Lugares donde no ocurre nada

Siempre me han gustado esos lugares donde parece que no ocurre nada. Espacios ajenos al ajetreo mundano, donde normalmente la gente no posa la mirada, lugares de tránsito que uno jamás recordaría haber pasado ni siquiera a través de una imagen.

© Lee Friedlander

Son como espacios no valorizados en donde, sin embargo, brotan ciertas fantasías o doy rienda suelta a la imaginación.

© Martin Kollar

Lugares donde hipotéticamente ha pasado tangencialmente alguna historia;  como si se tratara de la estela de un cometa o de su leyenda.

© Robert Adams

O donde seres anónimos depositaron alguna vez sus ilusiones, donde hablaron sobre sus problemas existenciales en esa rutina diaria que nos toca vivir.

© Boris Savelev

Siempre me quedo un rato, observando inmóvil, aquellos escaparates desiertos y me imagino la película del ajetreo diario comercial de gente y más gente,  anécdotas vitales secuestradas por el tiempo y el olvido.

© Sthepen Shore

Lugares que me transmiten la ausencia de actividad o de cosas y pienso en un paraíso perdido y allí radica, para mi,  el encanto decadente del lugar donde no ocurre nada.

© Navia

“Se podría hablar, por una parte,  de itinerarios, de ejes o de caminos que conducen de un lugar a otro y han sido trazados por los hombres” comenta Marc Augé en su libro Los no lugares, espacios del anonimato.

© Marcelo Caballero

“Por otra parte, - prosigue Augé -  de encrucijadas y de lugares donde los hombres se cruzan, se encuentran y se reúnen, que fueron diseñados a veces con enormes proporciones”.

© Robert Frank

Hasta pronto!

Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

La contracomposición del encuadre

Desde hace un buen tiempo, estoy preocupado por las distintas posibilidades compositivas que brinda el rectángulo de la cámara. Son esos aspectos formales que pueden ayudar a encontrar otras variantes y así potenciar el impacto visual y la coherencia narrativa de la serie o el proyecto fotográfico. Un lugar idóneo para hacerlo son los talleres intensivos y allí hablamos mucho con los participantes de las diferentes posibilidades de composición.

Últimamente intento reflexionar sobre el uso adecuado de diagonales para dinamizar espacios. Hemos hablado de encuadrar a partir de los bordes, de triángulos, de diferentes usos de planos. Y ahora podemos incluir a los esquemas formales de composición a los ordenados en zigzag que el arquitecto y teórico holandés Theo Van Doesburg había llamado contracomposiciones.

La pintura de Van Doesburg rompe con la asimetría y ritmo de Piet Mondrian e ilustra perfectamente esas posibilidades abiertas por la dirección diagonal, planos inclinados y la inclusión de colores primarios y complementarios. 

Un buen juego de seducción para la nueva composición y que estimuló al expresionismo abstracto en los años '50 del siglo pasado y de la que se beneficiaron fotógrafos coloristas como Ernst Haas.

Nueva York 1953 © Ernst Haas

Nueva York años '70 © Ernst Haas

El uso de contracomposiciones destruye el equilibrio de lo horizontal y vertical produciendo dinamismo y tensión como puede observarse en el trabajo en blanco y negro: Women are Beautiful de Garry Winogrand.

© Garry Wingrand

O en el cromatismo de Gueorgui Pinkhassov.

© Gueorgui Pinkhassov

En la fotografía urbana la tendencia al desorden se acentúa y los centros de atención se multiplican y el uso de diagonales entre colores fuertes y débiles crean una dinámica cromática interesantes.

© Gueorgui Pinkhassov

Sthepen Shore lo utilizó mucho en su proyecto Uncommon Places para acentuar el movimiento de espacios intermedios en donde el movimiento era escaso.

1976 © Sthepen Shore

Algo así ocurre con la fotografía del film de Wim Wenders: Paris Texas.

fotograma del film de Wim Wenders

O en Joel Meyerowitz y su Cape Light (1979).

© Joel Meyerowitz

En todo ello,  el marco desempeña un papel completamente activo en la articulación de las fuerzas  de la contracomposición.

Hasta pronto!

Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

La opción del color

Cada vez que imparto un nuevo taller de fotografía, siempre aparecen participantes que siguen teniendo dudas entre elegir trabajar con color o con blanco y negro.

Aclarar este tema es muy complejo ya que no existe una respuesta categórica. Cada fotógrafo tiene una determinación íntima al respecto. Lo único que puedo decirles es que tomen una decisión a priori, antes de comenzar a realizar un trabajo. Y no lo hagan después en la selección y edición para que quede mejor en blanco y negro o en color. Esas son decisiones accidentales que alteran la auténtica percepción del entorno hechas durante el trabajo.

Tanto uno como el otro, son lenguajes fotográficos diferentes que expresan distintas sensaciones,  emociones. Y eso hay decidirlo antes para optimizar el disfrute de la fotografía.

Como a mi me interesa el color,  veamos la opinión de “los grandes” con respecto a la decisión de trabajar con el cromatismo.

“Para mi es más una atracción física. Algo realmente que nace del estómago, cosa que me hace empezar a trabajar en el color” señala Harry Gruyaert

© Harry Gruyaert

“Para hacerlo 'con' color, - comenta Miguel Rio Branco -  uno tiene que ser capaz de dejar que los colores que lo rodean maduren dentro, por lo que pueden ser aplicaciones en una manera de conseguir la relación correcta a la luz, a la vez, a la acción, a las personas. Tal vez seamos capaces de expresar nuestro sentimiento de un sujeto, o nosotros mismos, no 'en' color, pero 'con' color”. 

Bahia © Miguel Rio Branco

Bahia © Miguel Rio Branco

No creo que haya algo distintivo en mi uso del color,  – señala Mary Ellen Mark,   famosa tanto por sus trabajos en blanco y negro como en color -  Creo que lo que es distintivo en mi trabajo es tal vez mi contenido. En las fotos de Miami ... es el color de la realidad y trato de usarlo en ese sentido.

Miami Beach, Florida 1979 © Mary Ellen Mark

Miami, Florida 1980 © Mary Ellen Mark 

South Beach, Florida 1979 © Mary Ellen Mark

“Es muy difícil trabajar en contra de la belleza .... en color. Sentí que en el caso de Nicaragua, la forma en que se expresaron, ya se trate de la pintura de las casas o de sus ropas ... algo se sentía bien sobre el color reflexiona Susan Meiselas.

 Nicaragua (1977 - 1980 )© Susan Meiselas

Nicaragua (1977 - 1980 )© Susan Meiselas

Los colores están por ahí – asegura Alex Webb -. Entras en un país como Haití. Es pobre. Sorprendentemente pobre. Hay un enorme represión. Sin embargo, las paredes son de color rosa brillante y de color verde brillante y es increíblemente hermoso. La complejidad de este tipo de respuesta que uno puede tener en el color es lo que me interesa”.

Haiti © Alex Webb

Haiti © Alex Webb

Hasta pronto!

Nota: Las citas de los fotógrafos fueron extraídas del catálogo On the line: The New Color Photojournalism. Walker Art Center 1986. 

Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

Ventanas de composición

 Recurrir a ventanas como si se trataran de marcos o bordes dentro del rectángulo de visión de la cámara siempre ha sido un recurso saludable de composición.

Como siempre hago, acudo a la mirada de los “grandes” para encontrar el hilo de esta útil e interesante madeja de recursos compositivos.

© Marc Riboud

Marc Riboud utiliza este tipo de ventanas (con varias ventanillas) para aislar y sugerir varias historias visuales. Debo confesar que esta imagen es una de mis favoritas y un gran ejemplo para este tipo de recurso.

Nueva York 1963 © Tony Ray Jones 

Tony Ray Jones lo utiliza de la misma manera que Riboud pero para contar historias encuadradas de una manera más “lingüística”,  apelando al tamaño de letras, carteles publicitarios, colores, bodegones, etc.

© Fred Herzog

Una visión muy antropológica se puede apreciar en el abanico de ventanas retratos ante el gran ventanal de esta peluquería de Vancouver,  fotografiada por Fred Herzog.

A Herzog también le gusta sugerir a través de los marcos de las ventanas.

© Fred Herzog

Un recurso también utilizado por su contemporáneo Saul Leiter. 

© Saul Leiter

Leiter utiliza las ventanas de los autos para resaltar elementos a través del color y, a su vez, crear cierta tensión a través de lo “no visible”.

© Saul Leiter

Por otro lado, Lee Friedlander utiliza las ventanas de un teléfono público para aislar ciertos elementos que lo hacen más interesante y sugerente.

© Lee Friedlander

Henri Cartier Bresson el más clásico de todos los nombrados, utiliza los marcos para resaltar los retratos.

© Henri Cartier Bresson

 Y hasta se aventura a través del marco de una bicicleta.

© Henri Cartier Bresson

El Joel Meyerowitz de los primeros tiempos (en blanco y negro) también utilizaba el recurso clásico de Cartier Bresson para los retratos.

Nueva York, principios de la década del '60 del siglo pasado © Joel Meyerowitz

Este recurso tradicional es utilizado en muchas ocasiones por Lee Friedlander.

© Lee Friedlander

O por Tony Ray Jones.

© Tony Ray Jones

Alex Webb va un poco más allá y recurre a ventanas (en este caso espejos) para crear la sensación de distintos planos.

© Alex Webb

Webb también recurre a ventanas pictóricas para establecer la idea del discurrir del tiempo, el presente y el pasado de un bar. Un exquisito uso de este recurso.

© Alex Webb

Y así podríamos dar una infinidad de ejemplos de muchos fotógrafos que excederían la longitud de este post. Intenten en sus ratos libres buscar más ejemplos. Es bueno para vuestra cultura visual y recuerden:  que el uso de ventanas (marcos de cualquier mampostería urbana) pueden acentuar, resaltar, aislar o sugerir elementos de una forma creativa y así dotar a vuestra composición urbana de más profundidad de recursos.

Hasta pronto!

Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

Noches cerradas de fotografías

Uno de los retos del fotógrafo urbano que gusta del color, son las  fotografías nocturnas. En general, la mayoría de los entusiastas de este subgénero documental realizan las imágenes en la denominada “hora azul” (unos instantes antes que sea de noche). Y luego guardan la cámara hasta la próxima mañana cuando comienza un nuevo ciclo de luz natural.

Sin embargo, no todos hacen lo mismo. Para algunos como Patrick Zachmann trabajar en noche cerrada es un gran desafío en donde el alumbrado público, neones y carteles luminosos cobran un protagonismo de color diferencial.

Budapest 2004 © Patrick Zachmann

Y las composiciones un tanto oníricas, otro tanto impresionistas,  se ven afectadas directamente por los cambios de temperaturas de la luz artificial. En ese sentido, Zachmann se mueve inteligentemente por los espacios públicos nocturnos como se puede apreciar en estas fotografías que pertenecen a un ensayo fotográfico realizado en diferentes ciudades del mundo que explora justamente la vida nocturna.

Sao Paulo 1997 © Patrick Zachmann

Londres © Patrick Zachmann

Sin nos retrotraemos en el tiempo, este impresionismo onírico de puro color artificial se puede apreciar también en la fotografía del mediometraje de William Klein: Broadway by night (1958).

fotograma del film de William Klein

A diferencia del mundo digital actual en donde se utiliza sin escrúpulos ISO elevado con buen rendimiento visual y casi sin ruido; Klein debía trabajar con película Kodachrome de 24 ASA y según comentó con el diafragma bien abierto: F2 en plena noche.

William Klein, Broadway by light, 1958 from Polka Galerie on Vimeo.

En la actualidad y siguiendo la estela de Klein y Zachmann, me gusta el trabajo de Wing Shya que, entre otras cosas, es el fotógrafo exclusivo de las películas de Wong Kar Wai. A continuación, algunas fotografías de sus films.

© Wing Shya

© Wing Shya

La fotografía de Shya no es documental pero de sus composiciones se aprende y mucho para entender como se puede trabajar en noche cerrada y saber organizarse con la poca luz que hay.

© Wing Shya

© Wing Shya

Hasta pronto!

Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!