Espectador: una historia de la street photography

Como pudieron observar en el video del post anterior;  junto a Joel Meyerowitz y la marea humana de las calles de Nueva York, había un hombre que lo escuchaba con especial atención y también oficiaba de interlocutor durante esa mítica película redescubierta después de 30 años.
Se trata de Colin Westerbeck  y es un prestigioso curador fotográfico, escritor y profesor de la historia de la fotografía.  En su curriculum encontramos que ha impartido clases, durante décadas, en diferentes universidades de Los Ángeles (USA) y, especialmente,  en el Instituto de Arte de Chicago. Actualmente publica notas de fotografía en el Time de Los Ángeles.

Luego de esa fructífera colaboración inicial, Westerbeck y el gran fotógrafo neoyorquino se propusieron seguir investigando los orígenes de la street photography.
De esa manera y gracias a una subvención otorgada por el Fondo Nacional de las Artes de Estados Unidos publicaron un libro que es la primera recopilación realmente seria, reflexiva y coherente de la historia de este género urbano.
Inicialmente publicado por Thames Hudson en 1994, Espectador: una historia de la fotografía de calle con un epílogo sobre la nueva street photography desde la década de 1970 es una crónica monumental que resume 15 años de investigación.
Reeditado en el 2001 por Bulfinch Press (Boston) , el libro está generosamente ilustrado con fotografías en blanco y negro y una pequeña selección de imágenes en color. Por sus páginas desfilan textos y fotografías de Atget, Stieglitz, Cartier Bresson, Brassai, Walker Evans, Robert Frank, Garrry Winogrand, Ben Shahn, Liset Model, Gilles Peress, Lee Friedlander, Diane Arbus, Helen Levitt, Manuel Alvarez Bravo, Bill Brandt, Paul Strand, André Kertesz, y muchos más.
Para su mejor visualización, está organizado en cuatro partes: Atget y el siglo XIX; Cartier Bresson y Europa en el siglo XX; Walker Evans y América antes de la guerra y Robert Frank y la postguerra.
Y para los que viven en Barcelona y alrededores, lo pueden consultar o llevar de préstamo  desde la mediateca de Caixa Forum.
Por último, quiero compartir con ustedes un emotivo video reciente de Robert Frank, uno de los grandes pioneros de la street photography contemporánea.


Robert Frank : interview por JeudePaume 
 
Buen fin de semana!!

Meyerowitz en acción, 30 años atrás

Como lo anunció IN-PUBLIC hace unos días; ve la luz después de 30 años, una película documental dirigida por Robert Gilberg que gira alrededor de las andanzas urbanas del fotógrafo Joel Meyerowitz por las calles de Nueva York.
Filmada en 1981, este documental iba a ser el primero de una serie de films sobre “American Photographers”. Sin embargo y por diversas razones, la película no fue emitida por ninguna cadena de televisión. En otras palabras, nadie pudo mirar el documental y con el tiempo cayó en el olvido, guardada en un cajón de la casa de Gilberg.
El film, como dije al principio, gira alrededor de un Joel Meyerowitz muy joven que deambula por las calles neoyorquinas junto con su Leica de 35 mm. Y lo interesante de todo ello, es observar como Meyerowitz siente la street photogoraphy.
Este año, luego de la muerte del Gilberg, las cintas originales se hicieron públicas y las podemos disfrutar a través de un video publicado por Nick Turpin y es una verdadera clase magistral de cómo trabajar en la calle.
Para mi es un placer ver en acción a uno de los maestros de este género urbano documental que tanto auge renovador tiene en la actualidad.
Espero les guste!!


Joel Meyerowitz 1981 Film



La obsesión fotográfica en Caja Azul

© Marcelo Aurelio

Si queríamos reflexionar o debatir sobre las obsesiones del proceso creativo fotográfico o simplemente pensar en las imágenes como obsesiones de uno mismo, el ámbito idóneo fue la cuarta edición que organizó Caja Azul en el Centro Cívico Can Basté (Barcelona), el sábado pasado.
Allí, dos invitados de lujo como Silvia Omedes y Rafa Badia junto a la mediación de Fran Simó, dieron rienda suelta a sus obsesiones.
Y yo, como parte del nutrido público que colmó una sala del centro cívico desde bien temprano; quiero señalar ahora algunos puntos que me parecen interesantes de compartir con ustedes.
Por un lado, Rafa Badia centró su charla en el consumo fotográfico. Y en ese discurso de idas y venidas por el mundo analógico y digital, por el ayer y el hoy de la fotografía; las imágenes, según Badia, actúan como una constatación de que estamos allí, en ese momento, con nuestros amigos, conocidos que nos tienen afecto. El fotógrafo, editor y profesor de fotografía señala todo ello como un ritual. Y ese acto ritual es compulsivo y señala que “ no es exclusivo de la era digital”.
Para ello comentó que en la década del 70 del siglo pasado Garry Winogrand fotografiaba todos los días a su hija cuando salía de la escuela porque tenía la sensación que no la iba a ver más.
“Sin embargo – señala el actual miembro de Calle 35 – mi tensión creativa en digital disminuye ya que es normal encontrarte hoy en día, con el acto banal de hacer 200 fotografías diarias”.
Y ante esta avalancha digital, Badia, aconsejó a los fotógrafos que le den tiempo de maduración a sus imágenes y “deben tomar todo ello como un ejercicio para no ir tan rápido. Además cada imagen tiene una maduración distinta” confesó el fotógrafo canario.

© Marcelo Aurelio

Por otro lado, Silvia Omedes centró su charla en la obsesión por auto - reconocernos.
Y en primer lugar disparó al público una inquietante interrogación: ¿porqué nos obsesiona tanto que algunas imágenes estén con nosotros y las guardamos?.
A través de ello, la fundadora de Photographic Social Vision comentó que “cuando reconocemos algo de la pila de imágenes que vemos, nos paramos. Somos rápidos para encontrar lo que nos importa”. Y reconoció que la fotografía de esa manera “nos conecta en nuestra memoria”.
Según Omedes, la huella actual que reafirma esta elección es Facebook. “Pero nos anestesia y me preocupa su uso” señala.
En definitiva, la obsesión para Omedes es como una pulsión familiar. “Nos hacemos fotos para saber que somos y donde estamos. Pero no hay que estar disparando todo el tiempo para ser obsesos”.
Sin embargo,  ella cree que ser un poco obsesivo, en el buen sentido de la palabra,  sirve para canalizar la vida a través de la fotografía.
En la segunda parte de la reunión, se sumó uno de los integrantes de Caja Azul, Fran Simó que obró como contrapunto a los dos conferencistas, aportando su propia visión sobre la obsesión en el uso de las nuevas tecnologías especialmente de Facebook y Flickr.


©Marcelo Aurelio

 Por último, quiero agradecer por doble partida a Marcelo Aurelio por la gentil colaboración de las imágenes que ilustran este post y porque,  desde hoy,  es el nuevo miembro de Calle 35. Un abrazo y hasta pronto!!

Todos somos estudiantes de fotografía

Muchos de los que les apasiona la fotografía conocerán la carta que escribió el gran fotógrafo neoyorquino Paul Strand en 1923.
Sin embargo, muchos otros, aún no la han leído.
Por este motivo, hoy quiero compartirla con ustedes, en estos tiempos donde la inmediatez y la masiva y caótica irrupción de imágenes en Internet son la actual consigna. Cosas que el propio Strand ni se atrevía a pensar en sus más alocados pensamientos.


Paul Strand. 1917

"Todos somos estudiantes, algunos lo son por más tiempo que otros más experimentados. Cuando dejéis de ser estudiantes, puede que dejéis de estar vivos en lo que concierne al sentido de vuestro trabajo. Por lo tanto hablo desde estudiante a estudiante. Quiero deciros, pués, que antes de dedicar tiempo a la fotografía (que por otro lado os tomará mucho) pensad hasta que punto es importante para cada uno de vosotros.

Si lo que realmente perseguís es pintar u otra cosa, entonces no fotografiéis, salvo que se trate de pura diversión. La fotografía no es un atajo para llegar a la pintura, para llegar a ser artista o para cualquier otra cosa. Por otro lado si la cámara y sus materiales os fascina y motiva vuestra energía y vuestro respeto, aprended a fotografiar. Descubrid primero que puede hacer esta cámara y estos materiales sin ninguna interferencia, únicamente con vuestra propia visión. Fotografiad un árbol, una máquina, una mesa, cualquier trasto viejo; hacedlo una y otra vez modificando la luz. Observad lo que registra vuestra película, descubrid los resultados que se obtienen con los distintos tipos de papel y gradaciones. Las diferencias de color que pueden obtenerse utilizando uno u otro revelador y en que forma estas diferencias cambian la expresividad de la imagen. El campo es ilimitado, inagotable, sin salir de las fronteras naturales del medio. En resumen trabajad, experimentad y olvidaros del Arte, del pictorialismo y de otras palabras en mayor o menor grado carentes de sentido.



Paul Strand. Nueva York

 Ved libros de autor, exposiciones, por lo menos conoceréis lo que han hecho los fotógrafos. Y observad también críticamente lo que se este haciendo en general y lo que cada uno de vosotros realiza ahora. Algunos han dicho que Stieglitz tenia fuerza porque hipnotizaba a sus modelos. Id y mirad lo que ha hecho con sus nubes; descubrid si sus poderes hipnóticos se extendían también sobre los elementos. Observad todas estas cosas. Ved que significan para vosotros; asimilad lo que podáis y olvidaros del resto. Sobre todo mirad las cosas que os rodean, vuestro mundo inmediato. Si estáis vivos significara algo para vosotros, y si os interesáis lo suficiente por la fotografía y sabéis como usarla querréis fotografiar ese significado.


Si permitís que la visión de otra gente se interponga entre el mundo y vuestra propia visión conseguiréis algo ordinario y sin sentido: una fotografía pictorialista. Pero si conserváis esta visión clara, conseguiréis algo que por lo menos será una fotografía con vida propia, al igual que un árbol o una caja de cerillas, siempre que creáis que estas cosas tienen vida propia. Para conseguir esto no existen atajos, ni formulas, ni reglas; únicamente en todo caso las que rigen la vida de cada uno. Sin embargo, es necesaria la autocrítica mas rigurosa y el trabajo constante. Pero primero aprended a fotografiar. Para mí esto constituye ya un problema sin fin. "


En síntonía con todo ello, hace un par de años, otro maestro de la fotografía contemporánea, José Manuel Navia nos mostró en su taller, "Manhatta" una película documental realizada en 1921 por Paul Strand con Charles Scheeler que, espero la puedan disfrutar durante este fin de semana. Hasta el lunes!!

 

"Al Campo" de Ernesto Bazán.

Ernesto Bazán

“Espero sacar a la luz cinco años de trabajo fotográfico íntimo, poético y personal de la cotidianidad de los amigos, de mis campesinos cubanos. Mi encuentro con ellos fue un momento muy importante en mi vida en la isla, donde también conocí a mi futura esposa y me convertí en el orgulloso padre de mis gemelos Pietro y Stefano” así lo anuncia el prestigioso fotógrafo italiano Ernesto Bazán ,  a través del portal Kickstarter, uno de las plataformas web más importantes para encontrar financiación de proyectos.
Estamos hablando de “Al Campo” , el nuevo proyecto fotográfico de Bazán que gira alrededor de la vida rural cubana y si todo sale bien, saldrá en venta a partir de mediados del 2012.
En este potencial segundo libro, el fotógrafo anuncia algunos cambios. “Después de tantos años, por fin estoy dispuesto a compartir mi segundo cuerpo de trabajo de Cuba con el público. Mi intención es la publicación libre e independiente de estas imágenes pero en color como lo hice con mi primer libro en blanco y negro titulado simplemente Bazan Cuba, hace ya tres años” señala el fotógrafo.



"Al Campo”, ya lleva recaudado casi la mitad de los 10.000 dólares  que necesita para poder concretar el libro. Aún faltan 85 días y para los que quieran colaborar pueden entrar aquí.
Hasta pronto!!

Escribir la luz

La fotografía y la literatura tienen tantos puntos en común, tantas miradas de encuentro a lo largo de los últimos dos siglos que sería muy complicado describir todo ello en pocas palabras.
Sin embargo, para entender algo de esta íntima comunión de lenguajes, pueden darse una vuelta por Litoral, una excelente revista – libro de poesía, arte y pensamiento que se publica en Málaga.
En esta mítica revista (nacida durante la efervescencia de la generación literaria española del 27) desfilan distintas miradas y fotografías que Litoral, en su número 250, lo redondea con este título: Escribir la luz, Fotografía & Literatura.
A lo largo de sus 368 páginas se puede encontrar de todo. Como si se tratara de un viaje enigmático, a través de un carrousel de momentos, inspiraciones, visiones, autorretratos, imágenes, frases, citas célebres, poesías que unen a estos dos lenguajes de una manera íntima, contagiosa, visceral. Y más.
En este número destacan varios artículos. Por ejemplo, la nota escrita por Publio López Mondéjar que se perfila como una crítica punzante a la pretensión pictórica de algunos fotógrafos a lo largo de la historia (y del presente).
También hace su aporte Julio Neira con una nota que relaciona la fotografía con aquella generación del 27 de Dalí, Dámaso Alonso, Alberti, Cernuda, Picasso, Juan Gris y tantos otros más. Y en síntonía con ello, el poeta Antonio Jiménez Millán escribe una reflexión sobre el Surrealismo y la fotografía.
Tampoco tiene desperdicios el artículo escrito por Laura Terré que reivindica el trabajo pionero del grupo AFAL y su repercusión en la fotografía contemporánea española.
También hay un capítulo,  bastante extenso en imágenes de retratos y autorretratos, dedicado a los poetas de la luz y por allí desfilan destacados fotógrafos de todas las épocas.
No me quiero olvidar de un extensa sección que aparece en la revista que los editores han consagrado a ese juego intenso de poemas y fotografías desde los años cincuenta del siglo pasado hasta hoy.
Ni tampoco de una nota del gran fotógrafo español, José Manuel Navia. “Mucho se ha escrito acerca de la hermandad entre palabras e imágenes; soy de los que sienten que la fotografía mantiene un vínculo mucho más estrecho con la literatura que con cualquier otro medio de expresión” señala Navia, en la página 336.
Por último quiero compartir con ustedes unas imágenes que aparecen en este gran número de Litoral dedicado a una de mis grandes pasiones: las sombras.



Litoral. página 183



Los des-conocidos de siempre

En este mundo en el cual vivimos, muy pocas veces se hace justicia de una manera equilibrada y que deje a todos contentos por igual. Suena a utopía pensar en ello.
En el mundo de la fotografía es igual que en la vida, muchos fotógrafos de calidad quedan olvidados (vaya uno a saber porque) y, en algún momento, estos “desconocidos de siempre” logran salir a la luz y se les hace un poco de justicia. Y eso es lo que hizo la editorial La Fábrica en el 2007.

En un voluminoso libro compilado por la periodista Enrica Viganò y titulado: Neorealismo. La nueva imagen en Italia. 1932-1960,  se dedica cientos de páginas para mostrar, a modo de homenaje, a todos esos fotógrafos italianos que dieron vida a tan importante movimiento del siglo XX. Pero que vivieron a la sombra de las grandes estrellas del cine del neorelismo italiano como Victorio De Sica, Luchino Visconti, Roberto Rossellini, etc, etc.
La street photography le debe mucho a estos pioneros y en este post quiero compartir algunas imágenes de este libro que no tiene desperdicios. Un abrazo grande y buen fin de semana!!



©Nino Migliori - Gente de Emilia, Romaña. 1953



©Franco Pinna. Roma. 1956



©Gianni Berengo Gardin. Apulia. 1958



©Piergiorgio Branzi. Nápoles. 1953



©Giulinao Borghesan. Friuli. 1952