Bajo la estela de Winogrand

Garry Winogrand no sólo ha dejado un legado magnífico de imágenes. Prueba de ello es el voluminoso catálogo de su exposición itinerante que recaló en Madrid (Fundación Mapfre) en el 2015. También ha dejado una impronta profunda en la fotografía de calle contemporánea y pongo como ejemplo, en este post, el trabajo de Jun Abe.

(c) Jun Abe. De su libro Citizens 1979 - 1983

En el 2011 había escrito una nota  sobre este fotógrafo japonés nacido en Osaka; y especialmente sobre su premiado Citizens 1979 – 1983 (Vacuum Press, 2009). Al igual que las imágenes de Winogrand; las de Jun Abe son engañosamente simples y cuestionan la misma esencia de la fotografía. 

(c) Jun Abe. De su libro Citizens 1979 - 1983

Abe al igual que Winogrand nos introducen es situaciones extrañas que son parte inherente de nuestra realidad cotidiana.

(c) Jun Abe. De su libro Citizens 1979 - 1983

Hacía un tiempo que había perdido los rastros de este gran fotógrafo de calle japonés. Actualmente imparte clases de fotografía en Visual Arts Osaka y ha publicado varios libros, a través de Vacumm Press, de sus numerosos vagabundeos por grandes ciudades.

Como por ejemplo, Manila (2011)

(c) Jun Abe. De su libro Manila

O New York (2017) 

(c) Jun Abe. De su libro Nueva York

O las realizadas en la ciudad portuaria surcoreana de Busan (2014)

(c) Jun Abe. De su libro Busan

Hasta pronto!

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Lo que duran 5 pintas de Guiness

Siempre que se habla de proyectos fotográficos, pensamos en tiempos a largo plazo, de ir despacio, de reflexionar, de saber editar. Un proyecto “no se puede hacer de un día para el otro” es el consejo previsible de los sabios de siempre. 

Sin embargo, hay algunos, unos pocos,  que se hacen lo que se tarda en “tomar unas 5 pintas de Guiness” como el que realizó Krass Clement en una sola noche en un pequeño pub en Drum, Irlanda.

Portada original del libro (1996). hoy en día muy dificil de conseguir y cara. Aunque Errata Editions (2012) ha publicado una nueva versión al alcance de bolsillos medios.

Drum con el tiempo se convirtió en uno de los más importantes proyectos documentales de los últimos años. Rara vez se logra una coherencia y narración visual tan potente y contundente en un proyecto realizado en tan poco tiempo.

(c) Krass Clement. Drum, 1996

Drum, a través de sus imágenes, muestra un pueblo irlandés desde la oscuridad, en el final de una jornada laboral y con el epicentro en un pub con un protagonista excluyente: un anciano sentado solo con su bebida. El proyecto constituye una reflexión sombría sobre la alienación y la soledad en los pequeños pueblos. Un trabajo imperdible para cualquier entusiasta de la fotografía documental.

(c) Krass Clement. Drum, 1996

(c) Krass Clement. Drum, 1996

Otro proyecto que también se fraguó en lo que se tarda “ en tomar 3 cañas de cervezas” es el de Gonzalo Juanes con su “Calle Serrano” de Madrid. Un maravilloso y potente documento visual que retrata como nadie, la vida urbana de las clases altas madrileñas en la famosa  calle madrileña durante el franquismo. Y fue realizado en escasas 3 horas, sentado en una terraza, a la hora del vermú, un domingo de 1965.

(c) Gonzalo Juanes. Calle Serrano, 1965

“El azar no debe conquistar la imagen, debe quedar siempre a la voluntad del fotógrafo, como autor. Éste debe ser el único dueño, sus decisiones deben responder a esa reflexión” señalaba Juanes. Quizás en esa voluntad de autor está la clave de un proyecto bien encaminado, más allá del tiempo.

hasta pronto!

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Perdidos en sus pensamientos

 “Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es porque no te has acercado lo suficiente” Robert Capa

La famosa frase atribuida a Capa recuerda, en mi opinión, cuál es el posicionamiento más adecuado que debes utilizar para recrear una imagen con tu cámara y así transmitir lo que deseas. Y allí, ya tenemos un problema. Ya que debemos resolver esa entelequia visual preguntándonos: ¿cómo deseamos representar una fotografía a través del rectángulo de la cámara?

Eso mismo se preguntó Harry Callahan a mediados de los ’60 del siglo pasado. Este maestro de la fotografía, educado en el corazón de la New Bauhaus de Chicago, necesitaba una renovación compositiva en sus fotografías de calle. De alguna manera, ese estímulo lo encontró, fascinado por la energía aleatoria que desprendían las fotografías urbanas de Garry Winogrand.

Sin embargo, Callahan se renovó totalmente cuando se encontró con el trabajo de Balthus, principalmente por la sensación de casualidad y aleatoriedad que transmitiía un cuadro en especial: The Street.

(c) Balthus. The Street, 1933

Le gustaba ese cuadro a Callahan porque no tenía interés en enfrentar “de cerca” a la gente en la calle.  Bastaba sentir en ellos una sensación de soledad parecida a la suya. Su interés por las personas "perdidas en sus pensamientos" provino de la apreciación de Callahan de la ciudad como un lugar de privacidad y ensueño. Y en eso estaba cuando se encontró con ese cuadro de Balthus que dio con la tecla.

(c) Harry Callahan. Providence, 1968

Los peatones de Balthus comparten con la proximidad física, la distancia emocional y la auto absorción individual de Callahan. El orden clásico subyacente de la pintura de Balthus también es paralelo a la búsqueda de Callahan de la estructura geométrica en el flujo de la aleatoriedad y el desorden.

(c) Harry Callahan. Portugal, 1982

La desconfianza de Callahan hacia el sentimiento y la anécdota significaba que sus imágenes serían historias frescas y no dramáticas del devenir constante de la ciudad. Técnicamente comenzó a usar, con más asiduidad,  gran angulares con distancias focales más cortas (de 28 a 24 mm.) y ello le ayudó a “dar un paso atrás” para lograr esa atmósfera urbana como suspendida en el tiempo.

(c) Harry Callahan. Egypto, 1978

  

Lo de Callahan es ejemplificador porque hay que intentar renovarse constantemente en la composición, hay que tener la mente siempre abierta a otras disciplinas artísticas y, principalmente hay que saber elegir la distancia idónea de proximidad a la escena y así reflejar lo que cada uno tiene adentro. Y no hablo sólo de fotografías, hablo de narraciones visuales encaminadas al proyecto.

En ese sentido, la frase de Capa cobra sentido.

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Marrakech / Essaouira 2017

Recientemente, junto con este gran grupo de participantes, estuvimos dándole vida a un nuevo taller intensivo de fotografía en Marrakech y también en Essaouira. Me gustaría aclarar que es el cuarto taller en los últimos 4 años.

Essaouira (c) Marcelo Caballero

Dentro del cronograma de las actividades, se realizó una revisión de portfolios para monitorearlos de forma idónea durante el transcurso del taller; una charla teórica que giró en torno a la composición y narrativa visual;  prácticas intensivas en ambas ciudades; e incluyó un visionado parcial  y el visionado general con los comentarios finales.

El resultado ha sido muy satisfactorio tanto en lo fotográfico como en lo humano. Y podrán ver algo de todo ello, en el siguiente video con una selección final de imágenes de los participantes. Y espero que lo disfruten...

Marrakech Essaouira julio 2017 from Marcelo Caballero on Vimeo.

Hasta pronto!

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Carretera salvaje

Siempre consideré el “viajar por una carretera” como algo vital, iniciático que tiene que ver con la historia de la gente que la recorre no con el trayecto en sí. 

(c) Robert Frank. U.S. Number 61, Texas. 1955

A muchos nos pasa…..En mi caso, me crié con ese gran discurso emanado de las fauces creativas literarias de Jack Kerouac y su “En el camino”. Y de toda esa “big generation” americana que reformuló la metáfora visual del viajar por una carretera.

(c) Garry Winogrand. Utah, 1964

Y como todos sabemos, la fotografía y el cine convirtieron la carretera en un gran fondo visual de historias que se cruzan, se entrelazan,  de mucha vida y también de muerte.

Ayer, volví a ver una película de carretera (road movie) que siempre me fascinó y me parece que no envejeció en su tratamiento de planos, color, luz. Mejor dicho, cuanto más pasa el tiempo, la peli se encuentra mejor, llena de vitalidad. Me refiero a Wilt at Heart (1990) dirigida por David Lynch y que lleva el sello fotográfico de Frederick Elmes.

No deseo adentrarme en la historia, harto conocida por muchos fans de Lynch y en Internet pueden encontrar infinidad de webs con mucha información. Lo que me sigue impactando y mucho, es como trabaja Elmes: una fotografía con mucho juego de planos, en especial picados, contrapicados.

Fotograma del film Wild at Heart

 Una estética y un simbolismo con mucho "color Hopper" en varias escenas.

Fotograma del film Wild at Heart

Y también me agrada como abre plano en muchas escenas y como potencia el rojo en los encuadres carreteros, otorgando a la escena, un plus de potencia visual.

Fotograma del film Wild at Heart

Por último, me gustaría compartir con ustedes, un video que reúne secuencias de los films que participó, este gran fotógrafo cinematográfico como es Elmes.

Frederick Elmes, A.S.C from Todd Sandler on Vimeo.

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Taller de fotografía en Cuba

El pasado junio estuve impartiendo un nuevo taller de fotografía documental en Cuba y realmente ha sido muy gratificante tanto en lo personal como en el grupal;  me refiero al buen desenvolvimiento del taller.

En esta ocasión me acompañaron dos buenos fotógrafos como son Joan Dalmau y Eugènia Cros. Por ello, me gustaría compartir con vosotros, una selección de fotografías realizadas por estos dos autores más una selección de mis fotos.

Espero que lo disfruten. La música pertenece al gran pianista cubano Roberto Fonseca que con sus fraseos y armonías le han dado una atmósfera adecuada a estas fotografías de Cuba post - Fidel Castro.

Gracias!

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Campos de color

“Considero el arte como una aventura que nos sustrae a un mundo desconocido. Solo aquellos que por libre voluntad hacen frente a esta aventurada empresa pueden explorar dicho mundo”  Rothko.

(c) Mark Rothko

Aún me sigue conmoviendo y sigue siendo una fuente de inspiración el “color field” (campos de color) de las pinturas de Mark Rothko. Esta forma de trabajar del pintor en “campos de color” te lleva a la emoción más que a la acción, a la fluidez más que al inmovilismo, a lo interno más que a lo externo.

(c) Mark Rothko

Y lo más importante, te redirige a la vitalidad. . En mi caso, a la vitalidad emocional de las calles, llevadas por el color. Algo de todo ello, se encuentra en mi proyecto aún en curso de Colores Humanos.

del proyecto Colores Humanos (c) Marcelo Caballero

La tensión cromática en esos campos de color, el potencial expresivo del color independiente de las formas o líneas, sigue siendo una inspiración útil y significativa para muchos fotógrafos.

(c) Costa Manos

Y además “ esas superficies intactas de color”  me redirigen, como una variante,  hacia la idea visual de la mínima expresión de color: limpio, intacto, con una profunda simbiosis en lo emocional.

(c) Manuel Ibañez

hasta pronto!

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