Miradas Cómplices constituye un laboratorio de ideas, de reflexiones fotográficas e imágenes que, quizás, encuentren vuestra complicidad.

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lunes, 24 de abril de 2017

Exploración fotográfica

Desde hace unos pocos años, se ha intentado desvincular la fotografía de calle (o street photography) con la fotografía en general como si fuera un subgénero documental de poca monta, de poca incidencia en el mundo documental. Nada más erróneo que admitir eso.
También es cierto que en este tsunami de imágenes que vivimos actualmente, hay mucha fotografía mala que, de alguna manera, desprestigia la verdadera esencia de la fotografía de calle: la exploración fotográfica entendida ni más ni menos como FOTOGRAFIA en mayúsculas y sin dogmatismo.
De alguna manera,  Alex Webb, en la fotografía documental contemporánea, nos abrió el camino al intentar realizar un trabajo fotográfico de calle en zona conflictiva como el que hizo en Haití.

@Alex Webb. De su proyecto Under a Grudging Sun, 1989.

Demostró así a los puristas del fotoperiodismo que se podía realizar un trabajo profundo con la fotografía de calle.  Solo deambulé e hice instantáneas sin un tema preestablecido y luego, en la edición, salió todo el discurso de ese lugar” explica Webb  revolucionando el ecosistema del fotoperiodismo que siempre se pregunta por las 5W


@Alex Webb. De su proyecto Under a Grudging Sun, 1989.

En cambio, el fotógrafo californiano apostó por el “como” (How) dándole cualidad al proyecto y allí está la clave del desarrollo de este tipo de fotografía con mayúsculas en donde la buena composición y el documento confluyen en la metáfora del lugar.

Otro ejemplo para apoyar esta tesitura que propongo hoy en el blog, es la que realizó Jazon Eskenazi, quien durante años, deambuló por la extinta Unión Soviética. 


@Jaon Ezkenazi

Su único interés fue captar con su cámara,  instantáneas que le transmitieran la vida  de su gente, su atmósfera, su entorno.


@ Jason Eskenazi

Wonderland: A Fairy Tale of the Soviet Monolith,  según Eskenazi, no fue pensado, en un principio como un proyecto documental acotado y organizado por temas. Todo lo contrario. Se dejó llevar por “la exploración fotográfica”, y luego de varios años, el discurso saltó de entre el cuerpo de su trabajo.


@ Jason Eskenazi


Sus fotografías brillan por la buena composición, potencia visual y porque transmiten “ese algo” del cambio que se estaba gestando en la Rusia post soviética. 


WONDERLAND : A Fairy Tale of the Soviet Monolith from kam studio on Vimeo.

Hasta pronto!



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jueves, 20 de abril de 2017

Una coartada a lo vertical


Muchas veces pienso porque nos vamos olvidando de hacer fotografías verticales. Y esto lo digo muy en serio. Cada vez hacemos menos.
 Muchos entusiastas de la fotografía que recién comienzan su aventura visual, hacen muchas imágenes verticales y luego se van olvidando. Quizás las pantallas de los ordenadores los van reeducando como hacen “las escuelas” y perdemos esa frágil sensibilidad por lo vertical…no sé….estoy escribiendo “en voz alta” y posiblemente todo lo que diga sea pensado con el corazón.

@Sergio Larrain. Valparaiso 1963

Así y todo, cada vez que veo fotografías en vertical como las que hizo, por ejemplo, Sergio Larrain, me dan genuinas ganas de salir a la calle y dejarme llevar por ese “recorte de la vida” tan ínfimo de ancho y tan diáfano en su altura como si miráramos por la rendija de una ventana. Eso es lo que me provoca una imagen vertical en su concepción y en su sensación. Y en especial,  la forma que trabajaba este gran maestro chileno.


@ Sergio Larrain. Valparaiso 1963

Siempre me gusta poner de ejemplo su Valparaiso porque es una ciudad vivida por Larrain casi siempre en vertical, desde la colina hacia el mar. Y esa verticalidad transmite la atmósfera geográfica del gran puerto chileno.
Y sus líneas y su estética me estremecen porque si estuvieran en horizontal, todo esa sensación de singularidad urbana se perdería, todo sería más visible, menos sugerente, menos singular.


@ Sergio Larrain. Valparaiso 1963


A veces pienso que Larrain quería esconder “algo” con sus verticales de Valparaiso. Y tiene sentido porque no quiere describir la ciudad, tan sólo desea rescatar su extrañeza. Así, sus fotografías tienen un aroma más atemporal que si fueran horizontales. Además cuentan algo interno de la fotografía y eso no se puede escribir con palabras. Pertenecen a su lenguaje más íntimo y eso es una maravilla intacta.



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viernes, 7 de abril de 2017

Menos informativo, más sugerente, menos prosa, más poesía

Esa frase no es mía. Pero podría serlo porque la siento así, cada vez que salgo a realizar fotos a la calle como un espíritu libre. Y creo que esa actitud me permite disfrutar de la fotografía como un acto en sí mismo,  en una búsqueda constante por transformarlo todo en un punto de vista subjetivo.


(c) Ernst Haas. USA 1968

En realidad, esa frase dicha por Ernst Haas en una entrevista en 1961, encierra un cambio de paradigma que en la fotografía documental hizo escuela hasta nuestros días. Y que, entre otras cosas, puso en veredas enfrentadas a la  fotografía para un trabajo o encargo y a la realizada por el simple hecho de disfrutar de la fotografía. Y yo claramente me quedo con la segunda opción.


(c) Ernst Haas. New York 1963


Haas fue un poeta de la luz. Le encantaba encontrarla en un contraluz, o fuera de foco. En ese sentido, fotógrafos como él fueron faros luminicos para muchos otros consecuentes con ese pensamiento de ser menos informativos y más sugerentes.


(c) Ernst Haas. USA 1967

Siempre creí que la poesía, al crear artificios con las palabras se comporta como subversiva, como más combativa en el mundo del lenguaje escrito. Y la fotografía urbana tiene eso de la poesía. A mi me gusta, como a Haas, alejarme de la realidad obvia, y evocar la fascinación por un color, por unas traviesas líneas que no dicen nada pero me atrapa la forma en cómo se concibió con una cámara.


(c) Ernst Haas. NY 1962


 En cambio, la prosa más ligada a una pluma inquieta, es revolucionaria por su forma de pensar mundos posibles imaginados. Y ello está emparentado con la narración, con el contar una historia. Y ese es otro camino quizás un paso adelante.



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lunes, 3 de abril de 2017

Algunas opiniones (en voz baja) sobre el color. Parte 2


Un color recurrente y muy buscado en las composiciones a color es el rojo por varias razones: es mucho más difícil de localizar (en ciudades de clima tropical se encuentra por todos lados) y tiene peso específico por su calidez, que le otorga  a la fotografía mucha potencia visual.

Cuba @ David Alan Harvey

 En síntesis, el rojo mantiene atento, alerta el despliegue escénico de la composición como si se tratara de una señal de humo.


@ Carlos Prieto

Sin embargo, el azul no actúa como un brillante cometa en el  firmamento; todo lo contrario, el azul transmite espacialidad, crea espacios.


Sin título
Barcelona @ Marcelo Caballero


De alguna manera, el azul se traga la imagen, o la atrapa dándole ubicuidad, respiración: plasma el espacio en la fotografía.



@ Pau Buscató

Por eso es tan interesante, recurrir a colores cálidos como el rojo para equilibrar la tensión cromática y, al azul (color frío) para darle espacialidad. Y a su vez, brinda a la composición profundidad de campo sin tener que recurrir al principio renacentista de las diagonales.



(c) Harry Gruyaert

Hasta pronto!


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