Miradas Cómplices constituye un laboratorio de ideas, de reflexiones fotográficas e imágenes que, quizás, encuentren vuestra complicidad.

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lunes, 20 de febrero de 2017

Las influencias siempre son bienvenidas


Siempre es bueno y saludable recibir influencias de alguien y lo digo como algo constructivo y superador. Nada nace porque si, nada evoluciona porque si. Siempre existen influencias para poder situarte y desde allí progresar no como un copista, sino como un creador de tu propio universo, cimentado por el conocimiento heredado. 
Y en esta suerte de pequeña reflexión con respecto a los “homenajes” que le debemos a nuestras influencias me gustaría nombrar a Andrei Tarkovski.

Tokio 1996 (c) Gueorgui Pinkhassov

En el mundo de la fotografía es por todos conocido que la visión del gran cineasta ruso Tarkovski sirvió y sirve de inspiración a Gueorgui Pinkhassov. Una relación muy estrecha que comenzó luego que el fotógrafo viera las primeras secuencias de Solaris (1972).





Las inquietantes atmósferas y la siempre latente sensación que algo extraordinario, mágico puede pasar dejó una impronta espiritual importante en las fotografías de Pinkhassov .


(c) Gueorgui Pnkhassov

La idea de un sugerir constante, de hurgar en un “detrás de lo visible” es una permanente búsqueda que ha creado una escuela en la estética del fotógrafo de Magnum.


(c) Gueorgui Pinkhassov


También es por todos conocidos (en el cine)  que también sirvió de inspiración a otros directores como Lars Von Triers especialmente en el uso de planos inesperados, de crear atmósferas teatrales en la espontaneidad de lo real como en la combinación de encuadres psicológicos de planos cortos y largos.


TARKOVSKY / VON TRIER - Le Maître et l'élève from Titouan Ropert on Vimeo.



En general, es por todos conocido (en cualquier fase de la vida) que las influencias son saludables. Sólo hay que tener la mente y el corazón siempre abiertos.
Hasta pronto!



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viernes, 17 de febrero de 2017

New Bauhaus rusa

Moscú 1987 (c) Boris Savelev

Cuando irrumpió en Occidente,  en los ’80 del siglo pasado, el movimiento estético ruso de fotografía urbana; esta escuela ya estaba familiarizada con la New Bauhaus americana y eso se notaba en el estilo característico de combinaciones dramáticas de luz, sombras y planos inesperados de sus máximos exponentes liderados por Boris Savelev y su mujer Elena Darikovich


Madrid 2008 (c) Boris Savelev

Reminisencias de Aaron Siskind y Ray Metzker no solo se pueden apreciar en la estética de las imágenes de esta escuela, sino también en los procedimientos tradicionales de sus exponentes que, en su mayoría, gustan del uso del laboratorio químico y las cámaras analógicas.
En ese contexto, hace poco, conocí el trabajo de un digno sucesor de esta escuela y me refiero a Ilya Askinazi.


(c) Ilya Askinazi

Un fotógrafo ruso muy poco conocido en la actualidad que escapó de la Rusia soviética para instalarse en los Estados Unidos a principios de los ‘80.


(c) Ilya Askinazi

Sus fotografías del entorno urbano seducen por el uso magistral de la luz como de las líneas y planos cinematográficos.


(c) Ilya Askinazi

Otro aspecto interesante del trabajo de Azkinazi es que para deambular por las calles,  normalmente utiliza una cámara voluminosa como  la Deardorff8 x 10 de gran formato.


(c) Ilya Askinazi


Sus fotografías transmiten una atmósfera onírica, intimista que se emparenta con Savelev en la melancólica visión de los espacios urbanos.


(c) Ilya Askinazi

Hasta pronto



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lunes, 13 de febrero de 2017

La fotografía es cosa de automóviles


De alguna manera, con un desfasaje de pocos años, la irrupción de las cámaras de 35 mm. (livianas, discretas) coincidió con la aparición generalizada de los autos por los calles de cualquier ciudad. De esa manera, los automóviles se convirtieron en iconos urbanos por excelencia y, desde la perspectiva que ofrece el tiempo,  se revaloriza su inclusión como documento de época.
Uno de los primeros fotógrafos documentales que entendió su importancia fue Walker Evans.
Los utilizaba como fondos en sus composiciones,


New York 1929 (c) Walker Evans

 o inclusive los retrataba para entender su evolución en un país en una grave crisis como la Estados Unidos de los años '30.

1936 (c) Walker Evans

o como señal de distinción social


1932 (c) Walker Evans

Los autos, con el tiempo, se convirtieron, para algunos fotógrafos,  en herramientas necesarias para hacer realidad ese sueño del “viaje iniciático”. El “ir en auto por la ruta” fue el salvo conducto inspirador para fotógrafos como Robert Frank, Bernard Plossu, Joel Meyerowitz o Lee Friedlander;  y así dar dar rienda suelta a la fotografía de carretera.

1955 (c) Robert Frank

Mucho tuvo que ver en todo esto, la irrupción de star systems de Hollywood como, por ejemplo, James Dean 0 escritores díscolos como los beatniks que estimularon en el imaginario colectivo la noción del viaje en auto como una temática a explorar con una cámara.


Grecia 1967 (c) Joel Meyerowitz


Películas de alcance global como Easy Rider, Bonnie y Clide o, más adelante,  Paris Texas, ayudaron a catapultar como discurso visual al auto en viaje con fotógrafos.


ruta 66 USA (c) Bernard Plossu

Acabo de poner los coches en el mundo, en lugar de un pedestal” comentaba Friedlander en 1964,  luego de recorrer todo Estados Unidos en automóvil.


1964 USA (c) Lee Friedlander

Para él era más interesante, retratarlos en espacios de tránsito, junto a tiendas baratas y de comida chatarra que en lugares seductores.


Detroir 1963 (c) Lee Friedlander

Por otro lado, la presencia de los automóviles para Garry Winogrand siempre encierra una atmósfera de una gran carga psicológica.


Houston 1964 (c) Garry Winogrand

Y de su ausencia también.


Alburquerque 1957 (c) Garry Winogrand


Luego, en los ’70 del siglo pasado, el automóvil tomó color a través del ojo de William Eggleston  que lo elevó a la categoría de identidad, como es el caso de la americana.


Mississippi 1970 (c) William Eggleston


Algo que también logró darle Raghubir Singh al Ambassador en la cultura india. 


Uttar Pradesh, India 1977 (c) Raghubir Singh

Como ven, los caminos de la fotografías se cruzan permanentemente con el automóvil. Por eso, es más fácil hablar de algún fotógrafo clásico que todo lo que se hizo que daría para una colección de libros.
 En este sentido, me gustaría nombrar por último a Harry Gruyaert. Para quien los automóviles siempre funcionaron como un elemento más en sus imágenes cinematográficas, con una luz especial y color.

(c) Harry Gruyaert

El sábado pasado se inauguró una expo de Gruyaert en Amberes titulada: It’s not about cars (No se trata de coches) y para los que gusten de sus fotografías pueden hacerse de un catálogo de esta expo que bien vale la pena. ahhh...y firmados por el autor...quedan pocos ejemplares....

(c) Harry Gruyaert
Hasta pronto!




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viernes, 10 de febrero de 2017

Inquietante incertidumbre

Desde hace unos cuantos años que vivo en Figueres, una ciudad catalana mundialmente conocida porque allí nació el gran pintor surrealista Salvador Dalí . Y debo reconocer, como le ha pasado a mucha gente,  que he asimilado muchas cosas de su obra que luego, de alguna manera,  las traslado a mi fotografía.

(c) Salvador Dali

Port Lligat (c) Marcelo Caballero

A través de Dali, he aprendido a entender el valor de lo cotidiano. Dali, a pesar de su permanente búsqueda de la universalidad, tuvo siempre a los rincones de Figueres y su entorno geográfico ( Empordà) como punto de partida.


Fiesta de la Santa Creu Figueres 1922 (c) Salvador Dalí

Santa Creu, Figueres (c) Marcelo Caballero

Otro punto que logré entender con el tiempo, es la inquietante incertidumbre que me transmiten sus pinturas. las múltiples interpretaciones de sus visiones y fundamentalmente el valor de lo sugerente, lo que no se ve.

1976 (c) Salvador Dali

En ese sentido, se emparenta a Hopper.


1942 (c) Edward Hopper

Sin embargo, esa inquietante incertidumbre que transmiten los cuadros de Dali lo encuentro aún más en el mundo fílmico de David Lynch.


Fotograma del film Terciopelo Azul  (Blue Velvet) 1986  (c) David Lynch

Ambivalencia de la realidad en donde siempre se esconde una nueva incertidumbre, un nuevo sueño críptico de significados, la angustia generada por la realidad cotidiana.


Fotograma del film Mulholland Drive 2001 (c) David Lynch



De esa manera, tanto Lynch como Dali se internan en el misterio de la condición humana, el objetivo primigenio de estos dos grandes artistas y, creo yo, de la auténtica función de la fotografía.


Fotograma del film Mulholland Drive 2001 (c) David Lynch

Por último, me gustaría comentarles que en Montpellier (Francia) se desarrolla actualmente una exposición en donde varios artistas recrean a través de sus obras, la influencia de Mulholland Drive en el arte contemporáneo. Creo que vale la pena visitarla.




un abrazo a todos!! hasta pronto!



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lunes, 6 de febrero de 2017

Metzker y sus amigos


Aunque muchos fotógrafos de calle actuales desconozcan su trabajo; involuntariamente deben mucho a la huella compositiva de Ray Metzker.
La New Bauhaus (asentada en Chicago desde mediados del siglo pasado) se consolidó como un importante e influyente tanque de pensamiento fotográfico y los cimbronazos de sus alumnos más aventajados como Metzker crearon tendencias hasta el día de hoy.

de su libro Automagic 2009 (c) Ray Metzker

Observando su trabajo desde la perspectiva del tiempo, sus fotografías no pierden vigencia, siempre llaman la atención debido a su atrevimiento de ir siempre un paso adelante en la forma de componer:
planos inesperados; 


Franffurt 1961 (c) Ray Metzker

atomización de siluetas en los claroscuros de los espacios públicos; 


Chicago 1982  (c) Ray Metzker


múltiple uso de diagonales que otorgan un vital dinamismo a las composiciones;


Atlantic City 1966 (c) Ray Metzker


fuerte abstracción en el juego formal de una imagen; 


Philadelphia 1963 (c) Ray Metzker

“Con luces y sombres llevadas a sus extremos y una combinación innovadora de elementos, sus fotografías crean una elegante coreografía de la interacción humana con los entornos urbanos” señala Virgina Heckert, especialista del Museo Paul Getty de los Angeles en fotografía estadounidense del siglo XX.


(c) Ray Metzker

Su influencia es recurrente en el panorama fotográfico actual. Podría nombrar muchísimos autores entre los que me incluyo. Y esto lo digo como algo positivo, constructivo porque su influencia deja como legado: el estímulo por buscar algo más, no quedarse en la mera repetición en el componer. Allí surge “la identidad de Metzker”:  la exploración de la fotografía en sí misma, algo tan importante como la narración visual a través del contar una historia.


de su proyecto Metaphysics of the Urban Landscape (c) Gabriele Croppi

Un relevante heredero actual de Metzker es el fotógrafo italiano Gabriele Croppi.

Por eso me gustaría compartir con ustedes un video (que me hizo conocer hace un tiempo la fotógrafa Leire Etxazarra) en el cual innova la “identidad de Metzker” a través de la fotografía en movimiento.


También me gustaría señalar a  Clarissa Bonet a través de su proyecto City Space.
El trabajo de esta joven fotógrafa me parece interesante de mencionar porque le agrega uso de colores mínimos con una fuerte tendencia hacia el blanco y negro como en la siguiente foto.

Chicago (c) Clarissa Bonet

Hasta pronto!


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miércoles, 1 de febrero de 2017

Un fotógrafo de verticales y planos inesperados


A través de los talleres que el fotógrafo japonés Ikko Narahara realizó con Diane Arbus en 1970, empezó a comprender la nueva fotografía documental que se estaba gestando en Nueva York.  Se familiarizó con toda esa generación liderada por Arbus, Garry Winogrand, Lee Friedlander, Tod Papageorge, Joel Meyerowitz, Willliam Eggleston y otros. Y sus proyectos y su composición comenzaron a “occidentalizarse”. 


Utah 1972  (c) Ikko Narahara

Y Narahara con el tiempo se convirtió en un referente de la fotografía japonesa en Occidente. De hecho, John Szarkowski lo invitó a participar, en 1974 a la gran expo que se montó en el Museo de Arte Moderno sobre la Nueva Fotografía Japonesa


años '50 (c) Ikko Narahara












Sin embargo, hace poco, tomé contacto con la fotografía que realizaba Narahara en el Japón de posguerra y debo confesar que  me ha sorprendido mucho. 
















Y no solo por la utilización de maravillosos planos inesperados, composiciones sugerentes, muchas verticales,  y uso de gran angular;


años '50 (c) Ikko Narahara


Narahara me sorprendió porque es improbable que tuviera influencias occidentales y que conociera a la Bauhaus, o a André Kertesz, o a los fotógrafos humanistas franceses.


años '50 (c) Ikko Narahara

Japón antes y después de la guerra estaba sumida en un gran aislamiento cultural y, además,  los nuevos fotógrafos, por razones económicas, no podían darse el lujo de viajar al extranjero y poder entrar en contacto con las grandes escuelas fotográficas.


años '50 (c) Ikko Narahara

Narahara al igual que Ihei Kimura fueron de los primeros en ir a Europa. Parte de todo ese trabajo de este gran fotógrafo japonés ( pre-viaje a Europa) se puede ver en Tokyo, the ‘50s publicado por Mole en 1998.


años '50 (c) Ikko Narahara

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lunes, 30 de enero de 2017

Vibración del color, múltiples perspectivas


Una de las tendencias estéticas, bastante utilizada en la fotografía urbana contemporánea es el juego de múltiples perspectivas a través de reflejos.


(c) Melissa Breyer

 
(c) Pau Buscató

Una tendencia que, de alguna manera, formalizó Alex Webb con la incorporación del color en sus trabajos en los años ’80 y 90 del siglo pasado. Todo ello ha sido y es un terreno fértil de singular exploración compositiva.


(c) Alex Webb

En ese contexto, para los admiradores de esta estética, en bueno dirigir la mirada a la pintura que puede ofrecer variantes útiles de composición en el disfrute diario de esta práctica fotográfica.
Así emerge la figura de un pintor y dibujante bastante desconocido en la actualidad: Rafael Barradas quien desarrolló su pintura en Barcelona a principios del siglo XX.


(c) Rafael Barradas

Barradas de alguna manera, era un pintor de calle o callejero. 


(c) Rafael Barradas

Dibujaba escenas callejeras con una pincelada fugaz e instantánea. Y marcado por una voluntad impresionista, desarrollaba sus cuadros con una amplia gama cromática y multiplicidad de perspectivas.


(c) Rafael Barradas

De alguna manera, rompía con la perspectiva renacentista muy utilizada por la fotografía de calle clásica. Y le otorgaba mucho dinamismos a sus escenas impresionistas de los espacios públicos de Barcelona.


(c) Rafael Barradas

Este movimiento, poco conocido en la actualidad, que impulsó Barradas se denominó vibracionismo e intentaba plasmar la visión múltiple del objeto a través de fusión de colores primarios y secundarios y yuxtaposición de diagonales.


contra composición (c) Theo van Doesburg


Algo que también habló y mostró en esa época Theo vanDoesburg con sus contra composiciones (una fuente de inspiración para el trabajo de Sthepen Shore en su proyecto Uncommon places).


(c) Stephen Shore
Hasta pronto!






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