Cinco street - Flickr - photographers

Hoy en día,   la street photography está en la cresta de la ola de las redes sociales,  en lo que se refiere a divulgación de imágenes  de este apasionante subgénero documental .

 Y también aparece como el corredor ideal para que los noveles fotógrafos de calle se hagan conocer.

Facebook, Instagram (para los móvil street), 500px y en especial Flickr son los vehículos más idóneos, las plataformas más apropiadas para divulgar,  por ahora, (y reitero, por ahora)  toda una  creciente avalancha de grupos, de imágenes urbanas desde cualquier ciudad del mundo. Da la sensación que los street photographer aparecen como hongos en cualquier urbanidad.

Pero no todo es bueno. Que quede claro.

 Hay mucho de lo mismo y supongo que al observar  tanta saturación de fotografías de calle, se hace mucho más difícil hallar algo diferente, algo que impacte fotográficamente hablando con un trabajo consistente, regular, de nivel alto.

Con este contexto,  Flickr está un paso más adelante que el resto de las redes en relación a la calidad de los fotógrafos que interactúan en varios grupos e iniciativas fotográficas y es el mejor escaparate de  fotógrafos de calle noveles.

 Por eso, desde algún tiempo,   me he tomado el trabajo de seguir a algunos street photographers  emergentes que en este post quiero nombrar.

La selección de los autores y las imágenes que he realizado aquí responden   a varias variables de elección:  1) que aún no tienen un gran reconocimiento pero pronto lo tendrán, sin lugar a dudas;

2) que tengan trabajos consistentes y regulares (fundamental ya que no es sólo una fotografía bonita. Hay todo un trabajo de calidad detrás que lo avala)

3) que, a través de la imagen,  transformen hechos cotidianos en momentos extraordinarios y, que además, no se queden sólo en la mera estética.

4) y que no pertenezcan a Calle 35, el colectivo de street photographers al cual pertenezco y de los cuales estoy muy orgulloso porque son todos muy buenos.

Por ahora voy a nombrar a cinco:

Andrea Bianco (Italia)

© Andrea Bianco

Baptiste Hauville (Francia)

Lyon France ©  Baptiste Hauville

Javier Martín (España)

Barcelona ©  Javier Martin

Gustavo Minas (Brasil)

©  Gustavo Minas

Cedrus.k (Líbano)

©  Cedruk.k

Un buen fin de semana y hasta pronto!!!

Las calles de Sidney por Trent Parke

2005 George Street. Sidney, Australia  © Trent Parke

Las calles de algunas ciudades del mundo que aún no conozco me enamoran gracias a la poética y extraordinaria mirada de algunos fotógrafos y en especial los que utilizan el color  con especial énfasis documental y compositivo .

Ya me pasó con las calles de Vancouver (Canadá) de Fred Herzog, o las de Nueva York con Ernst Haas, Saúl Leiter o Joel Meyerowitz.

2006 George Street. Sidney, Australia  © Trent Parke 

Y otro tanto me pasa con esta especial serie fotográfica que vengo mostrando desde el principio de este post del fotógrafo de Magnum Trent Parke. sobre Sidney (Australia)

Sidney  © Trent Parke   

Parke transforma imágenes triviales de la calle en momentos extraordinarios.

2006  Sidney, Australia  © Trent Parke  

Me cautiva la forma en como capta la luz y, en algunos casos, como encuentra la refracción de la misma en los edificios. En algunas imágenes como las últimas dos,  me da la sensación que los peatones están en un improvisado set de filmación.

Sidney, Australia  © Trent Parke  

Un abrazo y hasta el viernes!

Un film street: El rayo verde

Del sol quedaba un último, frágil anaranjado. Lo vimos desaparecer detrás del perfecto borde del mar, envuelto en el halo que aún duraría algunos minutos. Y entonces surgió el rayo verde, no era un rayo sino un fulgor, una chispa instantánea en un punto como de fusión alquímica, de solución heracliteana de elementos. Era una chispa intensamente verde, era un rayo verde aunque no fuera un rayo, era el rayo verde. 

Julio Cortázar

(A veces una imagen habla por mil palabras. Pero creo que este texto habla por mil imágenes) 

La filmografía de Éric Rohmer   (y junto a él, directores de fotografía como Néstor Almendros)   tiene muchas características compositivas y de narración que lo asocian al universo de la street photography.

Un claro ejemplo de ello y que fue el film más arriesgado de Rohmer es Le Rayon Vert (1986). Allí el director francés y representante genuino de la nouvelle vague francesa,  parte de un guión sin diálogos donde los actores van improvisando sobre la marcha.

Y no sólo se emparenta con el mundo street en lo que se refiere a la fotografía, sino al anárquico discurso narrativo en general, a la aparente improvisación de escenas y personajes y  a la sensación de discurrir por cualquier lugar en cualquier momento sin una mínima organización previa.

Rohmer hace arte de lo trivial. Le interesan las conversaciones vulgares y la directora de fotografía, Sophie Maintigneux  pone énfasis en mover la cámara de una manera fortuita sobre cualquier personaje en las escenas del film y logra con este efecto, cierta naturalidad, espontaneidad y  en ese sentido se emparenta con lo street .

Escena del film

A pesar que el film ha levantado bastante polvareda y ha sido retratada como una película tediosa sin fundamentos, desde mi punto de vista tiene un valor documental muy importante porque Rohmer logra hacer arte en la trivialidad urbana y trasciende así, su personal visión de la naturaleza humana y la soledad.

“ Es una película para la cual no he escrito nada. – señala Rohmer al diario Libération en 1986 – El estímulo vino de algo que había leído en un correo del corazón. Una mujer decía que se encontraba guapa pero que los hombres no la miraban. Luego en Biarritz tomé consciencia del anonimato de la muchedumbre y me llamó la atención la cantidad de mujeres solas…”

Hasta el miércoles!!

Polaroids para Elizabeth

Cuando el músico Graham Nash le regaló una Polaroid SX – 70 a un anciano aparentemente acabado y profundamente triste por la desaparición de su esposa; en realidad,  lo que estaba haciendo (el legendario músico de Still, Crosby,  Nash & Young), era contribuir a resucitar la esencia vital, innovadora de un auténtico y original creador de imágenes.

Hasta tal punto,  que ese legado quedó impreso en un gran libro que para mi encierra las composiciones más hermosas que se hayan hecho con las antiguas polaroids.

Me refiero a The Polaroids (2007) y el autor (escrito con mayúsculas) es ANDRÉ KERTÉSZ.

Es cierto que pocos trabajos fotográficos han podido o pueden mantener su fuerza original a través del tiempo. Muchos envejecen y éste no es el caso de la obra en general de Kertész.  Sus imágenes, sus composiciones visuales parecen siempre vitales y capturan las incongruencias del tiempo y el espacio de una manera siempre original. Y ese es el gran mérito de esta fotógrafo húngaro.

Esa vitalidad tantas veces observada en sus trabajos en activo entre los años 20, 30 y 40 del siglo pasado, logran resucitar en esta última etapa creativa de Kertész con sus polaroids.

1980 © André Kertész

 Y casi sin moverse de su apartamento de Nueva York. Simplemente guiado por su genio fotográfico y su amor a Elizabeth, su esposa recientemente fallecida en esos desosegados días de fines de los setenta.

© André Kertész 

Además todo esto prueba, que la fotografía, una vez más, puede ser  un lenguaje útil y terapéutico para quien lo necesita.

Autoretrato © André Kertész   

 Y Kertész se renovó espiritualmente con este innovador impulso de las polaroids ya que, por ejemplo,  le permitió trabajar sin entrar al cuarto oscuro para revelar (hacía 40 años que no lo hacía debido a que en la oscuridad perdía el equilibrio).

Ahora los dejo con un video y una cautivante música para disfrutar de parte de estas polaroids que tan bien le hicieron a Kertész en sus últimos años de vida. Buen fin de semana y hasta pronto!

Historia de una fotografía icónica americana

11 de septiembre 2011 Nueva York © Thomas Hoepker

La historia de esta imagen es extraña,  tortuosa pero también ambigua, de variada interpretación según desde donde se la observe. 

Su explicación puede llevar a reflexionar sobre el valor icónico que puede tener una fotografía en su momento y mucho tiempo después.

En la época que ocurrió el atentado a las Torres Gemelas ,  el fotógrafo de Magnum, Thomas Hoepker decidió no publicar esta instantánea porque según su opinión, tenía una fuerte carga simbólica y no era conveniente mostrar aquello en un contexto  de gran tragedia nacional.

Según el fotógrafo alemán,  la fotografía mostraba, sin lugar a dudas,  a un grupo de jóvenes sentados en el litoral de Brooklyn “ totalmente relajados, como en una tarde cualquiera”.

“Sentía que la imagen era ambigua y confusa. La publicación de la misma podía distorsionar la realidad tal y como lo había sentido yo  en ese día histórico que había visto y leído acerca de la compasión de los neoyorquinos hacia las familias afectadas, los actos de heroísmo de los bomberos, polícias y ayudantes anónimos” señaló Hoepker a la revista neoyorquina Slate.

De esa manera, el único fotógrafo alemán de Magnum no dudó en publicar, cinco años después,  la ambigua fotografía como tapa de su libro  Fotografías 1955 –2005.

A tono con todo esto, el prestigioso columnista del diario The New York Times, Frank Rich señaló  que “ los jóvenes de la foto de Hoepker no son necesariamente crueles. Son sólo americanos”.  

Según Rich,  la fotografía refleja  la división y el desánimo del americano en la actualidad.

No piensa lo mismo  el editor de Slate, David Plotz quien cree que fue una manipulación de Hoepker al querer transmitir con la fotografía,  la sensación que los jóvenes americanos le daban la espalda (metafóricamente hablando) a una nación.

¿Ustedes que pensáis de esta fotografía para enriquecer la reflexión?

Diario visual de mujeres árabes

Hace poco conocí el maravilloso trabajo que viene realizando desde hace unos años, la fotógrafa inglesa Olivia Arthur entre las mujeres de Arabia Saudita.

En mayo de este año se publicó una edición limitada que contiene parte de  este enorme trabajo de la autora y se titula:  Jeddah Diary.

Como bien especifica el título, Jeddah Diary es la personal exploración de la fotógrafa en muchas visitas que realizó a la ciudad de Jeddah (la principal puerta de entrada a La Meca) para tratar de documentar fotográficamente la vida de las mujeres que conoció allí. 

© Olivia Arthur

Un lugar muy difícil para acercarse a sus vidas y la autora se aproximó con mucho respeto y seriedad.

Las fotografías del libro van acompañadas de textos que explican un poco más allá, las viscisitudes de las vidas de estas mujeres árabes.

"Con tanto espacio en  Jeddah, no hay razón para construir las casas tan cerce, pero lo hacen y luego construyen estos muros increíblemente altos para que los vecinos no puedan mirar hacia adentro” Olivia Arthur

© Olivia Arthur 

“…campus de Effat, un colegio universitario que acaba de convertirse en una universidad sólo para mujeres..”

© Olivia Arthur 

“Las mujeres no están oficialmente autorizados para conducir en Arabia…”

© Olivia Arthur 

 Cabe recordar que Arthur fue nominada en el 2008 a pertenecer a la prestigiosa agencia Magnum y desde el año pasado ya es miembro estable.

La luz de Robert Frank siempre está viva

La vigencia del gran fotógrafo suizo y director de cine Robert Frank es tan palpable,  hoy en día,  como lo fue la publicación,  hace más de 50 años,  de su Los Americanos, un antes y un después en  la fotografía documental.

Pero, repasemos un poco  la actualidad de este formidable fotógrafo y del creciente interés actual por su obra.

 En el 2001 exposición itinerante (Robert Frank: Hold still – keep goin) por el Museo Folkwang, el Museo Reina Sofía (Madrid) y el Centro Cultural de Belém (Lisboa Portugal).

En el 2004 el Tate Modern (Londres) le organizó una gran retrospectiva. Un año más tarde el Macba (Barcelona)  realizó un ciclo sobresu cine. También se montó en el Museo di Fotografía Contemporánea de Milán en el 2008 una expo titulada: Robert Frank - París.

Paris © Robert Frank

Luego la obra de Frank se hizo presente en Rotterdam (2009), en el Museo de San Francisco (2009), en el Metropolitan Museum of Art (Nueva York 2010) por citar las más importantes.

La fiebre por Frank sigue este año. Por ejemplo la editorial Steidl publicó otro libro de Frank titulado You Would. 

En sintonía con esta editorial alemana, La Fábrica lo publicó también en España.

Este libro es interesante porque contiene imágenes recientes del autor, algunas polaroids  y, por supuesto con algunas de sus fotografías más icónicas de la década del ’50 del siglo pasado.

Con respecto a sus polaroids, el Oregon Center for the Photographics Arts le organizó a principios de este año una expo. Se tituló Painkiller

© Robert Frank

La muestra contó con 48 fotografías  polaroids que por primera vez se muestran en público . 

© Robert Frank

Recordemos que Frank viene trabajando con este tipo de imágenes desde 1970 coincidiendo con el impulso que le dió el último  Walker Evans al uso de polaroids en la fotografía documental.

Por último los dejo con un video que realizó y dirigió en 1996 junto con su amiga y también gran fotógrafa, músico y poeta, Patti Smith. Espero que lo disfruten tanto como yo. Buen fin de semana!!

Autoedición de tu libro de fotografía : ¿Qué, Cómo, cuando, donde y porqué?

Estamos viviendo un boom de la autoedición y yo hace un tiempo que estoy pensando en auto editarme mi propio libro de fotografía . Y creo que somos muchos los neófitos que estamos en esta actual disyuntiva cuando maduran los propios proyectos. 

Ante todo quiero decir que  plataformas como Blurb  o Bubok (por citar algunas de las más conocidas) no me terminan de convencer porque me parecen poco claras, muy estandarizadas  y poco sensibles a lo que uno realmente quiere o desea.

Realizar yo mismo la maquetación para darle el sentido y el valor que deseo a mis fotografías y luego buscar la imprenta idónea  sería  hacer realidad ese gran sueño tantas veces imaginado, tantas veces postergado.

“No es fácil, a veces es duro, pero te dejará lleno de satisfacciones al final. Esa es mi experiencia, tras más de 25 años de fotografíar y sólo hace 6 publicando” me aconseja el fotógrafo José Manuel Oñoro quien fundó con su esposa La Najarra Producciones para darle un nombre propio a la propia autofinanciación de sus proyectos y ya lleva 4 o 5 libros editados.

“Nuestra financiación parte de nuestros propios trabajos ajenos a este mundo. No tenemos la posibilidad de financiar más que nuestros proyectos,  a veces sin  recuperar la inversión realizada” asegura Oñoro

Por todo ello, seguí investigando en la web y me encontré con la interesante publicidad de un taller que parece idóneo para responder a las inquietudes  editoriales de auto edición.

Se trata de un worshop de edición colectiva de libros defotografía de cuatro días (12 al 15 de julio del 2012) que se dictará en  La Fragua (Córdoba).

El taller lo han diseñado en conjunto Jon Uriarte (fotógrafo y profesor en IDEP) junto con Carlos Abalá e Ignasi López, fundadores de Bside Books.

Allí se cotejarán distintos temas como por ejemplo: procesos individuales / colectivos, métodos y búsquedas de autofinanciación, co edición / co publicación / co producción, materialización y preimpresión.

Y fundamentalmente se trabajará en la edición de un libro fotográfico de manera conjunta a través de un proceso de trabajo en común. Para más información diríjanse a este enlace.

Otro taller interesante para buscar consejos antes de tomar la decisión de auto editar, es el que impartirá el 9 de julio José Manuel Macrillante en el Centro de Fotografía Documental (Barcelona) y se titula  Autoedición de libros con The Private Space.
En este video, Macrillante habla de todo un poco sobre este tema: 

Los spero el viernes!! Un abrazo!!

Lunes otra vez

Lunes otra vez, sobre la ciudad

la gente que ves vive en soledad

siempre será igual, nunca cambiará 

  Lunes es el día triste y gris de soledad

Charly García – Sui Generis1972

Mientras hojeaba Office del fotógrafo sueco Lars Tunbjörk, no sé porque pero me vino a la cabeza, la melodía y la corrosiva letra de esta canción del emblemático  grupo argentino SuiGeneris. Y creo que encaja perfectamente con el libro.

© Lars Tunbjörk

© Lars Tunbjörk 

Incomunicación, soledad, incomprensión, desorden, caos son temas que me transmite este magnífico trabajo de Tunbjörk publicado en el 2001.

© Lars Tunbjörk 

El autor recorre oficinas de Nueva York, Tokyo o Estocolmo con su cámara de medio formato y capta visiones poco convencionales e irónicas.

© Lars Tunbjörk 

Debo confesar que, después de ver Office, sus imágenes me recuerdan a los no lugares que pregona Marc Augé. O  los lugares intermedios de Edward Hopper.

© Lars Tunbjörk 

 Y a pesar que no son lugares de personas en tránsito instaladas durante algún tiempo de espera como una salida de avión, tren o metro; encajan perfectamente en esas características de “no lugares” o “intermedios” en que se convierten las oficinas en este libro de Tunbjök.

© Lars Tunbjörk 

Desde mi punto de vista este trabajo destila visualmente una gran carga simbólica, convirtiendo a las oficinas en una gran obra de teatro pop. 

© Lars Tunbjörk 

Un abrazo y hasta el miércoles!!

Edward Hopper: nuevo libro y exposición en España

A esta altura del partido no tengo mucho más que añadir  sobre la decisiva influencia que ha ejercido  Edward Hopper, el más grande fotógrafo sin cámara,  en  la fotografía documental  y especialmente entre los norteamericanos desde Walker Evans, Lee Friedlander, Robert Frank, Joel Meyerowitz, Diane Arbus, Sthepen Shore en adelante.

En varios post a lo largo de estos dos años, he hablado sobre su relación con la street photography, de su fascinación por los lugares intermedios, de la soledad en la ciudad y de sus libros junto con sus amigos street.  Estas micro reflexiones blogueras también me han servido y mucho  para  profundizar, sobre este apasionante tema,  en mi reciente ensayo  de Caja Azul.

No me cabe duda que la influencia del legado artístico de Hopper fuera del territorio americano también ha sido importante. Y en ese contexto, tampoco tienen dudas  La Fábrica y el Museo Thyssen – Bornemisza (Madrid) , quienes, este mes, cristalizaron en conjunto un extraordinario proyecto editorial: Edward Hopper. Pinturas y dibujos.

El libro de 152 páginas, es una selección exhaustiva de sus pinturas más representativas junto con dibujos y anotaciones de  los cuadernos personales del pintor.

¿Cómo se logró materializar todo ello? . 

Resulta que Hopper y su mujer Josephine llevaban un cuidado inventario, de las obras que vendían,  en una serie de cuadernos. 

Con el tiempo, estas pequeñas descripciones de los cuadros se fueron volviendo cada vez más complejas y el pintor fue añadiendo pequeños bocetos.

Todo esto se puede observar desde ahora en este libro:  una manera diferente de acercarse a sus métodos de trabajo y a la esencia de su pintura.

Y no todo se acaba allí.

El Museo Thyssen – Bormemisza da un paso más allá y armó una exposición sobre Hopper que se inaugurará el próximo 12 de junio y será la mayor expo sobre el pintor hasta ahora en Europa. Y eso tiene un gran mérito.

Como frutilla al postre, habrá varias visitas privadas guiadas al mundo de Hopper: los días 17 y 24 de junio, el 1 y 8 de julio. Se necesitan hacer reservas antes.

Y un más que interesante simposio internacional: Edward Hopper, el cine y la vida moderna. Se realizará desde el 19 al 22 de junio y también hay que hacer reservas para dicho evento.

Este simposio contará con la presencia estelar presencia de directores de cine como Ed Lachman e Isabel Coixet, el director de fotografía Juan Ruiz Anchía y el artista Brian O' Doherty entre otros.

Así que a irse preparando: Edward Hopper ha llegado a España!

Buen fin de semana!!

Joel Meyerowitz: 50 años con la fotografía

Uno de los padres de la fotografía documental a color: Joel Meyerowitz, cumple este año 50 años con la fotografía.

Recordemos que todo empezó cuando Robert Frank,  en 1962,  le insistió que tenía que salir a caminar por Nueva York ( su ciudad natal)  con su cámara de 35 mm y Meyerowitz le hizo caso y  aún la sigue caminando y retratando.

Nueva York 1975 © Joel Myerowitz

Nueva York 1975 © Joel Myerowitz

Pero también paseó por otros lugares..

Florida 1965 © Joel Meyerowitz

Málaga 1965 © Joel Myerowitz 

 Luego se amigó con las cámaras de medio formato y publicó su primer libro Cap Light (1979), 

 Este libro es considerado un clásico de la fotografía en color. Allí, Meyerowitz explora en profundidad las variaciones cromáticas.

 incluido en Cap of Light © Joel Meyerowitz

Así hasta el presente en donde Meyerowitz celebra a lo grande sus “bodas de oro” con la fotografía.

Actualmente se está realizando una exposición retrospectiva sobre su obra en el festival FhotoMed 2012. 
Para los que quieran ver la expo, tienen hasta el 17 de este mes el Hotel des Arts de Toulon (Francia).

Dicha exposición incluye un trabajo fotográfico inédito que realizó en Provenza (Francia)  junto con su esposa, la escritora Maggie Barrett  Y se titula Provence: Eternelles Impressions. Pueden ver (como adelanto) la portada del nuevo libro que saldrá en octubre de este año.

Si les interesa esta novedad editorial,  pueden seguir las aventuras de la pareja  a través de su blog:  Flying the Coop.  

Y por último, y como broche de oro. Phaidón acaba de publicar este mes Taking my Time, 

Taking my time es un lujoso libro de dos volúmenes que recoge lo mejor de su obra en alrededor de 600 imágenes y textos del propio Meyerowitz.

Por último, el gran fotógrafo neoyorquino habla,  en este video, sobre este gran trabajo retrospectivo: 

Hasta el viernes!!