.

© Andrei Tarkovski

60 fotografías cuidadosamente editadas y seleccionadas a partir del archivo del Instituto Internacional Andrei Tarkovski en Florencia, fueron publicadas en formato libro en su versión inglesa por Thames and Hudson en el 2006 bajo el título Instant Light. Tarkovsky Polaroids.

Al igual que Kertész, el ruso experimentó con su propia vida y la de su entorno más personal, durante su estancia en Rusia. Tarkovski reveló en su momento que esos paisajes de niebla estaban inspirados en paisajistas románticos alemanes como Caspar David Friedrich.

© Andrei Tarkovski

También en el libro aparecen fotografías tomadas en Italia, durante los momentos libres que le dejaba la preparación de su film Nostalgia (1983). 

© Andrei Tarkovski

De esa manera, estas instantáneas revelan su gran sensibilidad estética (que tanto gustaba a Gueorgui Pinkhassov, su discípulo favorito) característico de todos sus films. 

Los dejo con un video que muestra parte de este trabajo con una excelente música clásica muy a tono con la melancolía que transmiten sus fotografías.

¿La nueva Blow Up es sólo una cuestión fotográfica?

El sábado pasado me encontré en la videoteca del barrio con un reciente film de Wim Wenders que me cautivó de entrada porque observé en la sinopsis explicativa una clara analogía con Blow Up: un thriller dinámico,  psicológico, el personaje era un consagrado fotógrafo de modas, buena música. Y si a eso le sumamos Lou Reed, Dennis Hooper y Patti Smith, el cóctel sonaba explosivo.

También recordé que cuando se estrenó este film de Wenders en el 2008, pasó bastante desapercibida entre el gran público y fue maltratada por la crítica especializada que la consideró “muy pretenciosa” o “aburrida”.

Me refiero a Palermo Shootting que en su momento se presentó como el film más personal del gran cineasta alemán. Un thriller que habla sobre la vida y principalmente es una reflexión sobre la muerte. Desde mi humilde punto de vista: la Blow up actual. 
De hecho,( oh casualidad!!),  Wenders dedica el film al gran director italiano. 

Luego de verla, debo confesar que el film no me drefaudó, a pesar de algunos momentos muy excéntricos de narración visual. Me pareció tan onírico y existencial como la obra de Antonioni. 

Quizás, Wenders lo realizó de una manera más poética, metafísica.  Además, su reflexión sobre la muerte no estaba centrada en un asesinato (Antonioni) pero si en un camino ineludible, único al que vamos todos pero  que puede ser más soportable, si cabe esta palabra,  si se lo acompaña con amor. 
Ese es el mensaje vital del film y todo ocurre a través de la fotografía como un nexo neurálgico.







En ese sentido, me parece una peli genial desde mi punto de vista: bien montada desde un primer momento con unos impactantes juegos de fotogramas  y al final del largometraje, se muestran los mismos fotogramas pero con las fotografías que el personaje principal fue capturando a lo largo del film.

Además de descubrir una gran cantidad de buenos temas musicales de bandas como Velvet Underground, Portishead, etc,  que iba escuchando el fotógrafo a través de sus auriculares en sus vagabundeos fotográficos por Palermo (Sicilia); descubrí la pragmática cámara que usaba en la calle: la mítica Plaubel Makina 67 de medio formato. Observen la cámara en algunas escenas del film en el siguiente video.

“La película no es sobre el sentido de la vida, sino sobre la importancia de no perder la oportunidad de vivirla” señaló Wenders en un reportaje realizado por Neva Micheva. “Además es mi primer obra interactiva porque ésta existe en el ojo de quien la está viendo y le permite penetrar muy adentro de sí mismo. Si no, queda fría, misteriosa, un sistema cerrado”

Y la fotografía hace el resto, a través de una cámara, de un ojo, de un pensamiento. 

Visiones de la realidad de Hopper

Durante el atractivo programa fílmico que presenta  desde hoy la X edicion del Festival de Cine Europeo de Sevilla, hay un largometraje que me interesa resaltar ya que está inspirado en uno de mis pintores favoritos: Edward Hopper.

El film en cuestión es: Shirley – Visions of Reality del director austríaco Gustav Deutsch.

Gustav Deutsch, figura imprescindible de la vanguardia fílmica europea, introduce al gran pintor realista, famoso por capturar la esencia de la vida americana durante el siglo pasado, a través de 13 de sus más emblemáticos cuadros transformados en episodios durante el film.  

Escena del film

El director austríaco encuentra esa receta única de episodios / cuadros y los recrea a través del complejo retrato de la protagonista: la actriz Shirley.

Escena del film

La obra pone en evidencia una fuerte tensión interior y el misterio (cualidades características de la obra de Hopper) y un estado suspendido de introspección. El papel de Shirley muestra a una mujer en los años ’30, ’40, ’50 que no acepta su propia realidad y cuestiona los años de la Depresión americana, la Segunda Guerra Mundial o la era de MacCarthy y su peculiar “caza de brujas” comunistas.

La dirección de fotografía está a cargo de Jersy Palacz y a continuación veremos el trailer oficial de esta prometedora película que se presentará en diferentes salas de cine sevillanas durante todo este fin de semana.  Espero que la pasen bien y los que la puedan ver, me cuenten sus primeras impresiones de este film. 

Fascinación por el color de Marruecos

"Un accord splendide entre les formes, les couleurs, les gestes au quotidien, la nature" Harry Gruyaert

El 30 de octubre pasado en las cómodas instalaciones del espacio cultural de Le Bal en París, Harry Gruyaert presentó su nuevo libro Maroc.

Publicado por Textuel Ediciones, el nuevo libro presenta 80 fotografías que resumen la íntima e intensa relación del fotógrafo de Magnum con Marruecos.

1988 © Harry Gruyaert

1988 © Harry Gruyaert

Las fotografías de este libro abarcan 40 años de idas y venidas de Gruyaert por este país lleno de luz y color que de la mano del fotógrafo belga se acentúa mucho más toda esta cosmovisión estética.

Alto Atlas 1986 © Harry Gruyaert

“La luz y la sombra, las paredes, los tejidos, los elementos visuales encarnan la esencia del mundo marroquí que está cambiando muy rápidamente” señala Gruyaert.

Marrakesh 2003 © Harry Gruyaert

Marrakesh 2003 © Harry Gruyaert

El prólogo del libro fue escrito por Brice Matthieussent, prestigioso profesor de estética de la Ecole des Beaux – Arts de Marsella. 

1988 © Harry Gruyaert

Hasta el viernes!

Excéntricos americanos

© François Le Diascorn

Cuando el fotógrafo François Le Diascorn presentó su serie fotográfica sobre los americanos en el Visa Pour l’Image del 2009, los espectadores se sorprendieron gratamente por su mirada poco convencional y singular sobre la gente común que habita en los Estados Unidos.

Colorado © François Le Diascorn

“La excentricidad es una especie de libertad y es parte del sueño americano. Los estadounidenses creen que pueden hacer cosas extraordinarias. Es por eso que las cosas extrañas van ocurriendo. Ellos no tienen ningún complejo y una actitud muy positiva” señaló Le Diascorn durante la presentación de su Only in América en Perpignan.

© François Le Diascorn

Finalmente, un año después, Creaphis Editions publica su Only in América  en formato libro que contiene 71 fotografías en blanco y negro tomadas durante un período de más de 35 años entre diferentes viajes por USA.

"Para bien o para mal – señala el fotógrafo de la mítica agencia Rapho – la sociedad americana siempre está en movimiento, siempre está descubriendo nuevas fronteras. Es una sociedad que valora la ruptura, lo excepcional y que,  en última instancia,  es capaz de combinar una cierta forma de desequilibrio a la norma."

Virginia © François Le Diascorn

“Esto es lo que nosotros, los europeos, vemos como un exceso de América, el elemento de locura en la sociedad que pone en tela de juicio el mundo moderno". 

Chicago © François Le Diascorn

" La sociedad estadounidense, incluso en sus aspectos más conservadores, acaba por integrar en su seno los elementos de la locura: fantástico y extraño, raro y original."

Boston © François Le Diascorn

© François Le Diascorn

Hasta el miércoles!!